✳️ This review will be written in both English and Portuguese (PT-BR) - Essa crítica será escrita em inglês e português (PT-BR)✳️
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🇺🇸
Jiro Taniguchi is an author who has gained significant popularity in Brazil in recent years, mainly due to the "revival" initiated by the publisher Pipoca e Nanquim, bringing titles such as "A Distant Neighborhood," which is one of his most acclaimed works. With all this popularity, it was only a matter of time before "A Journal of My Father" arrived in Brazilian lands, a work that, in my opinion, solidifies the author as one of the great names in manga here in Brazil. It
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is this work that we will discuss throughout this review.
🔶 A Worldview Through the Eyes of Innocence
I think it’s important to start this review by talking a little about the innocent and often romanticized view we have of our parents. As children, we always see our parents as perfect beings, bastions of justice. However, over the course of life, we realize that this ideal is merely a reflection of a child's naive gaze, a gaze that gradually changes with the loss of this innocence. In his work, Taniguchi has managed to synthesize this transition very well, showing how we, as children, lack the ability to interpret the difficult situations our parents face. With the death of this "innocent gaze" and the emergence of a more "critical" and often even "aggressive" perception of the world during adolescence, we frequently blame our parents for actions or decisions they made during our upbringing. This complex relationship of hatred, remorse, and guilt is exemplarily portrayed in "A Journal of My Father."
Yoichi, whom we follow throughout the story, distanced himself from his father. Absorbed by work and harboring resentment from hazy memories related to his father, he hasn't visited him for more than a decade and holds few good memories of their time together. Therefore, when he receives the news of his father's death over the phone and is forced to travel to Tottori, his hometown, for the funeral, Yoichi doesn't quite know how to feel... or what to expect, and it is from here that the story unfolds.
Right away, we realize that this story is not for everyone. Not because it is a difficult read or addresses themes of complex comprehension for a younger audience, but because it deals with extremely delicate issues for those who have childhood traumas, especially those related to parents, such as abandonment or physical and psychological abuse. Of course, people who have never experienced this can understand the story's message well, but I believe it communicates more intimately with those who had a troubled relationship with their parents. Like Yoichi, these people may carry such deep resentment that it leads them to distance themselves and cut ties for years on end. It is with these people that I would like to speak at this moment.
I have a quite complex relationship with my family and I perfectly understood how Yoichi felt. He probably experienced a profound sense of loneliness, lost in the world without the support of his father, who wasn't as present as he would have liked, and without the help of his mother, who abandoned him. Adolescence, in itself, is a tumultuous phase, full of challenges and heightened emotions. For Yoichi, the lack of this foundation, which parents usually provide, resulted in growing resentment, especially towards his father. He blamed his father for not offering the support he deemed necessary, feeling betrayed and abandoned at times when he most needed guidance and affection.
As the manga's narrative unfolds, we realize that things are not always exactly as our minds make us believe. The manga leads us to reflect on the limited perspective we often have regarding our parents. When we are young, it is easy to interpret their actions and absences negatively, without considering the complexities and difficulties they also face. Throughout the story, Yoichi begins to understand better the reasons behind his father's emotional absence. He discovers that his father was also dealing with his own demons, trying to balance the responsibilities and pressures that fell upon him, having to take care of two children alone after his wife's departure, support a household alone, and so on. This revelation is a crucial point for Yoichi, who begins to reassess his own perceptions and resentments, realizing that not everything is as he remembered in his memories.
🔶 Social Pressures Over the Decades
In this work, Yoichi's father's life is presented in a very "intimate" manner, showing the multiple pressures and challenges he faced throughout his life. As a middle-aged man, he bore the responsibility of taking care of his household and family, in addition to facing the typical social expectations and demands of the time, demands that mainly came from his wife.
In the 1950s, the figure of the man was associated with the role of the primary provider for the family. There was intense pressure to ensure financial stability. For Yoichi's father, this meant working day and night to pay off a debt to his wife's parents, a burden he carried with a sense of duty and honor. This financial commitment required much of his time and consequently caused distress within the family due to his constant absence during everyday moments, you know?
Besides the financial pressures, Yoichi's father also faced typical demands from his wife, who believed he "wasn't the same as before." After the great Tottori fire, depicted in a part of the manga, it's clear that Yoichi's father's priorities changed, considering they lost everything in that fire. As a result, he felt compelled to focus on work to honor a debt to his in-laws, a debt he didn't even want, given that it was his wife who borrowed money from her parents.
His wife's frustration likely added an extra layer of stress to his life, creating a rather tense family dynamic. He was caught between the duty to provide for his family and the need to be emotionally present, an almost impossible task under the circumstances.
The social expectations of that time were extremely rigid. Men were expected to be strong, resilient, and capable of enduring any adversity without complaint. Showing vulnerability or failing to provide for the family was seen as a great weakness, a notion that persists to some extent even today, albeit more subtly. These unfair expectations often led many men to suppress their own feelings and needs, resulting in significant emotional strain. Comparing this to the present day, despite some progress in terms of gender equality and family roles, many of these pressures still exist. Men continue to face expectations to be the main providers, to be strong and emotionally restrained. Who hasn't heard the famous saying, "men don't cry," for example? Although there is greater acceptance of vulnerabilities and a more complete understanding of the importance of mental health, such cultural changes occur very slowly.
🔶 The Narrative Structure of a Master of Everyday Life
"A Journal of My Father" features a highly intimate narrative style, similar to other works by Taniguchi, such as "A Distant Neighborhood." The manga explores familial and complex feelings, set in a specific era of Japan, but with universal themes that resonate with any reader. With each page, we are immersed in a particular world of memories, prompting us to reflect on our own lives and relationships.
Taniguchi emphasizes the importance of continuous dialogue and empathy in interpersonal relationships. The narrative demonstrates that incomplete knowledge and misguided perceptions can lead to unfair judgments and unnecessary resentments. The manga challenges us to reconsider our attitudes and seek a deeper understanding of others.
Another standout feature of this manga's narrative structure is the extensive use of flashbacks. Most of the story unfolds during the night of Yoichi's father's wake, where friends and family share their memories and stories about the deceased. These accounts are not mere superficial recollections but delve deeply into the characters' experiences and feelings, revealing aspects of Yoichi's father that he had never considered, which significantly contributes to a slower pace. The manga's pace is deliberately slow and contemplative, reflecting the introspective nature of the story. This allowed me to absorb the emotional nuances of each scene and appreciate the complexity of the relationships and events narrated. The narrative does not rush to conclusions; instead, it invites readers to reflect on their own experiences and perceptions while following Yoichi's journey.
Despite its depth and complexity, the work is relatively accessible to all but will resonate more with adult readers, especially those who have faced similar challenges in their own lives. Adolescents and young adults can also appreciate the story, but those with more life experience will gain a richer understanding of the emotions and conflicts depicted. Emotion permeates the entire work, making it a touching and often moving read. The family dramas presented are realistic and sometimes unexpected, which makes the story even more engaging. For many readers, "A Journal of My Father" will be an experience that evokes tears and reflections on their own lives and family relationships.
🔶The Artistic Style of the Master of Everyday Life
The artistic style is one of the most striking aspects of this manga, and of the author in general. Technically, Taniguchi's art stands out for its precise detailing, well-planned composition, and the ability to convey subtle emotions through his drawings.
Taniguchi is famous for his precise and smooth lines, resulting in incredible visual clarity. Each line is drawn with care, creating clean and easy-to-understand images. This is crucial in a manga like this, where emotional and scenic details are essential to the story. The level of attention to detail is impressive. Taniguchi pays great attention to architecture, everyday objects, and landscapes, creating a realistic environment that enriches the reading experience and helps the reader immerse themselves in the story.
The way the panels are organized is carefully planned to guide the reader's eyes smoothly across the page. Taniguchi uses different sizes and shapes of panels to control the narrative's pace, alternating between intense close-ups and wide shots to establish the setting and atmosphere.
The influence of the "Ligne claire" style in Taniguchi's art is evident in many of his works, including "A Journal of My Father." He uses clear and clean lines, similar to the Ligne claire style seen in many European works, providing visual clarity that facilitates reading and understanding of scenes. The absence of complicated hatching and minimal use of shading help keep the illustrations crisp. While traditional Ligne claire is more stylized, Taniguchi combines this clarity with a more naturalistic detailing. He maintains the sharpness of the lines while adding numerous details, creating a unique balance between clarity and naturalism.
🔶One of the Great Names in Manga in Brazil
I can affirm that this is one of the author's most significant works. Beyond the narrated story, the work shows us that not everything is as our perspective makes us believe, leading me to deep reflections. I reflected on the resentment we often harbor against people, the blame we place on others to justify problems in our lives, and how life, in the end, can be ungrateful.
This work, alongside "A Distant Neighborhood," in my view, ranks among the author's masterpieces, solidifying him as one of the great names in manga here in Brazil.
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🇧🇷
Jiro Taniguchi é um autor que ganhou bastante popularidade no Brasil nos últimos anos, principalmente pelo “revival” que teve pela editora Pipoca e Nanquim, trazendo titulos como “Um Bairro Distante”, por exemplo, que é uma de suas mais consagradas obras.
Com toda essa popularidade, era questão de tempo até chegar em terras tupiniquins a obra “O Diário do meu Pai”, que a meu ver, consolida o autor como um dos grandes nomes do mangá aqui no Brasil, e é dessa obra que vamos discorrer ao longo dessa crítica.
🔶 A visão de mundo aos olhos da inocência.
Acho importante começar essa crítica falando um pouco sobre a visão inocente e, muitas vezes, romantizada que criamos de nossos pais. Quando somos crianças, sempre enxergamos nossos pais como seres perfeitos, bastiões da justiça. Porém, ao longo da vida, percebemos que esse ideal é apenas o reflexo do olhar ingênuo de uma criança, um olhar que, aos poucos, vai se alterando com a perda dessa inocência. Em sua obra, Taniguchi conseguiu sintetizar muito bem essa transição, mostrando como nós, enquanto crianças, não temos a capacidade de interpretar as situações difíceis que nossos pais enfrentam. Com a morte desse “olhar inocente” e o surgimento de uma percepção mais “crítica” e muitas vezes até “agressiva” do mundo na adolescência, muitas vezes culpamos nossos pais por atitudes ou decisões que tomaram durante nossa criação. Essa complexa relação de ódio, remorso e culpa é retratada de maneira exemplar em “O Diário do meu Pai”.
Yoichi, que é quem acompanhamos ao longo da história, se distanciou do próprio pai. Absorvido pelo trabalho e remoendo o rancor de memórias meio turvas com relação ao pai dele, ele não o visita há mais de uma década e guarda poucas lembranças boas sobre a convivência entre eles. Por isso, quando recebe a notícia da morte do pai pelo telefone e se vê obrigado a viajar para Tottori, sua terra natal, para o velório, Yoichi não sabe muito bem como se sentir... nem o que esperar, e é a partir daí da que história se desenrola.
Logo de cara, percebemos que essa história não é para qualquer um. Não porque seja uma leitura difícil ou aborde temas de complexa compreensão para um público mais jovem, mas porque lida com questões extremamente delicadas para quem possui traumas de infância, especialmente aqueles relacionados aos pais, como abandono ou abuso físico e psicológico. É claro que pessoas que nunca passaram por isso podem entender bem a mensagem da história, mas acredito que ela se comunica de maneira mais íntima com quem teve uma relação conturbada com seus pais. Assim como Yoichi, essas pessoas podem carregar um rancor tão profundo que as leva a se afastar e cortar relações por anos a fio. É com essas pessoas que gostaria de falar neste momento.
Tenho uma relação bastante complexa com meus familiares e consegui entender perfeitamente como Yoichi se sentiu. Provavelmente, ele experimentou uma profunda sensação de solidão, perdido no mundo sem o apoio do pai, que não estava tão presente quanto ele gostaria, e sem o auxílio da mãe, que o abandonou.
A adolescência, por si só, é uma fase tumultuada, repleta de desafios e emoções a flor da pele. Para Yoichi, a falta desse alicerce que são os pais, resultou em um ressentimento crescente, principalmente com relação ao pai dele. Ele culpava o pai por não ter oferecido o apoio que julgava necessário, sentindo-se traído e abandonado em momentos em que mais precisava de orientação e carinho.
À medida que a narrativa do mangá se desenrola, percebemos que as coisas nem sempre são exatamente como nossa mente nos faz acreditar. O mangá nos leva a refletir sobre a perspectiva limitada que muitas vezes temos em relação aos nossos pais. Quando somos jovens, é fácil interpretar suas ações e ausências de forma negativa, sem considerar as complexidades e dificuldades que eles também enfrentam. Ao longo da história, Yoichi começa a entender melhor as razões por trás da ausência emocional de seu pai. Ele descobre que seu pai também estava lidando com seus próprios demônios, tentando equilibrar as responsabilidades e pressões que recaíam sobre ele, tendo que cuidar de dois filhos sozinhos após a ida de sua esposa, sustentar sozinho uma casa etc. Essa revelação é um ponto muito importante para Yoichi, que começa a reavaliar suas próprias percepções e ressentimentos, percebendo que nem tudo é como ele lembrava em suas memórias.
🔶 As pressões sociais ao longo das décadas.
Nessa obra, a vida do pai de Yoichi é apresentada de maneira bem “intimista”, mostrando as múltiplas pressões e desafios que ele enfrentou ao longo de sua vida. Como um homem de meia-idade, ele carregava a responsabilidade de cuidar de sua casa e de sua família, além de enfrentar as expectativas e demandas sociais típicas da época, demandas essas que partiam principalmente de sua esposa.
Nos anos 50, a figura do homem era associada ao papel de provedor principal da família. Havia uma pressão intensa para garantir a estabilidade financeira. Para o pai de Yoichi, isso significava trabalhar dia e noite para pagar uma dívida aos pais de sua esposa, um fardo que ele carregava com uma espécie senso de dever e honra. Este compromisso financeiro exigia grande parte de seu tempo, e por consequência, causava um mal-estar na família, pelo fato dele nunca conseguir estar presente em momentos corriqueiros da vida, sabe?
Além das pressões financeiras, o pai de Yoichi também enfrentava as típicas cobranças de sua esposa, que acreditava que ele "não era o mesmo de antes". Após o grande incêndio de Tottori que é demonstrado em certa parte do mangá, claramente é perceptível que as prioridades do pai de Yoichi mudaram, tendo em vista que eles perderam absolutamente tudo naquele incêndio, com isso, ele se via obrigado a focar no trabalho para honrar uma dívida com seus sogros, dívida essa que nem seque ele gostaria de ter, tendo em vista que foi sua esposa que pediu dinheiro emprestado para seus pais.
A frustração da sua esposa provavelmente adicionava uma camada extra de estresse à sua vida, criando uma dinâmica familiar bastante tensa. Ele estava preso entre o dever de prover para sua família e a necessidade de ser emocionalmente presente, uma tarefa quase impossível nas circunstâncias em que se estava.
As expectativas sociais daquela época eram extremamente rígidas. Homens eram esperados a ser fortes, resilientes e capazes de suportar qualquer adversidade sem reclamar. Mostrar vulnerabilidade ou falhar em prover para a família era visto como uma grande fraqueza, fato esse que até nos dias de hoje é bem presente, mesmo que de forma velada. Essas expectativas injustas frequentemente levavam muitos homens a sufocarem seus próprios sentimentos e necessidades, resultando em um desgaste emocional muito grande. Comparando com os dias de hoje, apesar de alguns progressos em termos de igualdade de gênero e papéis familiares, muitas dessas pressões ainda existem. Homens continuam a enfrentar expectativas de serem os principais provedores, de serem fortes e emocionalmente contidos, quem nunca ouviu o famoso ditado “homem não chora”, por exemplo? Embora haja uma maior aceitação de vulnerabilidades e uma compreensão mais complete da importância da saúde mental, esse tipo de mudança cultural acontece de maneira bem lenta.
🔶 A estrutura narrativa do mestre do cotidiano
"O Diário do Meu Pai" possui um estilo de narrativa bem intimista, semelhante a outras obras de Taniguchi, como "Um Bairro Distante". O mangá explora sentimentos familiares e complexos, situados em uma época específica do Japão, mas com temas universais que ressoam com qualquer leitor. A cada página, somos imersos em um mundo particular de memórias, que nos fazem refletir sobre nossas próprias vidas e relacionamentos.
Taniguchi destaca a importância do diálogo contínuo e da empatia nas relações interpessoais. A narrativa mostra que o conhecimento incompleto e as percepções equivocadas podem levar a julgamentos injustos e ressentimentos desnecessários. O mangá nos desafia a reconsiderar nossas atitudes e a buscar uma compreensão mais profunda dos outros.
Outra característica de destaque da estrutura narrativa de desse mangá é o uso extensivo de flashbacks. A maior parte da história se passa durante a noite do velório do pai de Yoichi, onde amigos e familiares compartilham suas memórias e histórias sobre o falecido. Esses relatos não são apenas rememorações superficiais, mas mergulham profundamente nas experiências e sentimentos dos personagens, revelando aspectos do pai de Yoichi que ele nunca havia considerado, o que contribui bastante para um ritmo mais “lento”. O ritmo do mangá é deliberadamente lento e contemplativo, refletindo a natureza introspectiva da história. Isso fez com que eu absorvesse mais as nuances emocionais de cada cena, me fez perceber a complexidade das relações e eventos ali narrados. A narrativa não se apressa para chegar a conclusões; em vez disso, nos convida a refletir sobre suas próprias experiências e percepções enquanto acompanham a jornada de Yoichi.
Apesar de sua profundidade e complexidade, a obra é relativamente acessível a todos, mas irá conversar mais com leitores adultos, especialmente aqueles que já enfrentaram desafios parecidos em suas próprias vidas. Adolescentes e jovens adultos também podem apreciar a história, mas aqueles com mais experiência de vida vão extrair uma compreensão mais rica das emoções e conflitos retratados, sabe? A emoção permeia toda a obra, tornando-a uma leitura tocante e muitas vezes comovente. Os dramas familiares apresentados são realistas e, por vezes, inesperados, o que torna a história ainda mais envolvente. Para muitos leitores, "O Diário do Meu Pai" será uma experiência que evoca lágrimas e reflexões sobre suas próprias vidas e relações familiares.
🔶 O estilo artístico do mestre do cotidiano
O estilo artístico é um dos aspectos mais marcantes desse mangá, e também do autor de maneira geral. De forma técnica, a arte dele se destaca pelo detalhamento preciso, pela composição bem planejada e pela habilidade de passar emoções sutis através dos desenhos.
Taniguchi é famoso por suas linhas precisas e suaves, o que resulta em uma clareza visual incrível. Cada linha é desenhada com cuidado, criando imagens limpas e fáceis de entender. Isso é super importante em um mangá como como esse, onde os detalhes emocionais e de cenário são essenciais para a história. O nível de atenção nos detalhes é impressionante. Taniguchi dá muita atenção à arquitetura, aos objetos do dia a dia e às paisagens, criando um ambiente realista que enriquece a experiência de leitura e ajuda o leitor a se imergir na história.
A maneira como os painéis são organizados é bem planejada para guiar os olhos do leitor de forma fluida pela página, sabe? Taniguchi usa diferentes tamanhos e formas de painéis para controlar o ritmo da narrativa, alternando entre closes intensos e vistas amplas para estabelecer o cenário e a atmosfera.
A influência da “Linha clara” na arte de Taniguchi é bem clara em várias de suas obras, incluindo "O Diário do Meu Pai". Ele utiliza linhas claras e limpas, semelhante ao estilo Linha Clara que vemos bastante em obras européias, proporcionando uma clareza visual que facilita a leitura e a compreensão das cenas. A ausência de hachuras complicadas e o uso mínimo de sombreamento ajudam a manter as ilustrações bem nítidas. Enquanto o Linha Clara tradicional é mais estilizado, Taniguchi combina essa clareza com um detalhamento mais puxado para o naturalismo. Ele mantém a nitidez das linhas enquanto adiciona muitos detalhes, criando um equilíbrio único entre clareza e naturalismo.
🔶 Um dos grandes nomes do mangá no Brasil
Posso afirmar que esta é uma das obras mais significativas do autor. Além da história narrada, a obra nos monstra que nem sempre tudo é como nossa perspectiva nos faz acreditar, o que me levou a profundas reflexões. Refleti sobre o rancor que muitas vezes guardamos das pessoas, sobre a culpa que atribuímos aos outros para justificar problemas em nossas vidas, e sobre como a vida, no fim, pode ser ingrata.
Essa obra, ao lado de “Um Bairro distante”, a meu ver, figura entre as obras primas do autor, o que só o estabelece como um dos grandes nomes do mangá aqui no Brasil.
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Jun 10, 2024
Chichi no Koyomi
(Manga)
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✳️ This review will be written in both English and Portuguese (PT-BR) - Essa crítica será escrita em inglês e português (PT-BR)✳️
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Feb 7, 2024 Recommended Well-written
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However, this decision ends up changing his life forever. Personally, I consider Monster a classic of the industry, not only because of its impact within the market, but also because of all the social and philosophical weight that this work carries with it. And why is Monster so special? Well, I believe that this work goes far beyond what is expected of a manga. Not that one necessarily expects a shallow plot in a manga, but it is undeniable that there is a lot of garbage within this market, as in any other. Monster is not just the story of a doctor who decides to save a boy's life and ends up getting involved in a dark plot of conspiracies, murderers, and the search for a "monster". It is also a story about human complexity, the nature of justice, and the consequences and impacts of our own actions on the world. The philosophical merit of Monster becomes clear from the beginning of the plot, with a question as nuanced as "What is the value of life?". This is the dilemma that Tenma finds himself confronted with early in the story, when he is forced to prioritize the life of one person over another. This conflict goes against his personal and even professional convictions, as a doctor whose priority is always to save the life of whoever arrived first. In such cases, it is common for people to prioritize saving the lives they consider more valuable or important, such as children, the elderly, community leaders, or people with valuable skills to society. But who has the right to decide who is more important and who deserves to live? This is the question that the work proposes to its readers (or at least it should propose). For Tenma, the value of life is intrinsically linked to his oath as a doctor, which obliges him to protect life at any cost. Making any kind of analysis regarding Tenma's character is difficult because he is a highly idealized character, almost like a Jesus Christ. However, this does not diminish the impact of the work in exploring the complexity of human nature, especially in relation to the question of the value of life. This view of the value of life is presented in contrast to Johan Liebert's perspective, which represents the opposite extreme. For Johan, the value of life is insignificant and he acts completely amorphously, without any sense of morality or empathy. The origin of this emptiness is a much-debated theme in the plot. Was he born this way or did he become this way due to the circumstances surrounding him? And is that what really matters? These are some of the reflections that the work proposes, making it a classic of the industry not only for its intriguing narrative, but also for the philosophical depth it presents. The philosophical reflection on who deserves to live or die is a complex and delicate issue. After all, who are we to judge the value of another person's life? Some may have thought they had the answer to this question, but I don't think that ended very well, did it? Most cultures believe that all lives are equal and that each individual has the fundamental right to live. However, there are circumstances in which people need to make difficult choices, such as in situations of war, natural disasters, or when there is a scarcity of resources. All this subtext reminds me of the classic trolley dilemma: Would you divert the train from its track so that instead of killing a group of 5 people, only 1 would die? And what if that one person was a relative of yours? Clearly, it's not a question that has a correct answer, and that's precisely why this theme is an eternal "hot potato". Various authors can debate it for years on end, and no one will actually find an answer, as it is a very individual decision, which in my view makes the character of Tenma simplistic, and even a bit boring. For Tenma, the value of life is defined by the legacy of his profession. He thinks that life is the most precious good and must be protected at any cost, as if he were following the Hippocratic Oath to the letter, you know? Due to his indiscriminate dedication to any patient, whether they are a good guy or a bastard, rich or poor, without questioning the real meaning of that value he so clings to. But the real debate that the manga wants to bring to light is when it puts Tenma's worldview in direct confrontation with Johan's convictions (or lack thereof?). The dichotomy between Tenma and Johan is, in a very superficial way, the clash between good and evil (I really hope you, as a reader, haven't reduced this broad debate to just that). The fundamental difference between these two characters is how they view human life. This theme goes beyond the scope of fictional narrative, making it a reflection on human condition itself and the ethical tensions that exist worldwide and accompany us almost daily in our lives. The fact that Tenma is forced to choose between saving one life or another already indicates that ethics is not something that can be determined in advance, but rather something that emerges in encounter with concrete reality, which again, only reinforces my point that Tenma, like Johan, are somewhat shallow characters. And since I've been mentioning this for some time, let's finally talk about the dreaded characters of Monster. 🔶The Unidimensionality of an Unconvincing Character The construction and development of characters are fundamental aspects in the narrative of any work, whether literary, cinematographic, or in other forms of media. The success of a character lies not only in their appearance or the active actions they commit throughout the story, but also in their construction, motivations, sense of empathy, and especially in the narrative development throughout the plot. When it comes to Tenma, it is possible to perceive a series of flaws in his construction that make him an objectively poorly developed character. His motivation is simple: he wants to redeem himself for the mistake he made in saving Johan. However, this mistake is not as well established as it should be, leaving the reader without understanding the true weight it had on the character's life. It is superficially clear that it left him shaken in a way, especially because he feels responsible for saving that man who is committing various crimes, but do you realize that this makes no sense with the persona presented so far? Tenma has always been portrayed as an altruistic man, who saves lives, regardless of whose life it is, and because of actions taken by this saved life, he simply thinks he has the right to take it now? I understand that there are his motivations for being a fugitive, wanting to prove his innocence, however, still, his uncontrollable urge to kill Johan, simply because he feels responsible for his "rebirth" doesn't fit with his ideals of "Everyone has the right to life." So does that mean that suddenly his speech became "Everyone has the right to life! But not that one over there" He is bad, sooo bad!", damn, come on. If his goal were to bring Johan to justice, it would be easily understandable, and don't get me wrong, I'm not saying that Tenma needs to be a one-dimensional character, and go to the grave with his opinions and values, they can and should change throughout his life, but this construction of change did not occur naturally, so it didn't convince me. In the end, I know this is not a popular opinion, but it's what I observed throughout my reading, and of course, it's not any absolute truth (just like nothing in life). 🔶The Importance of Geography in Monster One of the main political aspects that the manga addresses is the fall of the Berlin Wall and the end of the Soviet Union. The fall of ]the Berlin Wall is one of the most significant events of the late 20th century, and the way the manga approaches this event is quite interesting, to say the least. Here we see the evolution of post-wall Germany, with the growth of the economy and the emergence of new work and business opportunities. But (there's always a "but"), the manga also portrays the problems faced by German society, such as xenophobia and discrimination against immigrants and refugees (just like today, there is great discrimination against immigrants in France, for example). The manga talks a bit about the conflict between the two Germanys, which became clear after reunification in 1990. At the time the story takes place, Germany was still divided, and tensions between the two parts were quite high. The manga shows the impact that this division had on German society, especially regarding immigrants and refugees. Immigration was (and still is) a controversial issue, especially in Germany during the 1980s and 1990s. With the growth of the German economy, the country needed labor for various sectors (which reminds me a lot of present-day Japan). This led to the arrival of many immigrants, mainly Turks. Urasawa shows how German society dealt with this wave of immigration, portraying both intolerance and xenophobia, as well as immigrants' struggle for their rights and integration into German society. I don't know to what extent this portrayal was not somewhat exaggerated. Not that I am a great connoisseur of this historical moment, but the fact is that neither I nor Urasawa lived in Germany at the time of the fall of the wall, so any opinion I give, and that Monster presents, are mere opinions based on what we have read from those who actually studied or experienced this event... but who needs historical accuracy when you can have an old orphanage conducting psychological experiments on children to build an "ideal citizen"? I'm talking about the 511 Kinderheim, an orphanage that conducted various experiments on children to create a "perfect man". And this idea is not so absurd after all; there are indeed real cases of "re-education" in children and young people to fit what society expects of its "citizens". And don't think that this is so far from our reality, or have you not noticed that the Brazilian education system was also built with the intention of creating good workers? I won't delve so deep into this subject, go study on your own! The manga also presents some pretty cool social and political nuances. From the aforementioned Turkish immigration to the Cold War and refugees escaping their home countries to live in peace. The conflict between the neo-Nazi organization and the Turkish immigrant community is a clear example of the tensions that still existed in German society. Anyway, it's impressive how a suspense and horror manga can be so immersive and at the same time teach us something about the history and geography of a country. Even with its absurd ideas and dark themes, Monster is a worthwhile read for those who want to learn a little more about German history (even if the data there is not the most reliable on earth). 🔶The Monster in "Monster" Isn't That Monstrous After All This work is considered by many to be a masterpiece of the psychological suspense and horror genre. And undoubtedly, one of the great strengths of the work is its villain, Johan. However, I argue that, despite all the fame, Johan is not as well-written as many claim. My problem with Johan is that he is almost always portrayed as an almost divine figure, with abilities and knowledge beyond human possibility, you know? This can be interesting in certain types of scripts, but here it ends up distancing the character from the reality of the story, making him less impactful and less interesting than he could be. This aspect, of him always being portrayed as a supernatural being, with intelligence and abilities that seem almost magical, and how he is able to manipulate people with extreme ease, even when they know they are being manipulated, or how he can predict and control the movements of other people, sort of like a master of a human chess game, simply pulls me away from the work because it ends up quite out of tune with what is presented in the manga. The author makes it clear that that story is set in the real world, obeying the rules we know in our reality, but there is a forced aspect to Johan's actions. Like how he manages to manipulate Roberto to the point where the guy gives up his own life and becomes a mass murderer without very well-established motives or objectives, you know? Did cases like this exist in reality? Of course they did, there were sects that did things as bad as that, but here it is not explained how this process happened, you know? How does Johan manipulate people in such a way? Does he use people's political passions for this, like a certain mustached man did in the past? I don't know because the manga doesn't show us! There is a saying that goes "show, don't tell," and I think this manga has a lot of this problem, it talks a lot, but shows little. I don't want to know how cruel and manipulative Johan is coming from other characters' mouths; I want to see that, I want to "feel" his persuasion process, but that's not what I saw, so I'm not convinced (sorry, had to rhyme). Although this ability is impressive at first glance, it ends up harming Johan's character. He doesn't seem like a realistic character but rather an artificial construction created to be a kind of archetypal villain, an archetype that has been widely used in the history of cinema, literature, and even manga, and that may be interesting in some contexts, but here it seems artificial and forced. A realistic character is one who has a clear and understandable motivation, who acts according to that motivation, and who has a consistent character arc, but the problem with Johan is that his motivation is often obscure and poorly explained. Although we know he is a sociopath, the depth and complexity of his motivations are never fully explored. We could say that his motivation was to "completely erase his existence from the face of the earth," not only by committing suicide but also by taking everyone who remembers him along, thus sort of definitively erasing his existence, without memories, without a physical body, nothing. But between us, what a shitty motivation, no more. 🔶Urasawa is a Sacred Monster Monster is one of the pinnacles of sequential art, showcasing impressive technical skill in all visual aspects. Its style is rich in detail, with clear and precise lines, and it employs a lot of light and shadow contrast, which enhances the depth of the characters and scenes. The textures used for materials also bring a strong sense of "groundedness," something easily relatable to reality, so to speak. His use of shadows is also commendable, always well-applied, bringing weight to the scenes when necessary, especially in the final panels of this manga, it's truly eye-catching. Regarding character design, the work presents a wide variety of characters that are easily distinguishable from each other. I find it remarkable the ability to convey important information about the characters through their appearance, something that few manga manage to do well, by the way. Let's take Tenma as an example; he is depicted as a tall, slender man with black hair, common characteristics of a classic manga protagonist. However, his somewhat hunched posture and introspective gaze create a sense of emotional weight that is rarer in this type of character, making him more complex and realistic. Another interesting point to mention is the ability to construct good scenarios here; the balance between the amount of detail and simplicity in presentation is the key to success. Here, Urasawa manages to create environments with richness of detail without making them excessively complex or confusing because, whether we like it or not, creating a scenery loaded with information is relatively easy (yes, I'm talking about you, Asano), but finding the right balance between creating "layers" for each element in the frame, and the perspective and framing to convey the sensation of depth and space, that's for a few! And Urasawa uses these techniques, such as overlapping objects, depth planes, and varying camera angles to create a sense of expansiveness in the scenarios. And most importantly, knowing how to create a contrast between the characters and the scenery, this is something that few do well, and here we have a great example of how much this contributes to our immersion in a work. Anyway, I could spend hours talking about the technical quality of this manga, but that would be stating the obvious... Urasawa is a sacred monster! 🔶Yes, Monster is very good, a timeless classic Despite its shortcomings, there's no denying that this manga is a "modern classic," and I know, what the hell defines whether a work is a classic or not? Well, for me, impact, longevity, and objective qualities are characteristics that build a classic, and Monster has it all! An impact on the industry, and not just that, but also on comic culture. Longevity, a timeless work that ages like fine wine, where with each reading, it's possible to grasp new messages and interpretations... It's no wonder that here I am, years after its publication, discussing Monster. Objective qualities, such as the construction of a good, well-structured plot, with good pacing, engaging characters, despite their missteps, well... All of this together, and a special touch of "Urasawa," make this manga one of the greats in the manga industry. 𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚𓐚 🇧🇷 🔶O monstro em "Monster" não é tão monstruoso assim A Minha experiência com Monster foi no mínimo interessante. Inicialmente, confesso que o tamanho do mangá me deu um pouco de preguiça de começar a ler a obra, o que me fez demorar a pegar o mangá e ler de cabo a rabo. Entretanto, após vencer essa barreira, fui imerso em uma história rica em reflexões filosóficas sobre a vida, a moralidade e a natureza humana. Mas, apesar de tudo, o monstro em “Monster”, no final não era tão monstruoso assim. 🔶O Valor da Vida O mangá começa com a apresentação do personagem principal, o Dr. Kenzo Tenma, um jovem e talentoso neurocirurgião que trabalha em um hospital em Düsseldorf, na Alemanha. Tenma é confrontado com uma escolha difícil quando dois pacientes precisam de uma cirurgia de emergência: o prefeito da cidade e um menino chamado Johan. Ele escolhe salvar a vida do menino, ignorando as ordens do seu superior e a hierarquia do hospital. No entanto, essa decisão acaba mudando sua vida para sempre. Eu, particularmente, considero Monster um clássico da indústria, não só devido ao seu impacto dentro desse mercado, mas também por todo o peso social e filosófico que essa obra carrega consigo. E por que Monster é tão especial? Bem, eu acredito que essa obra vai muito além do que se espera de um mangá. Não que se espere necessariamente um enredo raso em um mangá, mas é inegável que existe muito lixo dentro desse mercado, assim como em qualquer outro. Monster não se resume apenas à história de um médico que decide salvar a vida de um garoto e acaba se envolvendo em uma trama obscura de conspirações, assassinos e busca por um "monstro". É também uma história sobre a complexidade humana, a natureza da justiça e as consequências e impactos das nossas próprias ações no mundo. O mérito filosófico de Monster fica claro desde o começo da trama, com uma pergunta tão cheia de nuances quanto "Qual é o valor da vida?". Esse é o dilema que Tenma se vê confrontado logo no início da história, quando é forçado a priorizar a vida de uma pessoa em detrimento de outra. Esse conflito vai de encontro às suas convicções pessoais e até profissionais, como médico, cuja prioridade é sempre salvar a vida de quem chegou primeiro. Nesses casos, é comum que as pessoas priorizem salvar as vidas que consideram mais valiosas ou importantes, como as de crianças, idosos, líderes comunitários ou pessoas com habilidades valiosas para a sociedade. Mas quem tem o direito de decidir quem é mais importante e quem merece viver? Essa é a pergunta que a obra propõe aos seus leitores (ao menos deveria propor). Para Tenma, o valor da vida está intrinsecamente ligado ao seu juramento como médico, que o obriga a proteger a vida a qualquer custo. Fazer qualquer tipo de análise referente ao personagem de Tenma é difícil, pois ele é um personagem altamente idealizado, quase como um Jesus Cristo. No entanto, isso não diminui o impacto da obra em explorar a complexidade da natureza humana, especialmente em relação à questão do valor da vida. Essa visão do valor da vida é apresentada em contraste com a perspectiva de Johan Liebert, que representa o extremo oposto. Para Johan, o valor da vida é insignificante e ele age de forma completamente amorfa, sem qualquer senso de moralidade ou empatia. A origem desse vazio é um tema muito debatido na trama. Será que ele nasceu assim ou se tornou assim devido às circunstâncias que o cercaram? E será isso que de fato importa? Essas são algumas das reflexões que a obra propõe, tornando-a um clássico da indústria não apenas pela sua narrativa intrigante, mas também pela profundidade filosófica que apresenta. A reflexão filosófica sobre quem merece viver ou morrer é uma questão complexa e delicada. Afinal, quem somos nós para julgar o valor da vida de outra pessoa? Há quem já achou que tinha a resposta para essa pergunta, mas acho que isso não acabou muito bem, não é mesmo? A maioria das culturas acredita que todas as vidas são iguais e que cada indivíduo tem o direito fundamental de viver. No entanto, existem circunstâncias em que as pessoas precisam fazer escolhas difíceis, como em situações de guerra, desastres naturais ou quando há uma escassez de recursos. Todo esse subtexto me faz lembrar do clássico dilema do trilho do trem: Você desviaria o trem de seu trilho, para ao invés de matar um grupo de 5 pessoas, matasse apenas 1? E se essa única pessoa fosse um parente seu? Claramente não é uma questão que tenha uma resposta correta, e é justamente por isso que esse tema é um “pano para manga” eterno. Diversos autores podem debater acerca dele durante anos a fio, e ninguém de fato encontrará uma resposta, pois isso é uma decisão muito individual, o que a meu ver torna o personagem do Tenma simplista, e até mesmo meio chato. Para Tenma, o valor da vida é definido pelo legado de sua profissão. Ele pensa que a vida é o bem mais precioso e deve ser protegido a qualquer custo, como se estivesse seguindo o Juramento de Hipócrates a ferro e fogo, sabe? Por sua dedicação indiscriminada a qualquer paciente, seja ele um cara bom ou um desgraçado, rico ou pobre, sem questionar sobre o real significado daquele valor que ele tanto se apega. Mas o verdadeiro debate que o mangá quer trazer à tona é quando ele coloca essa visão de mundo do Tenma em confronto direto com as convicções (ou falta delas?) de Johan. A dicotomia entre Tenma e Johan é, de forma muito superficial, o embate entre o bem e o mal (eu realmente espero que você, como leitor, não tenha resumido esse amplo debate a somente isso). A diferença fundamental entre esses dois personagens é a forma como veem a vida humana. Esse tema extrapola o âmbito da narrativa ficcional, fazendo dele uma reflexão sobre a própria condição humana e as tensões éticas que existem mundo a fora e que nos acompanham quase que diariamente em nossas vidas. Fato é que a relação entre esses dois personagens não se dá apenas na esfera do bem e do mal, mas sim na complexidade que envolve a vida e a morte, a ética e a moral, a culpa e a inocência. Ao colocar em cena esses dois personagens, o Urasawa nos mostra uma reflexão profunda sobre as tensões éticas que perpassam nossa vida cotidiana. De um lado, temos a visão humanista, que defende a vida como um valor supremo e que se baseia em princípios universais de justiça. Do outro lado, temos a visão individualista, que coloca o indivíduo acima de tudo e que não se preocupa com as consequências de suas ações sobre os outros. Esse mangá nos passa a ideia de que a ética não é algo absoluto, mas sim algo que se constrói no diálogo e na negociação entre diferentes pontos de vista. O fato de Tenma se ver obrigado a escolher entre salvar uma vida ou outra já indica que a ética não é algo que possa ser determinado de antemão, mas sim algo que emerge no encontro com a realidade concreta, o que novamente, só reforça o meu ponto de que Tenma, assim com Johan, são personagens um tanto quanto rasos. E já que estou citando isso há algum tempo, vamos enfim falar sobre os temidos personagens de Monster. 🔶A unidimensionalidade de um personagem inconvincente A construção e desenvolvimento de personagens é um aspecto fundamental na narrativa de qualquer obra, seja ela literária, cinematográfica ou em outras formas de mídia. O sucesso de um personagem não está somente em sua aparência ou nas ações ativas que comete ao longo da história, mas sim em sua construção, motivações, senso de empatia e principalmente no desenvolvimento narrativo ao longo da trama. Quando se trata do Tenma, é possível perceber uma série de falhas em sua construção que o tornam um personagem objetivamente mal desenvolvido. Sua motivação é simples: ele deseja redimir-se pelo erro que cometeu ao salvar Johan. Esse erro, no entanto, não é tão bem estabelecido como deveria ser, deixando o leitor sem entender o verdadeiro peso que ele teve na vida do personagem. Fica claro, de forma superficial, que aquilo deixou ele abalado de certa forma, até porque ele se sente responsável por ter salvado aquele homem que está cometendo diversos crimes, mas percebe com isso não faz sentido com a persona apresenta até aqui? Tenma sempre foi apresentado como um homem altruísta, que salva vidas, independente de qual vida seja, e por conta de ações realizadas por essa vida salva, ele simplesmente acha que tem o direito de ceifá-la agora? Eu entendo que existem ali as motivações dele estar foragido, querendo provar sua inocência, porém ainda assim, o ímpeto incontrolável dele de matar Johan, simplesmente porque ele se sente o responsável pelo “renascimento” do mesmo não encaixa com seus ideais de “Todos tem direito a vida”. Quer dizer então que de repente o discurso dele se tornou “Todos tem direito a vida! Mas aquele ali não” Ele é mal, maaaal!”, porra, não fode. Se o objetivo dele fosse levar o Johan a justiça, seria facilmente entendível, e não me entenda errado, não estou dizendo que o Tenma precisa ser um personagem unidimensional, e vai até o túmulo com suas opiniões e valores, eles podem e devem mudar ao longo de sua vida, mas essa construção da mudança não ocorreu de maneira natural, logo, não me convenceu. No fim, sei que essa não é uma opinião popular, mas foi o que eu observei ao longo da minha leitura, e claro, não é nenhuma verdade absoluta (assim como nada na vida). 🔶A importância da geografia em Monster Um dos principais aspectos políticos que o mangá aborda é a queda do muro de Berlim e o fim da União Soviética. A queda do muro de Berlim é um dos eventos mais grandiosos do final do século XX, e a forma como o mangá aborda esse acontecimento é bem interessante, no mínimo. Aqui vemos a evolução da Alemanha pós queda do muro, com o crescimento da economia e o surgimento de novas oportunidades de trabalho e negócios. Mas (sempre tem uma “mas”), também são retratados os problemas enfrentados pela sociedade alemã, como a xenofobia e a discriminação contra imigrantes e refugiados (assim como hoje, existe uma grande discriminação com os imigrantes na França, por exemplo). O mangá fala um pouco sobre o conflito entre as duas Alemanhas, que ficou claro após a reunificação em 1990. Na época em que a história se passa, a Alemanha ainda estava dividida, e as tensões entre as duas partes eram bastante elevadas. O mangá mostra o impacto que essa divisão teve sobre a sociedade alemã, especialmente em relação aos imigrantes e refugiados. A imigração foi (e ainda é) um assunto polêmico, e na Alemanha durante os anos 80 e 90. Com o crescimento da economia alemã, o país precisou de mão de obra para trabalhar em diversos setores (o que me lembra bastante o Japão dos dias atuais). Isso levou à chegada de muitos imigrantes, principalmente turcos. Urasawa mostra como a sociedade alemã lidou com essa onda de imigração, retratando tanto a intolerância e a xenofobia quanto a luta dos imigrantes por seus direitos e sua integração na sociedade alemã. Eu não sei até que ponto essa retratação não foi um tanto quanto exagerada, até. Não que eu seja um grande conhecedor desse momento histórico, mas fato é que nem eu, nem o Urasawa viveu na Alemanha na época da queda do muro, então qualquer opinião que eu dê, e que o mangá de Monster apresenta, são meras opiniões embasadas no que lemos de quem de fato estudou ou vivenciou esse acontecimento..., mas, quem precisa de precisão histórica quando você pode ter um antigo orfanato que realiza experimentos psicológicos em crianças para construir um "cidadão ideal"? Falo do 511 Kinderheim, orfanato que fazia diversas experiências em crianças para criar um “Homem perfeito”. E essa ideia não é algo tão absurdo assim, existem sim casos reais de “reeducação” em crianças e jovens para se adequar a aquilo que a sociedade espera de seus “cidadãos”. E não ache que isso está tão longe da nossa realidade, ou você não notou que o sistema de educação brasileiro também foi construído com o intuito de criar bons operários? Não vou me aprofundar tanto assim nesse assunto, vá estudar por conta própria! O mangá também apresenta nuances sociais e políticas bem fodas. Desde a imigração turca já citada, até a Guerra Fria e os refugiados que escapavam de seus países de origem para viverem em paz. O conflito entre a organização neonazista e a comunidade de imigrantes turcos é um exemplo claro das tensões que ainda existiam na sociedade alemã. Enfim, é impressionante como um mangá de suspense e terror pode ser tão imersivo e ao mesmo tempo nos ensinar algo sobre a história e a geografia de um país. Mesmo com suas ideias absurdas e temas sombrios, Monster é uma leitura que vale a pena para quem quer aprender um pouco mais sobre a história alemã (mesmo que os dados ali não sejam os mais confiáveis da terra). 🔶O monstro em “Monster” não é tão monstruoso assim Essa obra é considerada por muitos uma obra-prima do gênero suspense e terror psicológico. E, sem dúvida, um dos grandes trunfos da obra é o seu vilão, Johan. No entanto, eu defendo que, apesar de toda a fama, Johan não é tão bem escrito quanto muitos falam por aí. O meu problema com o Johan é que ele quase sempre é retratado como uma figura quase divina, com habilidades e conhecimentos além do humanamente possível, sabe? Isso pode ser interessante em determinados tipos de roteiros, mas aqui acaba afastando o personagem da realidade da história, tornando-o menos impactante e menos interessante do que poderia ser Esse aspecto, dele sempre ser retratado com um ser sobrenatural, com uma inteligência e habilidades que parecem quase mágicas, e de como ele é capaz de manipular pessoas com extrema facilidade, mesmo quando elas sabem que estão sendo manipuladas, ou como ele consegue prever e controlar os movimentos de outras pessoas, meio que como um mestre de um jogo de xadrez humano, simplesmente me afasta da obra, porque isso acaba destoando bastante daquilo que é apresentado no mangá. O autor deixa bem claro que aquela história é passada no mundo real, obedecendo as regras que nós conhecemos em nossa realidade, mas existe uma forçação de barra muito grande quanto aos atos do Johan. Como por exemplo ele conseguir manipular o Roberto a ponto de o cara desistir da própria vida e virar um matador em massa sem motivos ou objetivos muito bem estabelecidos, sabe? Existiram casos assim na realidade? Claro que sim, existiram seitas que fizeram coisas tão ruins quantas, mas aqui não é explicado como esse processo se deu, entende? Como o Johan faz para manipular as pessoas de tal forma? Ele se utiliza das paixões políticas das pessoas para isso, assim com um certo bigodinho fez no passado? Eu não sei, porque o mangá não nos monstra! Existe um ditado que diz “não fale, mostre”, e acho que esse mangá tem muito desse problema, ele fala muito, mas mostra pouco. Eu não quero saber o quanto o Johan é cruel e manipulador vindo da boca de outros personagens, eu quero ver isso, quero “sentir na pele” seu processo de persuasão, mas não é isso que eu vi, logo não me convenci (perdão, tive que rimar). Embora essa habilidade seja impressionante em um primeiro momento, acaba prejudicando o personagem do Johan. Ele não parece um personagem realista, mas sim uma construção artificial criada para ser uma espécie de vilão arquetípico, arquétipo esse que foi amplamente utilizado na história do cinema, literatura, e até nos mangás, e isso até pode ser interessante em alguns contextos, mas aqui ele parece artificial e forçado. Um personagem realista é aquele que tem uma motivação clara e compreensível, que age de acordo com essa motivação e que tem um arco de personagem consistente, mas o problema com o Johan é que sua motivação é muitas vezes obscura e mal explicada. Embora saibamos que ele é um sociopata, a profundidade e a complexidade de suas motivações nunca são totalmente exploradas. Podemos dizer que sua motivação era “apagar totalmente sua existência da face da terra”, não só cometendo suicídio, mas levanto todos que se lembram dele junto, assim meio que definitivamente apagando sua existência, sem memorias, sem corpo físico, nada. Mas cá entre nós, que motivação merda, sem mais. 🔶Urasawa é um monstro sagrado Monster é um dos expoentes da arte sequencial, que apresenta uma habilidade técnica impressionante em todos os aspectos visuais. Seu estilo é repleto de detalhes, tem um traço claro e preciso, com muitos contrastes de luz e sombra, o que aumenta a profundidade dos personagens e das cenas. Aqui as texturas usadas nos materiais também é algo que traz uma sensação de “pé no chão” muito forte, sabe? Algo facilmente relacionável com a realidade, digamos assim. Seu uso de sombras também é algo de tirar o chapéu, sempre muito bem aplicado, trazendo um peso para as cenas quando se faz necessário, principalmente nos requadros finais desse mangá, é algo de encher os olhos. Sobre o design dos personagens, a obra apresenta uma ampla variedade de personagens que são facilmente distinguíveis uns dos outros. Acho sensacional a capacidade de transmitir informações importantes sobre os personagens por meio de sua aparência, coisa que poucos mangás conseguem fazer bem, diga-se de passagem. Vamos pegar o Tenma como exemplo, ele é retratado como um homem alto, magro e de cabelos pretos, que são características comuns de um protagonista clássico de mangá. No entanto, a sua postura meio curvada e seu olhar introspectivo criam uma sensação de peso emocional que é mais rara nesse tipo de personagem, tornando-o mais complexo e realista. Outro ponto interessante de falar é a habilidade de construir bons cenários aqui, o equilíbrio entre a quantidade de detalhes e a simplicidade na apresentação é a chave para o sucesso. Aqui, Urasawa consegue criar ambientes com riqueza de detalhes sem torná-los excessivamente complexos ou confusos, porque querendo ou não, fazer um cenário carregado de informações é relativamente fácil (sim, estou falando de você, Asano), mas achar a medida certa entre criar “layers” para cada elemento em quadro, e a perspectiva e os enquadramentos para transmitir a sensação de profundidade e espaço, isso é para poucos! E Urasawa utiliza essas técnicas, como a sobreposição de objetos, planos de profundidade e a variação de ângulos da “câmera” para criar sensação de amplitude dos cenários. E o mais importante, saber criar um contraste entre os personagens e o cenário, isso é algo que poucos fazem bem, e aqui temos um ótimo exemplo do quanto isso contribui para a nossa imersão em uma obra. Enfim, poderia passar horas falando sobre a qualidade técnica desse mangá, mas séria chover no molhado... Urasawa é um monstro sagrado! 🔶Sim, Monster é muito bom, um clássico atemporal Apesar dos pesares, não tem como não dizer que esse mangá não é um “clássico moderno”, e eu sei, o que diabos define se uma obra é um clássico ou não? Bom, para mim, impacto, longevidade e qualidades objetivas são características que constroem um clássico, e Monster tem tudo isso! Um impacto na indústria, e não só isso, mas também na cultura dos quadrinhos. Longevidade, uma obra atemporal, que envelhece como vinho, onde a cada leitura, é possível captar novas mensagens e interpretações... Não é a atoa que cá estou eu, anos após sua publicação discutindo Monster. Qualidades objetivas, como a construção de um bom roteiro, bem estruturado, com um bom pacing, personagens envolventes, apesar de seus tropeços, enfim... Tudo isso em conjunto, e um toque especial de “Urasawa” tornam esse mangá um dos grandes expoentes da indústria dos mangás.
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Dec 3, 2023
Nyx no Lantern
(Manga)
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Essa resenha será escrita em inglês e português (PT-BR)
This review will be written in English and Portuguese (PT-BR). 𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃 🇺🇸 ⬜️🟦🟥 🔵 The portrait of an era and maturation in "The Lantern of Nix." I find it interesting to begin by saying that "The Lantern of Nix" is not the manga that will please everyone. It's not because it addresses super-sensitive themes or because the reading requires a dictionary by your side. None of that. The peculiarity of this manga lies in the fact that it may not be appreciated by everyone, as its main purpose is not to discuss people but to explore concepts and objects and how ... these elements end up influencing people's lives... 🔵 The need for belonging "The Lantern of Nix" immediately introduces us to the setting of this story, which is Japan in the late 19th century. Right from the start, we meet the protagonist, Miyo, a seemingly ordinary young woman who possesses a special gift: by touching objects, she can glimpse both the past and the future of the people who interacted or will interact with that object. This ability becomes a strategy for her to secure a job at Momo's store, which sells decorative items, imports, and more. The plot unfolds from there, exploring not only Miyo's life but also the cultural transformations in the lives of those characters. When Miyo started working at Momotoshi's store, it was the starting point of her journey to find her place in the world. Before that, she didn't have a sense of belonging, not even to her own family. The store, along with everyone she meets there, becomes a little push in her formation. It was the moment when she felt truly important, both to others and to herself. Miyo emerges as a central catalyst for the exploration of this theme. She is introduced as a somewhat out-of-place young woman, lacking skills valued by the society of her time. However, Miyo finds her place at the Vingt antique store, which is a bit strange at first but eventually becomes a world of her own, where she finally feels she belongs. In this peculiar place, Miyo not only learns a lot of practical things but also finds people who value what makes her special, even if it's something simple. This makes her feel part of something, as if she has an important role, and no longer as a hindrance to others. Miyo's relationship with other characters, like Momo and Ganji, is crucial to building this sense of belonging. The coexistence of different personalities, interconnected stories, and the support they give to each other forms a complex web of human connections. The author does a great job of showing that belonging is not just about following social rules; it goes beyond appearances and depends on people understanding and accepting each other's differences. As the narrative shifts to France, the question of belonging is expanded beyond national borders. Miyo, once a displaced orphan, finds herself involved in a global context, confronting not only cultural differences but also the social transformations of the Belle Époque. The dichotomy between Japanese tradition and Western influences stands out, once again, as fertile ground to explore the concept of belonging in a broader context. The inclusion of cultural curiosities, such as the Japanese adaptation of "Alice in Wonderland," serves as a mirror of this quest for belonging and the mutual influence between cultures. Through these details, Takahama not only enriches the manga but also emphasizes the importance of these cultural exchanges for a healthy relationship with the people around us. 🔵 The Importance of Materiality In this manga, objects are not just a detail; they are responsible for triggering the motivation of some characters within the plot. It's not just because Miyo has a kind of clairvoyance, able to peek into the past and future of anything she touches. It's that these objects are what set the lives of the characters in this story in motion, you know? Of course, what I'm saying is not explicitly stated within the manga, but I noticed that every major decision and the driving force to change the perception or feeling of the characters towards something is given by a material possession or the influence of external culture, which in turn also directly involves material goods. A clear example is Nix's brooch, through which a series of events is triggered that change the course of the story. By embracing the concept of materialism, the traditional notion of objects as inanimate entities is challenged here, suggesting that material possessions have their own agency within the story. In this sense, the narrative of this manga adopts a perspective that goes beyond the conventional view of objects as simple physical and inanimate things. The central idea I want to discuss here is that objects, instead of being passive, have an active influence on the plot, acting as dynamic participants in the narrative, you know? When Miyo touches an object, she can visualize the life of the owner of that object, often giving her the chance to relieve a person's heartache, revealing whether the owner of that object is alive or dead, for example. And notice how a simple object can totally change our state of mind, making us sad or happy. This made me reflect a bit on our relationship with material possessions. Not that this is actively discussed within the plot, but I found it curious how various aspects of this story are governed by matter, from that brooch I mentioned earlier to the practically disposable woodcuts that cause a commotion in the artistic community in France, or the craftsmanship done by Miyo's uncle, which also plays an essential role in exporting Japanese art to other countries. I don't perceive a direct mention of materialism in this work, although the author makes various comments about art pieces and objects in general that she possesses, and how she somehow incorporated them into the manga's story. I believe this has more historical and even educational value than a kind of critique, whether positive or negative, of the concept of materialism. Anyway, this combination of elements led me to this reflection. 🔵 Cultural Exchanges of the Meiji Era I find the entire cultural context and assimilation and exchange between Japan and Europe in the post-Industrial Revolution period very interesting. This is largely due to the fact that, for me, everything there was unprecedented. I had never delved into how this cultural export from Japan to the rest of the world took place. The aesthetics of that time, combined with the secondary plot of cultural export and market speculation, made me even more interested in the work. Vingt, led by Momo, acts as the protagonist of this entire process, introducing Western products and ideas into traditional Japanese culture. The importance given to European fashion and technological innovations seems to reflect the cultural influence unfolding before the characters. The manga not only shows the importance of these cultural exchanges but also weaves a narrative that critically examines the effects of this foreign influence on Japanese society at the time. And, of course, the economic impact in this context goes hand in hand with the social impact caused by contact with this foreign culture. The plot shifts to the issue of exporting objects, especially when Momo decides to take his store and products to Paris during the Belle Époque. This movement is not just a narrative choice but symbolizes Japan's economic transformation in the global context. This export is not limited to tangible goods alone, you know? It also serves as a metaphor for cultural export, highlighted by the world exhibition in Paris. In this scenario, the manga explores the complexity of trade relations, the search for economic opportunities, and the influence between different societies. These influences also impacted the geopolitical dynamics of the time, with Japan emerging from an isolationist period to become an active participant on the world stage. Momo's pursuit of trade between Japan and France is not just a business strategy but also reflects well the political and diplomatic changes of the Meiji era. Through her characters, the author offers an interesting view of the political implications of these international interactions, subtly addressing the complexities of relations between nations, such as the strangeness of seeing a Japanese person walking the streets of Paris, or the fact that Momo is often described only as "mixed-race." It's in these small things that we can grasp the complications that some societies still face today due to ignorance of each other's cultures. 🔵 Beauty lies in simplicity Takahama's attention to small details is evident on every page, with sharp outlines and a richness of textures that provide a tactile sensation. This is also reflected in the settings, with the environment being crucial for the reader's immersion, especially in the case of a period manga. The faithful representation of historical locations, such as Nagasaki and Paris, reveals the author's meticulous research to authentically recreate the story's backdrop. The smooth transition between urban and rural landscapes, as well as the detailed representation of the interiors of the Vingt store, demonstrates the author's knowledge, essential to situating the narrative in distinct cultural contexts. The simplicity of the author's strokes does not diminish the visual complexity of the work; on the contrary, there is an elegance in the lines that make up the characters, clothing, objects, and more. The story's rhythm is carefully guided by the arrangement of panels, resulting in dynamic reading despite the absence of many action scenes. The strategic use of panoramic panels at crucial moments in the plot highlights the grandeur of certain scenes, along with the various landscapes and settings presented. The incorporation of cultural elements in the scenes, such as the representation of ancient objects and the fashion of the time, along with cultural curiosities at the end of each chapter, adds a certain authenticity to the manga's world, making it almost palpable. The balance between these narrative and visual elements showcases Takahama's artistic commitment. In summary, I appreciate what the author has built here in this work, where each component integrates harmoniously. The art does not separate from the text, which, in turn, is intrinsically linked to the complexities of page construction. Analyzing the art of this manga in isolation would be a waste of time because all elements converse with each other in a unique way. 🔵 The portrait of an era In short, I really enjoyed my experience with "The Lantern of Nix." The manga has a very light read while managing to delicately address some themes without delving too deeply into them. I see that the main goal here was to speak more about the changes and cultural exchanges in Japan rather than developing the characters throughout the plot. And don't get me wrong; I know that the "screen time" given to the characters for development is much greater than the text about cultural exchanges and technological evolution of that time. Still, I get the impression that the author used all these plotlines to talk more about the historical context of the time, which seems to be a hobby for the author... and that is by no means a problem. 𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃𓈃 Português [PT-BR] 🇧🇷 🟨🟦🟩 🔵 O retrato de uma época e o amadurecimento em A Lanterna de Nix. Acho interessante começar falando que "A Lanterna de Nix" não é o mangá que vai agradar geral. Não é porque ele aborda temas super sensíveis ou porque a leitura é daquelas que você precisa de um dicionário do lado. Nada disso. A peculiaridade deste mangá está no fato de que pode não ser apreciado por todos, uma vez que seu propósito principal não é discutir pessoas, mas sim explorar conceitos e objetos e como esses elementos acabam influenciando a vida das pessoas... 🔵 A necessidade de pertencer "A Lanterna de Nix" já nos apresenta, logo de cara, a ambientação dessa história, que é o Japão do final do século XIX. Já de início, somos apresentados à protagonista, Miyo, uma jovem aparentemente comum, mas que guarda um dom especial: ao tocar objetos, ela é capaz de vislumbrar tanto o passado quanto o futuro desses das pessoas que interagiram ou irão interagir com aquele objeto, e meio que isso é usado como artimanha para ela conseguir um emprego na loja do Momo, que vende artigos de decoração, importados etc. O enredo se desenrola a partir daí, explorando não apenas a vida de Miyo, mas também as transformações culturais na vida daquelas personagens. Quando Miyo começou a trabalhar na loja do Momotoshi, foi como o pontapé inicial da jornada dela para achar o seu lugar no mundo. Antes disso, ela não tinha esse sentimento de pertencimento, nem em relação à própria família. A loja, junto de todo mundo que ela conhece ali, acabou sendo um empurrãozinho na formação dela. Foi ali o momento em que ela se sentiu importante de verdade, tanto para os outros quanto para ela mesma. A Miyo emerge como um catalisador central para a exploração desse tema. Ela é apresentada como uma jovem meio deslocada, sem habilidades valorizadas pela sociedade de sua época, mas Miyo acha seu lugar na loja de antiguidades Vingt, que é um lugar meio estranho no começo, mas com o tempo, vira tipo um mundinho só dela, onde ela finalmente sente que pertence. Nesse lugar meio peculiar, Miyo não só aprende um monte de coisas práticas, mas também encontra um pessoal que valoriza o que ela tem de especial, mesmo que seja algo simples. Isso faz ela se sentir parte de alguma coisa, como se tivesse um papel importante, e não mais como um estorvo atrapalhando os outros. A relação de Miyo com os outros personagens, tipo o Momo e o Ganji, é super importante para construir essa sensação de pertencimento. A convivência entre personalidades diferentes, as histórias todas interligadas e o apoio que eles dão um para o outro formam uma rede complicada de conexões humanas. A autora manda muito bem em mostrar que pertencimento não é só seguir regras sociais, vai além das aparências e depende das pessoas se entenderem e aceitarem as diferenças de cada um. À medida que a narrativa se desloca para a França, a questão do pertencimento é expandida para além das fronteiras nacionais. Miyo, uma vez uma órfã deslocada, se vê envolvida em um contexto global, confrontando não apenas as diferenças culturais, mas também as transformações sociais da Belle Époque. A dicotomia entre a tradição japonesa e as influências ocidentais se destaca, mais uma vez, como um terreno fértil para explorar o conceito de pertencimento em um contexto mais amplo. A inclusão de curiosidades culturais, como a adaptação japonesa de "Alice no País das Maravilhas", serve bastante como um espelho dessa busca por pertencimento e da influência mútua entre culturas. Através desses detalhes, Takahama não apenas enriquece o mangá, mas também enfatiza a importância dessas trocas culturais para uma relação saudável com as pessoas ao nosso redor. 🔵 A importância da materialidade Neste mangá, os objetos não são apenas um detalhe; eles são responsáveis por desencadear toda a motivação de alguns personagens dentro da trama. Não é apenas porque Miyo tem uma espécie de clarividência, conseguindo bisbilhotar o passado e o futuro de qualquer coisa que ela encosta. É que esses objetos são aquilo que coloca a vida dos personagens dessa história em movimento, sabe? Claro que isso que estou falando não está explícito dentro do mangá, mas notei que toda a grande tomada de decisão, bem como a força motriz para alterar a percepção ou o sentimento dos personagens frente a algo, é dada por um bem material ou a influência da cultura externa, que por sua vez também envolve diretamente bens materiais. Um claro exemplo é o broche da Nix, que, por meio dele, é desencadeada uma série de acontecimentos que mudam o rumo da história. Ao pegar o conceito de materialismo, a concepção tradicional de objetos como entidades inanimadas é desafiada aqui, dando a entender que os bens materiais possuem uma agência própria dentro da história. Nesse sentido, a narrativa desse mangá adota uma perspectiva que vai além da visão convencional de objetos como simples coisas físicas e inanimadas. A ideia central que quero debater aqui é que os objetos, ao invés de serem passivos, têm uma influência ativa na trama, agindo como participantes dinâmicos da narrativa, sabe? Quando Miyo toca um objeto, ela consegue visualizar a vida do dono daquele objeto, dando a ela muitas vezes a chance de aliviar a angústia do peito de uma pessoa, revelando se o dono daquele objeto está vivo ou morto, por exemplo. E perceba que um simples objeto consegue mudar totalmente nosso estado de espírito, nos deixando tristes, felizes, e isso me fez refletir um pouco sobre a nossa relação com bens materiais. Não que isso seja algo discutido ativamente dentro da trama, mas achei curioso como vários aspectos dessa história são regidos pela matéria, desde aquele broche que comentei mais acima até as xilogravuras praticamente descartáveis que causam todo um rebuliço na comunidade artística da França, ou então o artesanato feito pelo tio da Miyo, que também tem um papel essencial na exportação da arte japonesa para outros países. Eu não percebo uma menção direta ao materialismo nesta obra, apesar de a autora fazer diversos comentários sobre peças de arte e objetos em geral que possui, e como de alguma forma, ela os incorporou à história do mangá. Acredito que isso tenha mais um valor histórico e até mesmo educacional do que uma espécie de crítica, seja ela positiva ou negativa, ao conceito do materialismo. De qualquer forma, toda essa combinação de elementos me levou a essa reflexão. 🔵 As trocas culturais da era Meiji Acho muito interessante todo o contexto cultural e a assimilação e intercâmbio entre o Japão e a Europa no período pós-Revolução Industrial. Isso se deve muito ao fato de que, para mim, tudo ali era inédito. Nunca havia estudado a fundo como se deu essa exportação cultural do Japão para o resto do mundo. A estética daquela época, aliada à trama secundária de exportação cultural e especulação de mercado, me fez interessar ainda mais pela obra. A Vingt, comandada pelo Momo, atua como o protagonista desse processo todo, introduzindo produtos e ideias ocidentais na cultura tradicional japonesa. A importância dada à moda europeia e às inovações tecnológicas me parece ser um reflexo da influência cultural que se desdobra diante dos personagens. O mangá não apenas mostra a importância dessas trocas culturais, mas também tece uma narrativa que examina criticamente os efeitos dessa influência estrangeira na sociedade japonesa da época. E, claro, o impacto econômico nesse contexto anda de mãos dadas com o impacto social causado pelo contato com essa cultura estrangeira. A trama se desloca para a questão da exportação de objetos, especialmente quando Momo decide levar sua loja e produtos para Paris durante a Belle Époque. Esse movimento não é apenas uma escolha narrativa, mas simboliza a transformação econômica do Japão no contexto global. Essa exportação não se limita apenas aos bens tangíveis, sabe? Ela também serve como uma metáfora para a exportação cultural, evidenciada pela exposição mundial em Paris. Nesse cenário, o mangá explora a complexidade das relações comerciais, a busca por oportunidades econômicas e a influência entre diferentes sociedades, influências essas que também impactaram a dinâmica geopolítica da época, com o Japão emergindo de um período isolacionista para se tornar um participante ativo na cena mundial. A busca de Momo por transações comerciais entre Japão e França não é apenas uma estratégia empresarial, mas também reflete bem as mudanças políticas e diplomáticas da era Meiji. A autora, por meio de seus personagens, oferece uma visão interessante das implicações políticas dessas interações internacionais, abordando sutilmente as complexidades das relações entre nações, como o estranhamento de ver uma pessoa japonesa andando pelas ruas de Paris, ou então o fato de Momo ser descrito muitas vezes apenas como "mestiço". São nessas pequenas coisas que conseguimos captar as complicações que algumas sociedades sofrem até hoje, devido a toda a ignorância da cultura alheia. 🔵 A beleza está na simplicidade O cuidado com os pequenos detalhes por parte de Takahama é evidente em cada página, com contornos nítidos e uma riqueza de texturas que proporcionam uma sensação tátil. Isso reflete também nos cenários, sendo a ambientação crucial para a imersão do leitor, especialmente em se tratando de um mangá de época. A representação fiel de locais históricos, como Nagasaki e Paris, revela a pesquisa minuciosa realizada pela autora para recriar autenticamente o cenário da trama. A transição suave entre paisagens urbanas e rurais, assim como a representação detalhada dos interiores da loja Vingt, demonstra o conhecimento da autora, essencial para situar a narrativa em contextos culturais distintos. A simplicidade do traço da autora não diminui a complexidade visual da obra; ao contrário, há uma elegância nas linhas que compõem os personagens, roupas, objetos, entre outros. O ritmo da história é cuidadosamente conduzido pela disposição dos requadros, resultando em uma leitura dinâmica, apesar da ausência de muitas cenas de ação e coisas do tipo. O uso estratégico de requadros panorâmicos em momentos cruciais da trama destaca a grandiosidade de certas cenas, junto com as várias paisagens e cenários apresentados. A incorporação de elementos culturais nas cenas, como a representação de objetos antigos e a moda da época, juntamente com curiosidades culturais ao final de cada capítulo, adiciona uam certa autenticidade ao mundo do mangá, tornando-o quase palpável. O equilíbrio entre esses elementos narrativos e visuais mostra bem o comprometimento artístico da Takahama. Em resumo, aprecio muito o que a autora construiu aqui nesta obra, onde cada componente se integra harmoniosamente. A arte não se separa do texto, que, por sua vez, está intrinsecamente ligado às complexidades da construção das páginas. Analisar a arte deste mangá isoladamente seria perca de tempo, pois todos os elementos conversam entre si de maneira única. 🔵 O retrato de uma época Em suma, eu gostei muito da minha experiencia com A Lanterna de Nix. O mangá tem uma leitura bastante leve, ao mesmo tempo que consegue abordar alguns temas com delicadeza, mas sem se aprofundar muito nos temas que aborda. Eu vejo que o objetivo aqui foi realmente falar mais das mudanças e trocas culturais do Japão, do que de fato desenvolver as personagens ao longo da trama. E não me entenda mal, eu sei que o “tempo de tela” dado aos personagens para se desenvolverem é muito maior do que o texto sobre as trocas culturais e a evolução tecnologia daquela época, mas eu fico com uma impressão de que a autora usou todas essas tramas para poder falar mais sobre o contexto histórico da época, que parece ser um hobby para a autora... o que de forma alguma é um problema.
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Apr 17, 2023
Haibane Renmei
(Anime)
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Essa resenha será escrita em inglês e português [PT-BR]
"Haibane Renmei is a work that transcends the concept of 'a good anime' and turns it into an emotionally overwhelming experience” I must confess that at first, I hesitated to watch Haibane Renmei. Not because I thought it would be boring or anything like that, but simply because lately I have been consuming more manga than anime, and as a result, I have drifted away from this media. However, this anime reminded me of how amazing it can be, even subjectively speaking. The birth of a nameless life The anime follows the life of a girl named Rakka, who wakes ... up in an unknown world and is taken in by a group of winged creatures called Haibane. Rakka is born into a house known as 'The Old Home' within a walled city, a fact that will become important later in the story. As Rakka tries to adapt to her new life, she begins to learn more about the traditions and customs of the Haibane. Our first glimpse into the mysteries of this universe is through the Haibane themselves, a group of people with angelic wings who all live together in the Old Home. These mysteries are steeped in mysticism and symbolism, which we will explore throughout this analysis. The birth of Rakka in Haibane Renmei is a crucial scene for understanding the story and themes that the anime explores. Unlike what is common in reality, in Glie, the city where the story takes place, Haibane are born from dreams and they arrive in this world with wings on their backs and no memory of their past. Rakka's birth is presented as a somewhat ritualistic process, in which she emerges from a large egg, symbolizing the birth of this new life, a life that has no name or past. Rakka wakes up confused and disoriented, with no recollection of where she came from or why she ended up in that place. This somewhat turbulent and mystical birth reflects much of the self-discovery journey that Rakka will undertake. Like the other Haibanes, Rakka seeks to understand her existence and her place in the city, while facing internal and external challenges that force her to grow and change. he fact that Rakka is born without a name and without memories of the past is also important to the subtext of this plot, as it causes the protagonist to arrive in this world with many uncertainties and a fear of the unknown, much like anyone when they are placed in an unfamiliar environment, but this fear also opens up space for the construction of a new identity and the search for a purpose in life. The birth of Rakka in Haibane Renmei is a moment full of meaning and symbolism. It represents the beginning of this character's journey in search of the meaning of her existence, which directly relates to the life story of practically all of us, where we seek to mean something to the world, whether through our work, our hobbies, or whatever it may be, we are always in search of belonging, of being part of something bigger... And this can be either a very good or a very bad thing. Social segregation in Haibane Renmei Haibane Renmei manages to explore various themes in its subtext, and one that certainly is not unanimously agreed upon is the social segregation addressed in this work, even if unconsciously, that the Haibane suffer throughout their existence. I stated that this theme is not unanimous because I have not seen this theme debated in forums or internet analyses, and honestly, I cannot say if this was some delusion in my head, but I will try to explain my point. Social segregation is a theme that delicately permeates the subtext of this work, and at no point is it blatantly displayed on screen or even commented on by the characters in this plot, but it is obvious that the Haibane are treated differently from the other inhabitants of the city, with rules and customs that put them in a "different" position. I cannot say for sure if this necessarily puts them in an "inferior" position, as that is extremely subjective, but the fact is that they cannot live according to the same rules as "normal people," they have certain special rules for social interaction, and even their own type of currency, which they can exchange for clothing, for example. That is at least curious, isn't it? Additionally, the Haibane are seen as mysterious beings, yet beloved by society, despite all the culture that reinforces a differentiated treatment for them. The impression I have is that the author either didn't want to discuss this too much, but I believe that this decision he made ended up opening a gap for a great discussion. If I were to use a comparative example, I see the Haibane as a kind of foreigner in Japan, as it is very common in Japan for there to be this differentiation in treatment with people who come from other countries. And make no mistake, the differentiation I'm talking about here is not necessarily structural racism (although Japan is a very racist country), but rather the hypocrisy that surrounds this half-baked culture of "deification" that the Japanese have with foreigners (Caucasians, mainly). I say half-baked because it is very common for people who come from outside Japan to be the target of this "deification", praised for their appearance, way of dressing, etc. But it's not as if that Japanese person who praises the foreigner so much wants them as a neighbor, you know? There is a kind of great "falseness" in this relationship, where they love everything that comes from outside, but not enough to accept that person living in their country, frequenting the same places and "contaminating" the pure blood of the Japanese. I know that this discussion is extremely complex, and I'm not sure if I was able to make myself understood here, but the fact is that the way the Haibane are treated in this anime reminds me a lot of this example I gave above, because they are always well-treated, with no explicit acts of discrimination, but at the same time, they have their own currency system, there are several specific rules for them, and they usually only occupy jobs related to manual labor, such as maintenance, cleaning... A bit strange, isn't it? The allegory of post-death transition. I think one consensus we can reach is that this anime basically tells a story of people trapped in a purgatory, represented by the inviolable city they live in, right? This was one of the first insights I had in the early episodes of this anime, as Haibanes are usually people who died in tragic circumstances and were "reborn" as Haibane in this "Old Home". The series explores the idea that, before moving on to a new stage of their existence, these souls need to go through a period of purification to redeem themselves from their sins and get rid of their guilt and suffering, so they can finally soar into eternity. Purgatory is represented by different elements in the series, such as the rule that they cannot leave the city or even touch the wall surrounding the city, or even the fact that they do not exactly have civil rights within that society, you know? The anime also presents the idea that Haibane need to learn to accept and deal with their memories and regrets before they can move forward, which clearly refers to this post-death stage, where we need to initiate a process of self-acceptance and weigh all our traumas, hurts, joys, and fears in order to truly transcend all of that and rise above our physical body and worldly experiences. I love all this mystical symbolism that this anime brings with it. Another allegory that this anime makes to life after death is the role of the "Toga", a class of angelic beings that are somewhat "senior" and help the Haibane deal with their problems and guide them in their process of purification. They are seen as spiritual guardians and mentors, helping Haibane find the path to redemption, somewhat like an old wise man from the mountain or something like that. In addition, Toga are also responsible for overseeing the process of Haibane's birth and guiding them on their way. They help Haibane understand the nature of their existence, accept their limitations, and deal with their emotional and psychological problems, even if not directly, like every old wise man from the mountain haha. This process of "purification" that exists in this "purgatory" has a direct relationship with the birth of the Haibane, where upon birth, they break out of the kind of egg they are inside, an egg that is originated from the dreams they have during their "gestation," let's say. And when they finally break that egg, it is a symbolism to show us that the world of suffering and pain they lived in has been destroyed, left behind, in order to allow them to now enter this new stage of their lives, where they will go through this process of purification. I could spend hours here writing about the allegories and symbolism that this anime has, but I need to reserve some space here to talk a little about the characters in this work, who are almost as complex as its subtext. Characters to spare I don't think we can start this topic without initially talking about Rakka, the protagonist, one of the best-developed characters throughout this anime. Rakka's psychology is deeply influenced by her vague and mysterious past, which causes her a certain anguish of not knowing exactly where she came from or why she's where she is. She carries a deep guilt, which is symbolized by the "plague" that rots her wings (no, this wasn't just a punishment given to her for touching the city walls). As she gets to know herself, Rakka begins to remember her past, which helps her better understand her feelings and not just that, it also helps her assist other characters in their journey in this world. One of Rakka's main psychological conflicts is her struggle with guilt and insecurity. She feels guilty for surviving and not remembering what happened to her before she was born as a Haibane. She also feels insecure about her place in the community, fearing that she may be a defective Haibane and not deserving of the friendship and respect of her peers. This classic inferiority complex, where we always feel undeserving of what we have and always try to sabotage ourselves to feel more satisfied with our current situation, is a very delicate theme that this anime addresses. This constant impression that many of us have that we're not deserving of our achievements and that we always have more than we really deserve is even more aggravated when we have people by our side who seem much more deserving of some kind of recognition or material reward than we are, just like Rakka and Reki's case. Throughout the story, Rakka and Reki develop a strong bond of friendship. Rakka is the only one who can truly approach Reki, and Reki sees in Rakka an opportunity for redemption (a point I will discuss further ahead). As Rakka learns more about Reki's past and helps her face her fears, their relationship becomes even stronger, a relationship that is very important for Rakka to discover her true purpose in this journey, which is to help Reki achieve her "Flight." I honestly like how their relationship develops, but it's a fact that Reki has a somewhat dubious personality. While she shows affection and concern for Rakka, she also demonstrates a certain selfishness regarding her expectations regarding Rakka's birth. She makes it clear that she expected that with Rakka's birth, she would finally have her chance to rid herself of the "sin" she carries with her, and over time, she realizes that Rakka's coming may not have helped her as much as she would have liked. The impression left is that Reki was only so affectionate and kind to Rakka in order to achieve her redemption and finally achieve her Flight to eternity, a fact that torments her greatly due to her past and how it affected her "stay" in this purgatory, leaving her trapped in it for a long time, which would leave anyone a little crazy, no doubt. The point here is that I like Reki's somewhat ambiguous personality, which makes her an extremely human character with her flaws, fears, and insecurities, to the point of "taking advantage" of another person to achieve her own goals... After all, isn't that what we do every day in our personal lives? Even without realizing it, we are constantly trying to stand out in order to achieve something in our lives, whether it's dressing up nicely in a certain environment to get attention from others, or studying for hours about a company where we plan to interview for a job. These small actions, even indirectly, cause us to harm others for our own gain, and that's just how life is! We are always trying to surpass ourselves and others, whether for our own gain or whatever it may be, and honestly, I don't think that's necessarily a bad thing, because it is thanks to this that we are always striving to improve, whether physically or psychologically, and it is this "veiled war" that makes humanity evolve in modern times, like it or not. Regarding Reki, she is a very well-written and developed character throughout the anime, and her psyche is one of the richest and most explored within this work. Throughout the story, Reki is portrayed as a Haibane who struggles to deal with her traumatic past, her lack of trust in others, and her sense of isolation and alienation. Several examples of her actions and behaviors illustrate these aspects of her psyche. One of the main ways in which Reki's psyche is explored is through her relationship with Rakka. Initially, Reki is resistant and suspicious of Rakka, but as their relationship develops, Reki begins to trust Rakka more and open up about her own internal struggles. This is exemplified in a moment where Reki reveals to Rakka that she blames herself for not being able to protect a close friend and mentor from her past who ended up dying. This traumatic event left a deep emotional scar on Reki and contributed to her sense of isolation and guilt, as she believes that the same scenario could happen again if she becomes emotionally attached to another Haibane. Throughout the story, Reki begins to confront her inner demons and find a sense of redemption through her experiences with Rakka and the other Haibane. She realizes that her role in the world is to help others and dedicate herself to this task, even if it means facing her fears and insecurities. We, as viewers, follow and root for her, even though there is a hint of selfishness and egocentrism there, which makes the character much more interesting. Perhaps a negative point that I can observe in this script is the lack of development of some secondary characters, but we also have to understand that it is impossible to find screen time to develop all the characters in 12 or 13 episodes. Of course, perhaps this type of anime, which by its nature has a slower pace, would benefit from a longer screen time, something like 24 episodes, giving more time to explore the other characters that make up the Haibane group, but that's just me nitpicking. In the end, something that I reflected on a lot after finishing this anime is that even when we seek redemption, sometimes we find ourselves trapped in our own demons, unable to escape the scars of the past that haunt us and prevent us from finding the light, and it is very likely that you will die without finding that light. Not only does man live on scriptwriting Haibane Renmei is a remarkable anime not only for its intriguing narrative and extremely relatable characters, but also for its unique visual aspects. The art direction is particularly magnificent and contributes greatly to the melancholic and introspective atmosphere of this work. It seems to me that the art in this anime is inspired by Renaissance and Baroque movements, with various visual elements composing the scenes, such as frescoes on the city walls and detailed representation of objects and the environment. Additionally, the use of dark and opaque colors and the constant presence of clouds and fog, with a strong bloom effect, reinforce the sense of melancholy and mystery, which reminds me of a certain video game that I will talk about later. The art direction of Haibane Renmei is notable for its ability to convey the melancholic and introspective atmosphere of the anime. Many scenes are animated with little or no lighting, emphasizing the characters' loneliness and isolation. Additionally, the art direction also helps establish the passage of time and the evolution of the characters, using elements such as the growth of vegetation and the changing of seasons to show the passage of time, which contributes to the feeling of the characters' evolution, as if their maturation is reflected directly in the environment. One of the things that caught my attention the most in the art direction of this work is the use of symbolic and metaphorical elements to express the themes and thought processes of the characters. For example, the city surrounded by high walls and constant fog, in my view, symbolizes the feeling of imprisonment and isolation of the characters, while the constant presence of feathers and wings in the scenery and costumes of the characters reflects their free nature, going against the imprisonment they live in. The director really makes these relationships well, mixing visual elements to complement the script, which we see very little of in works that have come out in recent years. The scene composition here is a show in itself, undoubtedly. In many scenes, the composition is symmetrical and balanced, using a frontal perspective and a low horizon line to create a sense of stability and harmony. This composition is often used in scenes of social interaction between the characters, as that line of action is something very common in any anime or audiovisual work. On the other hand, the author also uses the composition of the scene in a more "experimental" way, to create a sense of strangeness and discomfort, with more claustrophobic frames, usually very close to the character, but with "crooked" angles, not giving us a very good sense of space, you know? Seriously, there are many small aspects that we can notice in this anime, something out of the ordinary. The musical composition and delicacy in conveying feelings The soundtrack of this work is indeed very good, not necessarily for bringing tracks with super complex arrangements, but for being able to convey a feeling through music. Like art or the script, music here has a fundamental role not only in building an atmosphere but also in conveying emotions at the right moments. The soundtrack of this work uses various musical techniques to create an atmosphere of mystery, melancholy, and even hope. Many of the songs feature irregular and unconventional rhythmic patterns that help create a sense of instability and uncertainty, with sudden key modulations that add a feeling of tension and drama. These subtleties also reflect in the personalities of the characters, which fit very well with the art direction and framing of the scenes. Do you see how the auditory experience goes hand in hand with the visual experience here? The soundtrack in Haibane Renmei tries to portray the different characters and locations of the anime, you know? The music that accompanies the scenes that occur in the city shows a sense of calm and order, while the scenes that occur in the forest have a sense of mysticism and mystery, precisely because it is a forbidden place, shrouded in many myths, and the soundtrack helps us understand what that place or character wants to convey. Sometimes, even without a single line of dialogue, we can capture the entire dramatic charge of a scene just by hearing a song playing in the background. To conclude this topic, please listen to the complete ending song of this anime, it's simply wonderful. Sons of Fumito Ueda? One thing that caught my attention here is the strong visual similarity that this anime has with the game Ico, from master Fumito Ueda, and this similarity is not only in the color palette and art in general, it goes much beyond that, it's like a sentimental connection. One of the most obvious similarities between Haibane Renmei and ICO is the use of color palettes that evoke a unique emotional atmosphere. While Haibane Renmei uses dull tones and dark colors to create a sense of melancholy and introspection, ICO uses pastel and soft tones to create a mysterious and playful mood, which is also used in some moments in Haibane Renmei. Of course, the choice of color palette in these two works is quite different in many aspects, but both share a focus on earthy and soft tones that create a contemplative and emotional atmosphere, and as I said above, this similarity goes beyond visually identifiable, it is really a crazy mix of feelings that both works evoke in me, and this made this anime rise a lot in its concept, no doubt. Okay, it's one of the best anime I've ever seen (and don't come to me with talk of being a cult). Without a doubt, this is one of the most emotionally significant works I've had the pleasure of seeing, and I know that this is highly subjective. Maybe in another moment of my life, I would have hated the pace and the unfolding of this story. But today's João can see all the delicacy and genius that this anime brings, where art never dissociates from poetry, where everything can be relativized and thought twice, where nothing is really what it seems, as we are only getting to know that reality through the flawed perspective of a character... It reminds me a lot of real life, don't you think? _____________________________________________________________________________________________________________ Haibane Renmei é uma obra que transcende o conceito de “um bom anime” e o transforma em uma experiência emocionalmente arrebatadora. Confesso que, a princípio, hesitei em assistir Haibane Renmei. Não porque achava que seria chato ou algo do tipo, mas simplesmente porque ultimamente tenho consumido mais mangá do que anime e, por isso, me distanciei um pouco dessa mídia. No entanto, esse anime me fez lembrar o quanto ela pode ser incrível, mesmo subjetivamente falando. O nascimento de uma vida sem nome O anime segue a vida de uma garota chamada Rakka, que acorda em um mundo desconhecido e é acolhida por um grupo de criaturas com asas, chamadas Haibane. Rakka nasce em uma casa conhecida como “A casa antiga”, dentro de uma cidade envolta de muros bem altos, fato esse que será importante mais para frente na história. Enquanto Rakka tenta se adaptar a sua nova vida, ela começa a descobrir mais sobre as tradições e costumes das Haibane. O primeiro contato que temos com os mistérios desse universo, é justamente as Haibane, que são um grupo de pessoas que possuem asas de anjos, e vivem todas juntas nessa “Casa antiga”. Esses mistérios que citei estão envoltos de muito misticismo e simbologias, que vamos abordar ao longo dessa análise. O nascimento de Rakka em Haibane Renmei é uma cena crucial para a compreensão da história e dos temas que o anime aborda. Ao contrário do que é comum na realidade, em Glie, a cidade onde a história se passa, as Haibane nascem a partir dos sonhos, e elas chegam a esse mundo com asas nas costas e sem qualquer memória do seu passado. O nascimento de Rakka é apresentado como um processo meio ritualístico, no qual ela vai emergindo de um grande ovo, simbolizando o nascimento dessa nova vida, vida essa que não possui um nome ou um passado. Rakka acorda confusa e desorientada, não tendo nenhuma lembrança de onde veio, ou do porquê foi parar naquele lugar. Esse nascimento um tanto quanto conturbado e cheio de misticismo reflete muito a jornada de auto-descoberta em que Rakka irá trilhar. Assim como as outras Haibane, Rakka busca entender a sua existência e o seu lugar na cidade, enquanto enfrenta desafios internos e externos que a forçam a crescer e a mudar. O fato de Rakka nascer sem um nome e sem memórias do passado também é importante para o subtexto dessa trama, pois isso faz com que a protagonista chegue a esse mundo com muitas incertezas, com medo do obscuro, assim como qualquer pessoa quando é colocada em um ambiente desconhecido, mas esse medo também abre espaço para a construção de uma nova identidade e a busca de um propósito na vida. O nascimento de Rakka em Haibane Renmei é um momento cheio de significados e simbolismos. Ele representa o início da jornada dessa personagem em busca de achar o significado de sua existência, o que faz uma ligação direta com a história de vida de praticamente todos nós, onde buscamos significar algo para o mundo, seja através de nosso trabalho, dos nossos hobbies ou o que quer que seja, estamos sempre em busca de pertencer, de fazer parte de algo maior... E isso pode ser uma faca de dois gumes. A segregação social em Haibane Renmei Haibane Renmei consegue explorar diversos temas em seu subtexto, e um que com certeza não é uma unanimidade é a segregação social abordada nessa obra, mesmo que de forma inconsciente, que as Haibane sofrem ao longo de sua existência. Afirmei que esse tema não é unanimidade, pois não vi esse tema ser debatido em fóruns ou análises internet a fora, e sinceramente não sei dizer se isso foi algum delírio da minha cabeça, mas vou tentar explicar o meu ponto. A segregação social é um tema que percorre delicadamente o subtexto dessa obra, em nenhum momento isso é colocado de maneira escrachada em tela, ou mesmo comentado pelas personagens dessa trama, porém é obvio que as Haibane são tratadas de forma diferente dos outros habitantes da cidade, com regras e costumes que as colocam em uma posição “diferente”. Eu não sei dizer se isso as coloca necessariamente em uma posição “Inferior”, pois isso é extremamente subjetivo, mas fato é que elas não podem viver de acordo com as mesmas regras que as “pessoas normais”, elas possuem determinadas regras especiais para o convívio em sociedade, e até mesmo uma espécie de dinheiro próprio, onde podem trocar por peças de roupas, por exemplo. Isso é no mínimo curioso, não? Além disso, as Haibane são vistas como seres misteriosos, mas ao mesmo tempo queridos pela sociedade, apesar de toda a cultura que reforça um tratamento diferenciado para elas. A impressão que tenho é de que o autor ou não quis discutir muito sobre isso, mas acredito que essa decisão que ele tomou, acabou abrindo uma brecha para uma ótima discussão. Se fosse para usar um exemplo comparativo, eu enxergo as Haibane como uma espécie de estrangeiro no Japão, pois é muito comum no Japão existir essa diferenciação no tratamento com as pessoas que vem de outros países, e não se engane, a diferenciação que falo aqui não é necessariamente um racismo estrutural (apesar do Japão ser um país bem racista), mas me refiro a hipocrisia que ronda toda essa cultura de “endeusamento” meia boca que existe por parte dos japonês com os estrangeiros (caucasianos, principalmente). Digo meia boca, pois é muito comum pessoas que vem de fora do Japão serem alvos desse “endeusamento”, alvo de elogios a sua aparência, forma de se vestir etc. Mas não é como se aquele japonês que elogia tanto aquele estrangeiro, quisesse ele como um vizinho, entende? Existe uma espécie de “falsidade” muita grande nessa relação, onde eles adoram tudo que vem de fora, mas não a ponto de aceitar que aquela pessoa viva em seu país, frequente os mesmos lugares e “contamine” o sangue puro dos japoneses. Eu sei que essa discussão é extremamente complexa, e não sei se consegui me fazer entender aqui, mas fato é que a forma com que as Haibane são tratadas nesse anime, me faz lembrar muito esse exemplo que passei acima, pois elas sempre são bem tratadas, não existindo nenhum ato de discriminação explicito, mas ao mesmo tempo, elas possuem um sistema cambial só delas, existem diversas regras especificas para elas, elas geralmente só ocupam cargos relacionados a trabalhos braçais, como manutenção, limpeza... Meio estranho, não acha? A alegoria da transição pós morte Acho que é um consenso que podemos chegar é que esse anime basicamente conta uma história de pessoas presas em um purgatório, onde esse é representado pela cidade inviolável onde vivem, não é? Essa foi uma das primeiras sacadas que tive logo nos primeiros episódios desse anime, pois as Haibanes são geralmente pessoas que morreram em circunstâncias trágicas e foram "renascidas" como Haibane nessa “Casa antiga”. A série explora a ideia de que, antes de seguir em frente para um novo estágio de sua existência, essas almas precisam passar por um período de purificação para se redimir de seus pecados e se livrar de sua culpa e sofrimento, assim podendo finalmente alçar voo para a existência na eternidade. O purgatório é representado por diferentes elementos na série, como a regra de que elas não podem deixar a cidade e nem se quer tocar a muralha que cerca a cidade, ou mesmo pelo fato que de elas não possuem exatamente direitos civis dentro daquela sociedade, sabe? O anime também apresenta a ideia de que os Haibane precisam aprender a aceitar e lidar com suas memórias e arrependimentos antes de poder avançar, o que remete claramente a esse estágio pós morte, onde precisamos iniciar um processo de auto aceitação, e colocar na balança todos nossos traumas, magoas, felicidades e medos, a fim de realmente conseguir transcender tudo aquilo e se elevar para além de seu corpo físico e experiencias mundanas, e eu adoro toda essa simbologia meio mística que esse anime traz consigo. Outra alegoria que esse anime faz a vida após a morte é o papel dos "Toga", uma classe de anjos meio “sênior” que ajudam os Haibane a lidar com seus problemas e as guiam em seu processo de purificação. Eles são vistos como guardiões e mentores espirituais, ajudando os Haibane a encontrar o caminho para a redenção, algo como um velho sábio da montanha, ou algo assim. Além disso, os Toga também são responsáveis por supervisionar o processo de nascimento das Haibane e orientá-las em seu caminho. Eles ajudam os Haibane a entender a natureza de sua existência, a aceitar suas limitações e a lidar com seus problemas emocionais e psicológicos, mesmo que não de maneira direta, assim como todo velho sábio da montanha hahaha. Esse processo de “purificação” que existem nesse “purgatório” tem uma relação direta com o nascimento das Haibanes, onde ao nascer, eles quebram aquela espécie de ovo que estão dentro, ovo esse que é originado desses sonhos que elas tem durante a “gestação”, digamos assim. E quanto enfim elas quebram esse ovo, é uma simbologia para nos mostrar que aquele mundo de sofrimento e dor que elas viviam foi destruído, deixado para trás, a fim de permitir que elas agora entrem nesse novo estágio de suas vidas, onde passarão por esse processo de purificação. Eu poderia ficar aqui horas escrevendo sobre as alegorias e simbologias que esse anime possui, mas preciso reservar um espaço aqui para falar um pouco sobre as personagens dessa obra, que são quase tão complexas quanto seu subtexto. Personagem para dar e vender Acho que não podemos começar esse tópico sem falar inicialmente da Rakka, a protagonista, uma das personagens mais bem trabalhadas ao longo desse anime. O psicológico de Rakka é profundamente influenciado por seu passado, que é vago e misterioso, o que causa nela uma certa angústia, de não saber exatamente de onde veio, ou porque está onde está. Ela carrega uma culpa profunda, que é muito simbolizado pela “praga” que apodrece suas asas (não, isso não foi apenas um castigo dado a ela por ter encostado nos muros da cidade). À medida que ela vai se conhecendo, Rakka começa a se lembrar de seu passado, o que a ajuda a entender melhor seus sentimentos, e não só isso, também a ajuda a auxiliar as demais personagens na sua trajetória nesse mundo. Um dos principais conflitos psicológicos de Rakka é sua luta com a culpa e a insegurança. Ela se sente culpada por ter sobrevivido e por não se lembrar do que aconteceu com ela antes de nascer como Haibane. Ela também se sente insegura em relação ao seu lugar na comunidade, temendo que ela possa ser uma Haibane defeituosa e que não mereça a amizade e o respeito de seus colegas. Aquela clássico complexo de inferioridade, onde sempre sentimos que não somos merecedores daquilo que temos, e sempre tentamos nos auto sabotar, a fim de nos sentirmos mais satisfeitos com nossa atual situação. Isso por si só é um tema muito delicado que esse anime aborda, essa impressão constante que muito de nós temos, de que não somos merecedores das nossas conquistas, e que sempre temos mais do que realmente merecemos, e isso é ainda mais agravado quando temos pessoas ao nosso lado que se mostram muito mais merecedoras de ter algum tipo de reconhecimento ou recompensa material do que nós, assim como é o caso da Rakka e Reki. Ao longo da história, Rakka e Reki desenvolvem um forte vínculo de amizade. Rakka é a única que consegue se aproximar verdadeiramente de Reki, e Reki vê em Rakka uma oportunidade de redenção (ponto esse que discorrei mais a frente). À medida que Rakka descobre mais sobre o passado de Reki e a ajuda a enfrentar seus medos, a relação entre as duas vai se fortalecendo ainda mais, relação essa que é muito importante para que Rakka consiga descobrir seu verdadeiro propósito nessa jornada, que é ajudar Reki a realizar seu “Voo”. Eu sinceramente gosto da forma que a relação das duas se desenvolve, mas é fato que a Reki possui uma personalidade um tanto quanto dúbia. Ao mesmo tempo que ela se mostra carinhosa e preocupada com a Rakka, ela também demonstra um certo egoísmo quanto a suas expectativas referente ao nascimento dela. Ela deixa claro que esperava que com o nascimento da Rakka, ela tivesse finalmente a sua chance de se livrar do “pecado” que ela carrega consigo, e ao longo do tempo, ela percebe que talvez a vinda da Rakka não tenha a ajudado tanto qaunto ela gostaria. Tanto que a impressão que fica é que Reki somente era tão carinhosa e bondosa com a Rakka, a fim de conseguir sua redenção e finalmente alçar seu Voo para a eternidade, fato esse que a atormenta muito, devido ao seu passado, e como isso afetou sua “estadia” nesse purgatório, a deixando presa a ele durante muito tempo, o que deixaria qualquer um meio biruta, sem dúvida. O ponto aqui é que eu gosto dessa personalidade meio dúbia da Reki, isso a torna uma personagem extremamente humana, com suas falhas, seus medos e inseguranças, a ponto de se “aproveitar” de uma outra pessoa, a fim de conseguir seus próprios objetivos... Afinal de contas, não é isso que fazemos todo o santo dia em nossas vidas pessoais? Mesmo sem perceber, a todo o momento estamos querendo nos destacar a fim de conseguir algo em nossas vidas, seja ir bem arrumado a um ambiente, a fim chamar a atenção dos outros, ou mesmo estudar horas sobre uma determinada empresa onde pretende fazer uma entrevista de emprego. Esses pequenos atos fazem com que nós, mesmo que indiretamente, prejudiquemos os outros por ganho próprio, e a vida é assim mesmo! Estamos sempre tentando nos superar e superar os outros, seja por ganho próprio ou o que quer que seja, e sinceramente, eu não acho isso algo necessariamente ruim, pois é graças a isso que estamos sempre em busca de melhorar, seja fisicamente ou psicologicamente, e é essa “guerra velada” que faz a humanidade evoluir em tempos modernos, quer goste ou não. Ainda sobre a Reki, ela é uma personagem muito bem escrita e desenvolvida ao longo do anime, e sua psique é uma das mais ricas e exploradas dentro dessa obra. Ao longo da história, Reki é retratada como uma Haibane que luta para lidar com seu passado traumático, sua falta de confiança nos outros e seu senso de isolamento e alienação. Vários exemplos de suas ações e comportamentos ilustram esses aspectos de sua psique. Uma das principais maneiras pelas quais a psique de Reki é explorada é através de sua relação com Rakka. Inicialmente, Reki é resistente e desconfiada em relação a Rakka, no entanto, à medida que a relação entre as duas se desenvolve, Reki começa a confiar mais em Rakka e a abrir-se sobre suas próprias lutas internas. Isso é exemplificado em um momento no qual Reki revela a Rakka que ela se culpa por não ter conseguido proteger uma grande amiga e mentora de seu passado, que acabou morrendo. Esse evento traumatizante deixou uma cicatriz emocional profunda em Reki e contribuiu para sua sensação de isolamento e culpa, pois acredito que ela deva sentir que esse mesmo cenário pode ocorrer novamente, caso ela se apegue sentimentalmente a alguma outra Haibane. Ao longo da história, Reki começa a confrontar seus demônios internos e a encontrar um senso de redenção através de sua vivência com Rakka e as outras Haibane. Ela percebe que seu papel no mundo é ajudar os outros e se dedicar a essa tarefa, mesmo que isso signifique enfrentar seus medos e inseguranças. Nós, como espectadores, acompanhamos e torcemos por ela, mesmo que exista sim um pingo de egoísmo e egocentrismo ali, o que torna a personagem muito mais interessante. Talvez um ponto negativo que consigo observar nesse roteiro é a falta de desenvolvimento de alguns personagens secundários, mas também temos que entender que é impossível arrumar tempo de tela para desenvolver todos os personagens em 12 ou 13 episódios. Claro que talvez esse tipo de anime, que por essência tem um pacing mais lento, se beneficiaria de um tempo de tela maior, algo como 24 episódios, dando mais tempo para exploramos os demais personagens que formam o grupo das Haibane, mas isso sou só eu procurando pelo em ovo. No final, algo que fiquei refletindo muito ao terminar esse anime, é que mesmo quando buscamos a redenção, às vezes nos encontramos presos em nossos próprios demônios, incapazes de escapar das cicatrizes do passado que nos assombram e nos impedem de encontrar a luz, e é bem capaz que você morra sem encontrar essa luz. Não só de roteiro vive o homem Haibane Renmei é um anime notável não apenas por sua narrativa intrigante e personagens extremamente relacionáveis, mas também por seus aspectos visuais únicos. A direção de arte é especialmente magnifica, e contribui muito para a atmosfera melancólica e introspectiva dessa obra. Me parece que a arte desse anime é inspirada nos movimentos renascentista e barroco, com diversos elementos visuais que compõem as cenas, como os afrescos nas paredes da cidade e a representação detalhada dos objetos e do ambiente. Além disso, o uso de cores escuras e opacas e a presença constante de nuvens e neblina, com um forte “Bloom” reforçam a sensação de melancolia e mistério, o que me remete a um certo joguinho de vídeo game aí que irei falar mais à frente. A direção de arte de Haibane Renmei é notável por sua capacidade de transmitir essa atmosfera melancólica e introspectiva do anime, sabe? Muitas cenas são animadas com pouca iluminação ou na escuridão quase que total, enfatizando a solidão e o isolamento dos personagens. Além disso, a direção de arte também ajuda a estabelecer a passagem do tempo e a evolução dos personagens, usando elementos como o crescimento da vegetação e a mudança das estações para mostrar a passagem do tempo, algo que contribui para a sensação de evolução desses personagens, como se o amadurecimento deles refletisse diretamente no ambiente, entende? Uma das coisas que mais me chamou a atenção na direção de arte nessa obra é o uso de elementos simbólicos e metafóricos para expressar os temas e a forma de pensar dos personagens. Por exemplo, a cidade cercada por muros altos e a neblina constante, a meu ver, simbolizam a sensação de prisão e isolamento dos personagens, enquanto a presença constante de penas e asas nos cenários e figurinos dos personagens refletem sua natureza livre, indo de encontro com a prisão que vivem. É realmente muito bem-feita essas relações que o diretor faz, misturando elementos visuais para se casar com seu roteiro, coisa que vemos pouquíssimo nas obras que veem saindo nos últimos anos. A composição de cenas em aqui é um show à parte, sem dúvida. Em muitas cenas, a composição é simétrica e equilibrada, usando uma perspectiva frontal e uma linha de horizonte baixa para criar uma sensação de estabilidade e harmonia. Essa composição é frequentemente usada em cenas de interação social entre os personagens, já que aquela linha de ação é algo bem corriqueiro em qualquer anime ou obra áudio visual. Por outro lado, o autor também usa a composição da cena maneira mais “experimental”, para criar uma sensação de estranheza e desconforto, com quadros mais claustrofóbicos, geralmente bem próximo ao personagem, mas com ângulos “tortos”, não nos dando um senso de espaço muito bom, sabe? Sério, existem muitos pequenos aspectos que conseguimos notar nesse anime, algo fora do normal. A composição musical e a delicadeza em transmitir sentimos A trilha sonora dessa obra é sim muito boa, não necessariamente por trazer faixas com arranjos super complexos, mas sim por conseguir transmitir um sentimento através da música. Assim como a arte ou o roteiro, a música aqui tem um papel fundamental não só na construção de uma ambientação, mas para nos transmitir os sentimentos nos momentos certos. A trilha sonora dessa obra usa várias técnicas musicais para criar uma atmosfera de mistério, melancolia e até mesmo de esperança. Muitas das músicas apresentam padrões rítmicos irregulares e não convencionais, que ajudam a criar um senso de instabilidade e incerteza, com modulações súbitas de tom, que adicionam uma sensação de tensão e dramaticidade, essas sutilezas também refletem na personalidade dos personagens, o que casa muito bem justamente com a direção de arte e enquadramento das cenas. Percebe como aqui, a experiência auditiva anda de mãos dados com a experiência visual? A trilha sonora em Haibane Renmei tenta retratar os diferentes personagens e locais do anime, sabe? as músicas que acompanham as cenas que ocorrem na cidade mostram um senso de calma e ordem, enquanto as cenas que ocorrem na floresta têm uma sensação de misticismo e mistério, justamente por seu um local proibido, envolto de muitos mitos, e a trilha nos ajuda justamente a entender o que aquele local ou personagem quer transmitir, as vezes mesmo sem uma linha de diálogo se quer, conseguimos captar toda a carga dramática de uma cena, apenas de ouvir uma canção tocando de fundo. Para encerrar esse tópico, por favor, ouça a música de encerramento completa desse anime, é simplesmente maravilhosa. Fumito Ueda fazendo escola? Se tem uma coisa que me chamou a atenção aqui foi a forte similaridade visual que esse anime tem com o jogo Ico, do mestre Fumito Ueda, e essa similaridade não está somente na paleta de cores na arte no geral, vai muito além disso, é como se fosse uma ligação sentimental. Uma das semelhanças mais óbvias entre Haibane Renmei e ICO é o uso da paletas de cores que evocam uma atmosfera emocional única. Enquanto Haibane Renmei usa tons opacos e cores escuras para criar uma sensação de melancolia e introspecção, ICO usa tons pastéis e suaves para criar um clima misterioso e lúdico, clima esse que também é utilizado em alguns momentos em Haibane Renmei. Claro que a escolha da paleta de cores dessas duas obras são bem diferentes em muitos aspectos, mas ambas compartilham um foco em tons terrosos e suaves que criam uma atmosfera contemplativa e emocional, e é como falei acima, essa semelhança vai além do visualmente identificável, é realmente uma mistura maluca de sentimentos que ambas as obras me evocam, e isso fez esse anime subir muito no seu conceito, sem dúvidas. Ok, é um dos melhores animes que já vi (e não me venha com papo de cult) Sem dúvida essa é umas das obras mais sentimentalmente significantes que já tive o prazer de ver, e sei que isso é muito subjetivo, talvez em outro momento de minha vida eu odiasse o ritmo e o desenrolar dessa história. Mas o João de hoje consegue notar toda a delicadeza e genialidade que esse anime traz consigo, onde a arte não se dissocia da poesia em nenhum momento, onde tudo pode ser relativizado e pensado duas vezes, onde nada realmente é o que parece ser, pois apenas estamos conhecendo aquela realidade pela ótica de um personagem falho... Isso lembra muito a vida real, não acha?
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Aug 21, 2022
1 Litre no Namida
(Manga)
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This review will be written in English and Portuguese
Essa resenha será escrita em inglês e português _______________________________________________________________________________________________________________ 1 Litre of Tears succeeds in showing us the insignificance of life through the importance of "meaning" The fragility of being human I think the main message that this manga shows us is how everything that we don't give so much importance, like the fact that we move, walk, talk, eat, or even breathe, is in fact of immense importance, even more so when we have lost the ability to perform such basic actions as those already mentioned above, and above all, how life is something so fragile that we often don't ... treat it the way we should. 1 Litre of Tears tells the story of a girl named Aya, and how she gradually discovers a disease that gradually destroys the bones in her body, and all the difficulties she goes through during this phase of discovering her disease. From the very beginning, we see a very important message, just in the premise and the presentation of the conflict of this story, which is the passage of time, and how everything can change very quickly, where one day we're getting ready to go out, to go to school or to work, and the next day we're stuck in a hospital bed, basically trying to avoid the inevitable death, and this is what the manga talks about, about the passage of time, how everything passes by in the blink of an eye, making us even lose the sensibility of just appreciating the moment, you know? We are always stuck in our routines, where we never have time for anything, we are always doing something, trying to be more productive, doing this or that to please others, but we almost never stop to enjoy the "time", where we just breathe deeply, and try to feel that moment, feel the wind touch our skin, listen to the sounds of nature, or even be really present in each moment of our life, and not just live in automatic mode. We mentalize a whole agenda of processes and tasks, and how we can fit a certain task into a certain period, and little by little this makes us lose this sensitivity of being present, of being grateful for what we have and are, and this is what Aya learns throughout the manga, the importance of being present. The small details of the whole As I said above, Aya, little by little, is learning to live with that disease that does not allow her to be a "normal" girl. Due to this disease, Aya cannot do basic things that anyone can do, such as walk, eat, among several other things, and this forces her to develop other abilities in her life, mainly the ability of perception, where gradually, she can perceive the nuances of life, you know? She can be really present in all moments of her life, much due to her motor limitation, she always observes in detail how people behave, or how they react to her condition, and this makes her more resistant to all the unconscious prejudices of the people around her. Then, despite not wanting to, Aya, through a terrible illness, manages to develop this ability that few people have nowadays, which is the ability to feel and live the now, to enjoy and experience every little moment that life has to offer, and it is in these small details of life that true happiness lies, isn't it? Well, like everything in life, everything has a positive and negative side. The unconscious prejudice Another theme addressed by this manga is the prejudice that a disabled person goes through in the course of his life, from the looks of pity to the unconsciously mean comments, all this makes Aya more and more angry with her condition, angry to be the object of comments, of looks of pity, and this, at least in my opinion, is something little discussed in society in general, the lack of tact and sensitivity with people who have some kind of disability, be it motor or psychological, and this lack of sensitivity goes from the aspects of coexistence, to government support for these people, because they are excluded in the most diverse ways, be it from the coexistence of other "normal" people, or even by the fact that there are no infrastructures for the disabled person to be able to move around freely, without needing the help of a stranger on the street, you know? Of course this discussion is much deeper than that, because there are several social aspects that go into this discussion, but the fact is that these people are increasingly excluded from our society, and I particularly feel that we are slowly regressing in this sense, bringing back concepts like segregation, where mothers are aborting their children because of the risk of them being born with some disability, and how this is becoming something natural and socially accepted. In other words, we are finding it normal to take the lives of children because they are not born the way the mother wants, and make no mistake thinking that this is for the good of the child itself, because we as a society are turning a blind eye to the murder of individuals under the pretext that "the child would suffer too much if born," and we are using this as a pretext to take away the right to live from these children, solely and exclusively because the mother thinks the child will suffer too much? But is it really? Today, we find such atrocious acts natural in our society, and little by little these same children will be killed for the most futile reasons possible, such as not being born with fair skin, or for not having the color of eyes that the mother wanted the child to have... And I ask you: does this remind you of anything? Killing people of "inferior" ethnicities, killing disabled people, does that remind you of any particular totalitarian regime? A different but functional narrative structure This manga has a simple yet very different narrative structure from what we see around us. Unlike most anime and manga, it doesn't aim to build multi-faceted characters with big dilemmas or traumas to overcome, despite the fact that the protagonist has an illness, I don't see this as an obstacle to overcome, but rather something the protagonist needs to learn to live with, you know? The author manages to use a relatively simple story to convey her messages, and there are few stories that manage to do this satisfactorily, and 1 Litre of Tears manages to do this in a very natural way. It is very easy to fall into clichés when we have a narrative structure based on events, where often, certain patterns are used so that the story follows, at least in part, the classic narrative structures we are already used to, but in this manga, the author managed to show us believable characters, with their traumas and difficulties, but not only that, the author managed to pass her messages in her subtext, and not only that, she instigated us to debate such themes, and this debate, in turn, takes us to several different places. ... So all in all, I would say that this manga, above all, is good for being different, it is a breath of relief in such a saturated industry. As human being 1 Litre of Tears, above all, is about maturation, it shows us, through a story of acceptance, how fragile and prone to failure we are, and how all of this, in the end, makes us only human. This work brings up a debate that has long been put aside, which is the recognition of people who are on the margins of our society, people who sometimes suffer from segregation before they are even born, and how this all needs to be widely discussed in our society. 1 Litre of Tears was a very meaningful read for me, it brought up several feelings and reflections that I haven't read in a manga in a long time, and this alone makes this manga something special. _______________________________________________________________________________________________________________ 1 Litro de lágrimas consegue nos mostrar a insignificância da vida através da importância de “significar” A fragilidade de ser humano Acredito que a principal mensagem que esse mangá nos mostra é como tudo aquilo que não damos tanto importância, como o fato de nos movimentar, de andar, falar, comer ou até mesmo respirar, na verdade tem uma importância imensa, ainda mais quando perdemos a habilidade de realizar ações tão básicas, como as já citadas acima, e acima de tudo, como a vida é algo tão frágil, que muitas vezes não a tratamos da forma devida. 1 Litro de Lágrimas conta a história de uma garota chamada Aya, e de como aos poucos ela vai descobrindo uma doença que gradativamente destrói os ossos de seu corpo, e todas as dificuldades que ela passa durante essa fase da descoberta de sua doença. Já de começo, vemos uma mensagem muito importante, apenas na premissa e na apresentação do conflito dessa história, que é a passagem do tempo, e de como tudo pode mudar de maneira muita rápida, onde em um dia estamos nos arrumando para sair, para ir à escola ou trabalho, e no outro estamos presos em uma cama de hospital, basicamente tentando evitar a morte inevitável, e é muito sobre isso que o mangá fala, sobre a passagem do tempo, como tudo passa em um piscar de olhos, nos fazendo até mesmo perder a sensibilidade de simplesmente aproveitar o momento, sabe? Estamos sempre presos em nossas rotinas, onde nunca temos tempo para nada, sempre estamos fazendo algo, tentado ser mais produtivos, fazendo isso ao aquilo para agradar aos outros, mas quase nunca paramos para aproveitar o “tempo”, onde simplesmente respiramos fundo, e tentamos sentir aquele momento, sentir o vento tocar em nossa pele, ouvir os sons da natureza, ou mesmo estar de fato presente em todos os momento de nossa vida, e não só viver no modo automático. Mentalizamos toda uma agenda de processos e tarefas, e como podemos encaixar determinada tarefa em um determinado período, e aos poucos isso vai nos fazendo perder essa sensibilidade de estar presente, de ser grato por aquilo que temos e somos, e é isso que Aya aprende no decorrer do mangá, a importância de estar presente. Os pequenos detalhes do todo Como havia dito mais acima, Aya, aos poucos vai aprendendo a conviver com aquela doença que não permite ela ser uma garota “normal”. Devido a essa doença, Aya não consegue fazer coisas básicas que qualquer pessoa consegue fazer, como andar, comer, dentre diversas outras coisas, e isso a obriga a desenvolver outras habilidades em sua vida, principalmente a habilidade da percepção, onde gradativamente, ela consegue perceber as nuances da vida, sabe? Ela consegue estar realmente presente em todos os momentos de sua vida, muito devido a sua limitação motora, ela sempre observa com detalhes como as pessoas se comportam, ou como elas reagem a sua condição, e isso a vai deixando mais resistente a todo o preconceito inconsciente das pessoas ao seu redor. Então, mesmo não querendo, Aya, através de uma terrível doença, consegue desenvolver essa habilidade que poucas pessoas têm hoje em dia, que é a habilidade de sentir e viver o agora, de aproveitar e experienciar cada pequeno momento que a vida tem a oferecer, e é nesses pequenos detalhes da vida, que mora a real felicidade, não é mesmo? Bem, como tudo na vida, tudo tem um lado positivo de negativo. O preconceito inconsciente Outro tema que esse mangá aborda é o preconceito que um deficiente passa ao longo de sua vida, desde os olhares de pena, até os comentários inconscientemente maldosos, tudo isso faz com que Aya cada vez mais tenha raiva de sua condição, raiva de ser motivos de comentários, de olhares piedosos, e isso, ao menos ao meu ver, é algo pouco discutido na sociedade no geral, na falta de tato e de sensibilidade com as pessoas que possuem algum tipo de deficiência, seja ela motora ou psicológica, e essa falta de sensibilidade vai desde os aspectos da convivência, até o suporte governamental a essas pessoas, pois elas são excluídas das mais diversas formas, seja da convivência das demais pessoas “normais”, ou até mesmo pelo fato de não existir uma infraestrutura para que a pessoa com deficiência possa de locomover livremente, sem precisar da ajuda de um estranho na rua, sabe? Claro que essa discussão é muito mais profunda do que isso, pois existem vários aspectos sociais que entram nessa discussão, mas o fato é que essas pessoas são cada vez mais excluídas de nossa sociedade, e eu particularmente sinto que aos poucos estamos regredindo nesse sentido, trazendo de volta conceitos como a segregação, onde mães estão abortando seus filhos devido ao risco de ele nascer com alguma deficiência, e como isso está se tornando algo natural e socialmente aceito. Em outras palavras, nós estamos achando normal ceifar a vida de crianças, pelo fato da mesma não nascer do jeito que a mãe quer, e não se engane pensando que isso é para o próprio bem da criança, pois nós, como sociedade, estamos fechando os olhos para o assassinato de indivíduos, com o pretexto de que “a criança iria sofrer demais caso nascesse”, e estamos usando isso de pretexto para retirar o direito de viver dessas crianças, única e exclusivamente porque a mãe acha que a criança irá sofrer demais... Mas será mesmo? Hoje, estamos achando natural tais atos atrozes em nossa sociedade, e aos poucos, essas mesmas crianças vão ser mortas pelos motivos mais fúteis possíveis, como por exemplo não terem nascido com a pele clara, ou por não terem a cor dos olhos que a mãe queria que a criança tivesse... E aí eu te pergunto, isso te lembra algo? Matar pessoas de etnias “inferiores”, matar pessoas deficientes, isso te faz lembrar de algum regime totalitário em especial? Uma estrutura narrativa diferente, mas funcional Essa obra possui uma estrutura narrativa simples, e ao mesmo tempo bem diferente das que vemos por aí. Diferentemente da maior parte dos animes e mangás, ela não tem o objetivo de construir personagens multifacetados, com grandes dilemas ou traumas a serem superados, apesar do fato da protagonista ter uma doença, não vejo isso como de fato um obstáculo a ser superado, e sim algo que a protagonista precisa aprender a conviver, sabe? A autora consegue utilizar de uma história relativamente simples, para passar suas mensagens, e são poucas as histórias que conseguem fazer isso de maneira satisfatória, e 1 Litro de Lágrimas consegue fazer isso de maneira muito natural. É muito fácil cair em clichês quando temos uma estrutura narrativa baseada em acontecimentos, onde muitas vezes, se é utilizado de certos padrões para que a história siga, pelo menos em partes, as clássicas estruturas narrativas que já estamos acostumados, mas nesse mangá, a autora conseguiu nos mostrar personagens críveis, com seus traumas e dificuldades, mas não se limitou a somente isso, a autora conseguiu nos passar suas mensagens em seu subtexto, e não só isso, ela nos instigou a debater tais temas, e esse debate, por usa vez, nos leva para vários lugares distintos... Então no final dia, eu diria que esse mangá, acima de tudo é bom por ser diferente, é um sopro de alivio em uma indústria tão saturada. Como ser humano 1 Litro de Lágrimas, acima de tudo, fala sobre amadurecimento, ele nos mostra, através de uma história de aceitação, como somos frágeis e propensos a falhar, e como tudo isso, no final, nos torna apenas humanos. Essa obra traz à tona o debate que a muito tempo está sendo jogado de lado, que é reconhecimento de pessoas que estão a margem de nossa sociedade, pessoas essas que por vezes sofrem de segregação antes mesmos de nascerem, e como tudo isso precisa ser amplamente discutido em nossa sociedade. 1 Litro de lágrimas foi uma leitura muito significativa para mim, ela trouxe à tona diversos sentimentos e reflexões que a muito tempo eu não tinha lido em um mangá, e isso, por si só, já torna essa obra algo especial.
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Aug 14, 2022
Chikyuu Hyoukai Jiki
(Manga)
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Mixed Feelings
Essa resenha será escrita em inglês e português
This review will be written in English and Portuguese _____________________________________________________________________________________________________________ Ice Age Chronicle of the Earth is a simply uninteresting manga, it brings that eternal "could have been better" feeling, you know? The Eighties aesthetic and the appeal to detail I think the technical quality of this manga is undeniable, it is very well illustrated, from the more "underground" scenarios, which bring a very claustrophobic feeling, with closed, dark and metallic environments, to the more open scenarios, such as the frozen mountains, the forests, among several other scenarios that are very well drawn by Jiro, and honestly, I expected no less from ... a great mangaka like Jiro. I think it's important to highlight mainly the feeling that Jiro's art brings with it, much due to its very characteristic 80's aesthetic, you know? With that more rounded design of the characters, the dirtier and more detailed scenes, it's no wonder that this manga, at least aesthetically, reminds me a lot of Akira, with that appeal to grandeur, you know? With big "Set Pieces", which seem a bit megalomaniacal to me, where everything is always very visually striking... Anyway, I think at the end of the day, Akira defined a lot of this 80s aesthetic in manga and anime, this aesthetic that makes me feel a lot of nostalgia, an aesthetic that is much, much more original and well-crafted than the ones we have nowadays, where every anime or manga has the same old boring look, but even though Ice Age Chronicle of the Earth drinks from this "Eighties" source, this doesn't make it a good manga. An empty and meaningless narrative The plot as a whole of this manga is something extremely disappointing, because the author makes us believe from the beginning that we will see the journey of a classic hero, and as the name says, he makes us follow a chronicle of a previously unknown era, the problem here is that none of this really happens, from the mystical elements to the construction of the characters, everything here is really below average, especially the characters. Speaking a little more about Takeru, he's a terrible protagonist, not because of his personality or anything like that, just because he's poorly written. His whole motivation throughout the story is very shallow, you know? Right from the beginning, we see that he is the bastard son of a great man who is the president of a city, or something like that, and for some reason, Takeru was sent to a sort of mining cave, and that's where the events that start the story of this manga occur. The big problem here is how Takeru's evolution occurs, where he goes from a rebellious character, to a super selfless guy, and this happens overnight, it's very strange to follow this change, because it occurs out of nowhere, there is actually no event, or a chain of events that cause Takeru to really mature and become a man of respect, he simply changes his personality completely from one day to the next, without a minimum of justification, and this makes the character extremely weak within the narrative, because all his actions within the work, are empty actions, without motivations, he is simply following what was written by the author, but without any real motivation behind it, and this is extremely disappointing. The other characters that make up this story are just as poorly written and disappointing as Takeru, so I won't even bother talking much about them here. In the end, I was left with that feeling of "This could have been done better," you know? Because even if the characters weren't good, you could still bet that the mythology of that world would make it all worthwhile, but unfortunately that wasn't the case. The lore of this world is just uninteresting, the whole story behind the "Giants", and all that mysticism surrounding them is never really explained, it just seems to be something thrown in for the story to have some mystical element up its sleeve, and also to give Takeru some motivation to continue his meaningless journey, but it just didn't work for me. Climate change and the passage of time But it's not all bad here, I believe that the subtext of this manga is the great "Gold" it has to offer, because there is a whole discussion here about climate change, and how this affects humanity in a negative way, from clear natural disasters, such as the current ice age humanity is experiencing, to fascist illusions to fix this world, all these topics I find very interesting to discuss, even more so in a manga that has a more "mass" appeal, within the limitations of a science fiction manga of course. I find very interesting all the discussion about the passage of time that exists in this manga, where things are changing faster and faster, and how this affects us, making us lose the reference of the past, and thus forcing us to make the same mistakes of our ancestors, precisely because of this speed that things change, And this is very much reflected in the climate changes that exist in this fictional world, where human beings, most likely caused these drastic climate changes, causing humanity to live in this ice age, and yet they continue to make the same mistakes, mining the earth, polluting the environment, and doing everything that led to the downfall of humanity. ... And of course, in moments like these, moments of despair, is where that delicious and seductive feeling that fascism provokes is born. It is at this moment that "la belle mere" is born, an artificial intelligence that has realized all the atrocities humans have done and do to nature, and to "purify" this world, decides to simply exterminate the human race, and put in its place a "purer" race, called "a.d.o.l. f" (yes, I know, it's a very silly reference), and this makes a clear connection to extremely fascist ideals, and while it's a good discussion to have within this manga, the author just makes it just a silly reference anyway, but it would be very interesting to see this element of the story be worked out better. Ice Age Chronicle of the Earth is an empty manga, but with interesting themes. At the end of the day, Ice Age Chronicle of the Earth is a rather empty work, it appeals a lot to this fiction for the aesthetics, where everything needs to be extremely detailed and grandiose, but forgets to work on the micro, build good characters, with palpable motivations, and so on ... And don't get me wrong, Ice Age Chronicle of the Earth is not a disposable manga, there are interesting discussions about climate change, the passage of time (a topic often addressed in Jiro's works), and it even gives a brushstroke on fascist ideologies, but unfortunately such themes are not very deep in this work, making it just a bit boring overall. But if you want to read a classic hero's journey, and also well illustrated, I think Ice Age Chronicle of the Earth might be a good manga for you, but for me, this work is very "Gray", and I think this is the best description I can give you. _____________________________________________________________________________________________________________ [português] As Crônicas da Era do Gelo é uma mangá que nem fede e nem cheira, nem fode e nem sai de cima... Ele traz aquela eterna sensação de “poderia ter sido melhor”, sabe? A estética oitentista e o ode ao detalhismo Acredito ser inegável a qualidade técnica dessa obra, ela é mulatíssima bem ilustrada, desde os cenários mais “undergrounds”, que trazem uma sensação bem claustrofóbica, com ambientes fechados, escuros e metálicos, até os cenários mais abertos, como as montanhas geladas, florestas, dentre diversos outros cenários que são muito bem desenhados pelo Jiro, e sinceramente, eu não esperava menos de um grande Mangaká como Jiro. Acho importante destacar principalmente o sentimento que a arte do Jiro traz consigo, muito devido a sua estética muito característica dos anos 80, sabe? Com aquele design mais arredondado dos personagens, os cenários mais sujos e detalhados, não é à toa que esse mangá, ao menos esteticamente, me lembra muito Akira, com aquele senso de grandeza, sabe? Com grandes “Set Pieces”, que me parecem meio megalomaníacos, onde tudo sempre é muito visualmente impactante... Enfim, acho que no fim do dia, Akira definiu muito dessa estética oitentista nos mangás e anime, essa estética que me faz sentir muita nostalgia, estética essa que é muito, mas muito mais original e bem trabalhada do que as que temos hoje em dia, onde todo anime ou mangá tem o mesmo visual entediante de sempre, mas, apesar de As Crônicas da Era do Gelo beber dessa fonte “oitentista”, isso não o torna um bom mangá. Uma narrativa vazia e sem sentido O enredo como um todo desse mangá é algo extremamente decepcionante, pois o autor te faz acreditar, desde o início, que você verá uma clássica jornada do herói, e como o próprio nome diz, nos fazer acompanhar uma crônica de uma era até então desconhecida, o problema aqui é que nada disso realmente acontece, desde os elementos místicos até a construção dos personagens, tudo aqui é realmente muito abaixo da média, principalmente os personagens. Falando um pouco mais sobre o Takeru, ele é um péssimo protagonista, não por conta de sua personalidade ou algo do tipo, somente por ser mal escrito mesmo. Toda sua motivação, ao longo da história é muito superficial, sabe? Logo de cara vemos que ele é um filho bastardo de um grande figurão que é o presidente de uma cidade, ou algo do tipo, e por algum motivo, Takeru foi mandado para uma espécie de caverna de mineração, e é lá onde ocorre os eventos que dão início a história desse mangá. O grande problema aqui é como ocorre a evolução do Takeru, onde ele passa de um personagem rebelde, para um cara super altruísta, e isso acontece de uma hora para outra, é muito estranho acompanhar essa mudança, pois isso ocorre do nada, não existe de fato um evento, ou uma cadeia de eventos que façam Takeru realmente amadurecer e passar a ser um homem de respeito, ele simplesmente muda completamente sua personalidade de um dia para o outro, sem um mínimo de justificativa, e isso torna o personagem extremamente fraco dentro da narrativa, pois todas as suas ações dentro da obra, são ações vazias, sem motivações, ele simplesmente está seguindo aquilo que foi escrito pelo autor, mas sem nenhuma real motivação por trás, e isso é extremamente decepcionante. Os demais personagens que compõe essa história são tão mal escritos e decepcionantes quanto Takeru, então nem me darei muito ao trabalho de falar muito sobre eles aqui. No final, ficou aquela sensação de “Isso daqui poderia ter sido mais bem trabalhado”, sabe? Pois mesmo que os personagens não fossem bons, ainda daria para apostar que a mitologia daquele mundo iria fazer tudo valer a pena, mas infelizmente esse não foi o caso. A lore desse mundo é só desinteressante, toda a história por traz dos “Gigantes”, e todo aquele misticismo que envolve eles nunca são explicados realmente, parece ser só algo meio que jogado na história para ter algum elemento místico no mangá, e também para dar alguma motivação para o Takeru continuar aquela jornada sem sentido dele, mas isso simplesmente não funcionou para mim. As mudanças climáticas e a passagem do tempo Mas nem tudo é ruim aqui, acredito que o subtexto dessa obra é o grande “Ouro” que ela tem a oferecer, pois existe aqui toda uma discussão sobre as mudanças climáticas, e como isso afeta de maneira positiva e negativa a humanidade, desde os claros desastres naturais, como a atual era do gelo que a humanidade vive, até os delírios fascistas para consertar esse mundo, todos esses temas eu acho muito interessante de serem discutidos, ainda mais em um mangá que tem um apelo mais de “massa”, dentro das limitações de um mangá sci-fi, é claro. Eu acho muito interessante toda a discussão da passagem do tempo que existe nesse mangá, onde as coisas estão mudando cada vez mais rápido, e como isso nos afeta, nos fazendo perder a referência do passado, e assim nos forçando a cometer os mesmos erros dos nossos antepassados, justamente por conta dessa velocidade que as coisas mudam, e isso é refletido muito nas mudanças climáticas que existe nesse mundo fictício, onde o ser humano, muito provavelmente causou aquelas drásticas mudanças climáticas, fazendo com que a humanidade vivesse naquela era do gelo, e mesmo assim, eles continuam a cometer os mesmos erros, minerando a terra, poluindo o meio ambiente, e fazendo tudo aquilo que gerou a derrocada da humanidade... E é claro, em momentos como esses, momentos de desespero, é onde nasce aquele sentimento gostoso e sedutor que o fascismo causa. É nesse momento que nasce a “la belle mere”, uma inteligência artificial que percebeu todas as atrocidades que os seres humanos fizeram e fazem a natureza, e para “purificar” esse mundo, ela decide simplesmente exterminar a raça humana, e colocar uma raça mais “pura” no lugar deles, chamada “a.d.o.l.f” (sim, eu sei, é uma referência muito idiota), e isso faz uma ligação clara a ideais extremamente fascistas, e apesar de ser uma boa discussão a se ter dentro desse mangá, o autor se limita a tornar isso apenas uma referência idiota mesmo, mas seria muito interessante ver esse elemento na história ser melhor trabalhado. As Crônicas da Era do Gelo não fode e nem sai de cima No final do dia, As Crônicas da Era do Gelo é uma obra um tanto quanto vazia, ele apela muito a essa ficção pela estética, onde tudo precisa ser extremamente detalhado e grandioso, mas esquece de trabalhar o micro, construir bons personagens, com motivações palpáveis, e por aí vai... E não me entenda mal, As Crônicas da Era do Gelo não é um mangá descartável, existe ali discussões interessantes sobre as mudanças climáticas, a passagem do tempo (tema esse muito abordado nas obras do Jiro), e até mesmo dá uma pincelada ali em ideologias fascistas, mas infelizmente tais temas não são muito aprofundados nesse obra, a tornando apenas meio entediante no geral. Mas se você quer ler uma clássica jornada do herói, e também bem ilustrada, acho que As Crônicas da Era do Gelo pode ser um bom mangá para você, mas para mim, essa obra é muito “Cinza”, e acho que essa é melhor descrição que posso dar a ela.
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Jul 30, 2022
Aku no Hana
(Manga)
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Essa resenha será escrita em inglês e português
This review will be written in English and Portuguese ______________________________________________________________________________________________________________ Aku no Hana é sobre a aceitação do inevitável, estoicismo e também das frescuras adolescentes. Como tudo na vida, Oshimi sama evoluiu Acho que é inevitável começar essa análise falando de seu autor, Oshimi Shuuzou, e como ele transformou Aku no Hana em uma “comédia romântica” meio tosca em uma grande obra dos anos 2000. A coisa que é mais óbvia de se observar ao longo da leitura é como o autor evoluiu seu estilo artístico, tanto em aspectos técnicos da construção das páginas, posicionamento dos requadros, enquadramentos das ações, posicionamento geográfico, ... entre outras coisas, quanto na atenção aos detalhes, e no famigerado “realismo” artístico (que de realístico não tem nada de fato). Ao longo de minha leitura de Aku no Hana, foi ficando cada vez mais clara que tanto a narrativa quando a arte do Oshimi evoluía de forma exponente, então a partir do quarto ou quinto volume, você começa a perceber que os personagens são muito mais expressivos, e que existe todo um trabalho ali de luz e sombra, bem como traços mais firmes e consistentes, fora todo o trabalho de direção das cenas e o enquadramento das ações e diálogos, que aos poucos foi se tornando algo essencial na construção das páginas desse mangá. E como disse no começo, a narrativa foi acompanhando essa evolução artística, então os temas que são abordados nesse mangá foram cada vez mais sendo maturados e naturalmente amadurecendo. Então o que antes parecia ser somente uma mangá de comédia romântica, acaba mostrando muito mais do que os olhos podem ver. O começo pode ser meio merda Como mencionei acima, o início da história acaba sendo a parte menos interessante dessa obra, não por ser desinteressante ou chata por si só, ela só não nos diz muito de início, sabe? Esse primeiro arco do mangá tem como intuído nos apresentar os personagens e desenvolver o grande conflito que o protagonista, Kasuga precisa superar, que basicamente podemos resumir em: “pegaram o Kasuga com as calças na mão roubando a roupa de ginastica do seu grande amor, Saeki”, e a pessoa que pegou Kasuga no flagra é a pessoa que vai tornar sua vida em um inferno. Sinceramente, eu gosto de histórias com premissas meio malucas como essa, sabe? Geralmente esse animes de comédia/comédia romântica fazem isso, sem muito compromisso com construir bons personagens, que tenham realmente uma “tridimensionalidade”, narrativamente falando. Mas obviamente eu fico feliz que Aku no Hana não se limitou a somente isso. Aos poucos vamos vendo que existem temas sendo debatidos no texto e subtexto dessa obra que nem todos consegue captar em uma primeira leitura, temas como a obsessão por pertencimento, por se encaixar em um lugar e seguir o fluxo da maré, algo comum dentro da sociedade japonesa, ou mesmo a busca pela validação e aprovação alheia, e como isso pode mudar uma pessoa, fazendo-a tomar decisões totalmente descabidas, e tudo isso vai sendo trabalhado bem aos poucos no mangá. Então faça um favor a si mesmo e de uma chance para essa obra, e leia pelo menos até o quarto ou quinto volume, tenho certeza de que valerá a pena. A busca pelo pertencimento de uma pessoa vazia Talvez um grande problema que exista nesse mangá, é justamente seu protagonista, não por ser mal escrito ou mal desenvolvido ao longo da história, e sim por sua personalidade fraca e vazia, sabe? Ele não é um personagem ativo na história em quase nenhum momento, ele sempre se deixa levar pela vida, dia após dia, e isso o faz as vezes se prender a coisas igualmente vazias, como a sensação de ser superior a todos a seu redor, somente porque lê alguns livros, livros esses que muitas vezes ele sequer entende, e isso vai devorando-o por dentro, uma pessoa superficialmente vazia, sem desejos, anseios, somente vivendo um dia após o outro... Talvez isso te lembre da sua própria vida, não acha? Porque você pode pensar “Mas eu não sou assim, eu tenho sonhos, desejos, quero me tornar alguém importante”, mas será mesmo que você quer isso? Ou será que alguém impôs isso a você? Na leitura desse mangá, ficamos incomodados com Kasuga, justamente porque sabemos que no fundo, somos iguais a ele, pessoas que se prendem a coisas fúteis, que se sentem intelectualmente, ou até fisicamente superiores aos outros, e nos afundamos cada vez mais em nossa soberba, sem nunca admitir que somos apenas pessoas normais, pessoas meio feias e meio burras que não realmente tem grandes sonhos a realizar, ou se tem, muito provavelmente foi algo ou alguém que imputou isso a você, talvez um parente ou um amigo, e devido a sua incessável vontade de pertencimento, de agradar a aqueles que fazem parte da sua bolha social, acaba que, de forma inconsciente, acreditando que eles sonhos são seus. E é justamente quando estava tendo essa percepção sobre minha experiência com a obra, que a Nakamura veio a minha cabeça, pois ela é o “real”, ela é quem dá um choque de realidade na vida de Kasuga, aos poucos ela vai mostrando ao Kasuga o qual patético e miserável ele realmente é, assim como todo ser humano, que em sua natureza é hostil, miserável, patético... Todos nós somos assim, o grande problema é que nem todos nós temos uma “Nakamura” em nossa vida, para nos lembrar que não passamos de meras formas de vida sem muita significância no âmbito geral da vida. Uma pena que o Kasuga não conseguiu aprender essa lição tão bem assim. Kasuga, aos poucos vai entendendo sua verdadeira natureza, e lentamente vai deixando sua máscara cair, mostrando seu “verdadeiro eu”, um “pervertido”, como a Nakamura gosta de o chamar, e perceba todo o simbolismo que essa palavra “Pervertido” tem, pois ela não tem somente uma conotação sexual, mas ela também se refere a todos aqueles desejos “sujos” que temos dentro de nós, a vontade de muitas vezes desistir de nossa vida, ou mesmo de cometer algum ato moralmente questionável, e é justamente nesse o ponto que esse mangá toca. Quando Nakamura fala a Kasuga que ela quer “tirar todas as suas camadas de pele” é justamente isso que ela quer dizer, ela quer expor a verdadeira pessoa dentro de Kasuga, essa pessoa suja, cheia de sentimentos conflitantes e com desejos desprezíveis, e é justamente isso que ela faz, ela derruba a máscara de Kasuga, e é nesse momento que esse mangá consegue mostrar toda sua qualidade narrativa. Após Kasuga realmente conhecer quem ele é de verdade, ele acaba percebendo que a única coisa que ele precisa é “pertencer”, ou seja, ele precisa se encaixar em algum lugar para pertencer a algo ou alguém, e esse pertencimento ele acha em Nakamura, então ele acaba novamente se prendendo a algo “fútil”, ele se prende a um estigma social de que você, enquanto individuo, precisa ser útil, precisa construir algo em prol da sociedade, e esse bem maior, para Kasuga, é viver ao lado de Nakamura. Então perceba a crítica que o autor quis fazer aqui, justamente sobre isso que comentei a pouco, sobre nossa necessidade inerente de ter que pertencer a algo, nossa vontade de fazer parte de um grupo de pessoas, que nos faz sentir útil de alguma forma, e essa necessidade que sua mente cria vem desde cedo, com seus pais o ensinando que você precisa fazer sempre bem ao próximo, pois de alguma forma vocês todos fazem parte de um grande organismo vivo, onde se um faz mal ao outro, toda a sociedade é “punida” por conta disso, algo que remete bastante ao xintoísmo. Mas será mesmo que devemos viver assim? Será que o grande objetivo de nossas vidas é ser apenas uma engrenagem na grande máquina que chamamos de “sociedade”? A validação social em Aku no Hana Finalmente chegamos em uma das personagens que eu mais queria falar, personagem essa que foi muito bem escrita e desenvolvida ao longo de toda a obra, no caso me refiro a Saeki, logicamente. A personagem da Saeki é realmente muito bem escrita, suas vivencias e motivações são muito calcadas na realidade sabe? Todas as ações que a Saeki toma ao longo da história são fáceis de entender, pois sua construção como pessoa vem justamente dessa criação de filhos típica japonesa, onde os filhos são ensinados a ser um integrante saudável da sociedade, e dar sua vida se preciso, para não desapontar aqueles que ama, então Saeki, durante toda sua vida, foi uma pessoa vazia, assim como Kasuga, uma pessoa que nunca achou o real sentido de sua existência, pois tudo que ela fazia, desde seu ótimo desempenho na escolha, até suas aulas de piano, tudo aquilo era somente para agradar seus pais, então nada daquilo realmente era algo que a Saeki gostaria de fazer, ela o fazia apenas para agradar as pessoas a sua volta, e principalmente para ter uma validação externa. Saeki exemplifica toda a discussão de validação e pertencimento que essa obra aborda, onde tudo que nós fazendo, de certa maneira, só o fazemos para agradar alguém, ou para ter a validação de terceiros, então quando você vai até a sua mãe, e diz a ela que você finalmente conseguiu ser aprovado em uma faculdade de renome, você não faz isso porque quer compartilhar sua felicidade com sua mãe, e sim para receber sua aprovação, para ouvir ela falar “bom garoto”, e essa sua necessidade de aprovação vai se arrastando pelo resto de sua vida. No trabalho você se dedica horas e mais horas para entregar um novo projeto, tudo para receber um “bom trabalho” do seu chefe. Claro, pode ser que você genuinamente queira ver as pessoas felizes ao seu redor, mas muito provavelmente, bem lá no fundo de sua alma, você só faz isso para se sentir bem consigo mesmo, para receber a validação e aprovação de terceiros, você só se sente um ser humano, você só se sente vivo, quando alguma pessoa vem até você e te reconhece como tal... E acredito que grande parte de nós, pessoas comuns, estamos fardadas a isso, a viver uma vida vazia, sempre buscando a felicidade em coisas banais, como bens materiais, ou mesmo na busca de aprovação externa, vamos sempre cair mais e mais nesse maldito poço que chamamos de vida. Mas afinal, isso é a adolescência, não é? Se você leu essa análise até o aqui, talvez tenha pensado “Tudo isso é apenas aquilo que passamos na fase da adolescência”, e de certa maneira, você está certo. Aku no Hana basicamente pega todas aquelas sensações que temos em nossa adolescência, os medos, inseguranças, e multiplica isso vezes 10, nos mostrando o que poderia acontecer, caso dois jovens levassem esses sentimentos até as últimas consequências. E esse é só mais um dos acertos que esse mangá tem, de trazer muitas dessas discussões para o grande público, pois, mais do que em qualquer lugar, o Japão possui uma sociedade que cobra e espera muito de sua população jovem, então, em muitas vezes, os jovens nem sequer tem tempo de parar e refletir sobre seus sentimentos, pois sempre estão estudando, ou então trabalhando em meio período, tudo para atender as cobranças de seus pais, e não só eles, mas a sociedade como um todo. Então além de tudo, também existe uma critica meio velada aqui sobre como a sociedade vê sua população mais jovem, e sobre todos os malefícios que isso pode causar na mente desses jovens, principalmente quando não se é dado o espaço para um diálogo sobre tais temas, seja em sala de aula ou em casa... Então o jovem se vê muitas vezes preso, preso a essas amarras sociais e a essas cobranças de ser cada vez melhor, cobranças essas que muitas das vezes são a maior motivação de um jovem tirar sua própria vida, e não é atoa que o Japão possui um dos maiores índices de suicídio do mundo. Mangá x Anime e a mediocridade do otaku médio Você muito provavelmente já deve ter ouvido essa frase sobre Aku no Hana: “Não assista o anime, ele é feio, leia o mangá”, e é muito provável que você ouviu isso de um colega ou amigo que acompanha fielmente todos os animes lançamentos de cada temporada, o típico perfil do otaku médio. Acho que o grande ponto aqui é o que é “feio” realmente? O que nos conseguimos definir como feio ou bonito? Se é uma arte “padrão anime” então é bonito, mas caso o autor opte por fugir um pouco dessa estética “padrão anime”, aí é feio, não é? Esse tipo de comentário é tão pobre em tantos níveis, que nem sei por onde começar, mas vamos lá. Claramente o anime de Aku no Hana foi feito para ser “feio”, foi feito para incomodar, digamos que foi uma feiura proposital, em nenhum momento o diretor pensou “Vou tentar fazer esse anime o mais genericamente bonito possível”, pelo contrário, ele muito provavelmente pensou “como posso usar a estética ao meu favor para transmitir minha mensagem?”, e com isso chegamos a essa estética final do anime de Haku no Hana. Claramente tudo ali foi feito para nos incomodar, desde a estética da animação, feita em rotoscopia, que mistura uma animação muito real e fluida, junto de um estilo artístico “flat”, misturando cores bastante pasteis e opacas, tudo isso para construir um clima que nos incomoda, que nos tira da nossa zona de conforto. Para não me alongar muito nesse tópico, podemos dizer quem sim, o anime de Aku no Hana pode ser considerado “feio”, a depender de sua concepção de feio, mas nada me tira da cabeça que quem fala isso, é só mais uma otaku médio que ainda precisa aprender muita coisa na vida. Aku no Hana é nossa necessidade de seguir em frente Acredito que o principal ponto dessa obra é mostrar a jornada de um personagem seguindo em frente, e como podemos aceitar nosso passado, aprender com os erros e seguir em frente, e assim continuar o fluxo da vida. Não adianta fugir do nosso passado, fingir que não aconteceu, ignorar os grandes olhos da flor do mal, pois uma hora ou outra esse passado vem nos assombrar... Aku no Hana é sobre aceitar o inevitável, mas também é sobre lutar contra aquilo que achamos ser inevitável, é sobre o passado, mas também sobre o presente, e como tudo isso, no final, nos torna apenas humanos. _________________________________________________________________________________________________________ Aku no Hana is about accepting the inevitable, stoicism, and also about teenage boredom. Like everything in life, Oshimi sama evolved I think it is inevitable to start this review without talking about its author, Oshimi Shuuzou, and how he transformed Aku no Hana from a crude "romantic comedy" into a great work of the 2000s. The most obvious thing to observe while reading is how the author has developed his artistic style, both in the technical aspects of page construction, positioning of frames, framing of actions, geographical positioning, among other things, and in the attention to detail, and the famous artistic "realism" (which is not realistic at all). Throughout my reading of Aku no Hana, it became increasingly clear that both the narrative and Oshimi's art evolved exponentially, so that from the fourth or fifth volume on, you begin to realize that the characters are much more expressive, and that there is an attention to light and shadow, as well as firmer and more consistent strokes, in addition to all the work of scene direction and framing of actions and dialogues, which slowly became something essential in the construction of the pages of this manga. And as I said at the beginning, the narrative was following this artistic evolution, so the themes that are addressed in this manga were maturing and maturing naturally. So what once seemed to be just a romantic comedy manga, turns out to show much more than meets the eye. The beginning can be kind of shitty As I mentioned above, the beginning of the story ends up being the least interesting part of this work, not because it's uninteresting or boring per se, it just doesn't tell us much at first, you know? This first arc of the manga is meant to introduce us to the characters and develop the major conflict that the protagonist, Kasuga, needs to overcome, which can basically be summed up as, "they caught Kasuga stealing the gym clothes of his great love, Saeki," and the person who caught Kasuga in the act is the person who will make his life a living hell. Honestly, I like stories with a kind of crazy premise like this, you know? Usually, these romantic comedy stories do this, without much commitment to building good characters, who really have a "three-dimensionality", narratively speaking. But obviously I'm glad that Aku no Hana didn't limit itself to just that. Gradually, we see that there are themes being discussed in the text and subtext of this work that not everyone can pick up on a first reading, themes such as the obsession with belonging, with fitting in and following the flow of the tide, something common in Japanese society, or even the seeking of validation and approval from others, and how this can change a person, making them make totally unreasonable decisions, and all of this is being worked out quite slowly in this manga. So do yourself a favor and give this work a chance, and read through at least the fourth or fifth volume, I'm sure it will be worth it. An Empty Person's Search for Belonging Perhaps a big problem that exists in this manga is precisely its protagonist, not because he is poorly written or poorly developed throughout the story, but because of his weak and empty personality, you know? He is not an active character in the story at almost any time, he always lets himself go through life, day after day, and this makes him sometimes cling to equally empty things, like the feeling of being superior to everyone around him, just because he reads some books, books he often doesn't even understand, and this eats away at his inner self, a superficially empty person, without desires, longings, just living one day after another... Maybe this reminds you of your own life, don't you think? Because you may think "But I'm not like that, I have dreams, desires, I want to become someone important", but do you really want that? Or did someone else impose it on you? Reading this manga, we are bothered by Kasuga, precisely because we know that deep down we are like him, people who cling to futile things, who feel intellectually or even physically superior to others, and sink deeper and deeper into our pride, never admitting that we are just normal people, half-ugly and half-dumb people who don't really have big dreams to fulfill, or if they do, most probably it was something or someone who imputed this to them, maybe a relative or a friend, and because of their incessant desire to belong, to please those who are part of their social bubble, they end up unconsciously believing that these dreams are theirs. And it was exactly when I had this insight about my experience with that manga, that Nakamura came to my mind, because she is the "real thing", she is the one who gives Kasuga a shock of reality in his life, little by little she is showing Kasuga how pathetic and miserable he is, just like any human being, because our nature is hostile, miserable, pathetic.... We are all like that, the big problem is that not all of us have a "Nakamura" in our lives, to remind us that we are mere life forms without much significance in the overall scope of life. It's a shame that Kasuga couldn't learn that lesson so well. Kasuga, little by little, understands his true nature, and slowly drops his mask, showing his "true self", a "pervert" as Nakamura likes to call him, and now notice all the symbolism that this word "pervert" has, because it doesn't only have a sexual connotation, but it also refers to all those "dirty" desires that we have inside of us, the will to often give up our lives, or even to commit some morally questionable act, and this is exactly the point that this manga touches. When Nakamura tells Kasuga that she wants to "take off all her layers of skin", that is exactly what she means, she wants to expose the real person inside Kasuga, this dirty person, full of conflicting feelings and despicable desires, and that is exactly what she does, she tears down Kasuga's mask, and that is where this manga shows all its narrative quality. After Kasuga really gets to know who he really is, he ends up realizing that the only thing he needs is to "belong," that is, he needs to fit in to belong to something or someone, and this "belonging" he finds in Nakamura, so he ends up clinging again to something "futile," he clings to a social stigma that you as an individual need to be useful, you need to build something for society, and this greater good, for Kasuga, is to live next to Nakamura. So notice the criticism that the author wanted to make here, exactly about what I commented on earlier, about our inherent need to belong to something, about our desire to be part of a group of people, that makes us feel useful in some way, and this need that his mind creates comes from an early age, with your parents teaching you that you need to always do good to your neighbor, because somehow you are all part of a big living organism, where if one hurts another, the whole society is "punished" because of this, something that reminds a lot of Shintoism. But should we really live like this? Is the great purpose of our lives just to be a cog in the great machine we call "society"? Social validation in Aku no Hana Finally we get to one of the characters I wanted to talk about the most, a character that was very well written and developed throughout the manga, in this case I'm referring to Saeki, of course. Saeki's character is really well written, her experiences and motivations are very grounded in reality, you know? All the actions Saeki takes throughout the story are easy to understand, because her construction as a person comes from exactly this typical Japanese upbringing, where children are taught to be a healthy member of society, and to give their lives, if necessary, in order not to disappoint those they love, so Saeki, throughout her life, was an empty person, just like Kasuga, a person who never found the true meaning of her existence, because everything she did, from her big performance at school, to her piano lessons, was all to please her parents, so none of it was really something Saeki wanted to do, she did it just to please the people around her, and mostly to have an external validation. Saeki exemplifies the whole discussion about validation and belonging that this manga addresses, where everything we do, in a way, we only do it to please someone else, or to have the validation of others, so when you go to your mother and tell her that you finally got into a top college, you don't do it because you want to share your happiness with your mother, but to receive her approval, to hear her say "good boy," and this need for approval will last for the rest of your life. At work, you put in hours and hours to deliver a new project, all to get a "good job" from your boss. Sure, you may truly want to see happy people around you, but most likely, deep down in your soul, you only do it to feel good about yourself, to receive validation and approval from others, you only feel like a human being, you only feel alive when someone approaches you and acknowledges you as such... And I believe that most of us, ordinary people, are bound to this, to live an empty life, always looking for happiness in trivial things like material possessions, or even in the search for external approval, we will fall more and more into this cursed pit we call life. But after all, that's adolescence, isn't it? If you've read this review so far, you may have thought, "This is everything we go through as teenagers," and in a way, you're right. Aku no Hana basically takes all the feelings we have as teenagers, the fears, the insecurities, and multiplies that times 10, showing us what could happen if two young people take those feelings to their ultimate consequences. And this is just another one of the successes that this manga has, bringing a lot of these discussions to the general public, because more than anywhere else, Japan has a society that demands and expects a lot from its young population, so a lot of times young people don't even have time to stop and reflect on their feelings, because they're always studying, or working part-time, all to meet the demands of their parents, and not just from them, but from society as a whole. So in addition to everything else, there's also a kind of veiled criticism here about the way society views its younger population, and all the damage that this can do in the minds of these young people, especially when no space is given for a dialogue about such issues, whether it's in the classroom, at home... So young people often find themselves trapped, trapped by these social bonds and by these demands to be better and better, demands that are often the biggest motivation for a young person to take their own life, and it's no wonder that Japan has one of the highest suicide rates in the world. Manga x Anime and the mediocrity of the average otaku You've probably heard the line about Aku no Hana: "Don't watch the anime, it's ugly, read the manga," and you've most likely heard this from a colleague or friend who faithfully follows every anime release each season, the typical profile of the average otaku. I think the big point here is what is really "ugly"? What can we define as "ugly" or "beautiful"? If it is "anime standard" art, then it is beautiful, but if the author chooses to depart from this "anime standard" aesthetic, then it is ugly, isn't it? This kind of commentary is so poor on so many levels that I don't even know where to begin, but let's go. Clearly the anime of Aku no Hana was made to be "ugly", it was made to disturb, let's say it was a purposeful ugliness, at no point did the director think "I will try to make this anime as generically beautiful as possible", on the contrary, he most likely thought "how can I use the aesthetics to my advantage to get my message across?", and with this we arrive at this final aesthetic of the Haku no Hana anime. Clearly everything was done to disturb us, from the aesthetics of the animation, done in rotoscoping, which mixes a very real and fluid animation, along with an "flat" art style, mixing very pastel and opaque colors, all to build an atmosphere that bothers us, that takes us out of our comfort zone. Not to dwell too much on this topic, we can say that yes, the anime of Aku no Hana can be considered "ugly", depending on your conception of ugly, but nothing can take my mind off the fact that anyone who says that, is just another average otaku who still needs to learn many things in life. Aku no Hana is our need to move on I think the main point of this work is to show the journey of a character moving forward, and how we can accept our past, learn from our mistakes and move on, and thus continue the flow of life. There is no point in running away from our past, pretending it didn't happen, ignoring the big eyes of the evil flower, because one day or another this past will come back to haunt us.... Aku no Hana is about accepting the inevitable, but it's also about fighting against what we think is inevitable, it's about the past, but also about the present, and how it all ultimately makes us only human.
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Jul 23, 2022
Boy Meets Maria
(Manga)
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Essa resenha será escrita em inglês e português [PT-BR]
This review will be written in English and Portuguese [PT-BR]. _______________________________________________________________________________________________________ **Essa resenha pode conter spoilers** Boy meets Maria e a dura jornada de descobrir quem realmente somos Boy Meets Maria é simples e direto ao ponto, o autor usa do “Minimalismo narrativo” para eliminar tudo aquilo que não é essencial para contar sua história e para transmitir os sentimentos que precisam ser sentidos. Isso tem seus pontos positivos e negativos, mas fato é que Boy Meets Maria consegue abordar temas relevantes, que muitas vezes são abordados de uma maneira banal, mas aqui, isso é feito de uma maneira delicada e ... ao mesmo tempo brutal. Como citei acima, essa obra consegue abordar seus temas com delicadeza e ao mesmo tempo de maneira visceral, e isso realmente é um grande feito, pois poucas vezes, ainda mais nessa indústria de anime e mangá, conseguimos ver um autor abordar temas tão delicados, como abusos na infância e identidade de gênero, de maneira tão “agradável” (se é que posso usar essa palavra), e ao mesmo tempo mostrar, da maneira mais gráfica possível, como esses temas podem impactar a vida de uma pessoa, seja de maneira mais lírica, mais idealizada digamos assim, ou da maneira mais física, mais “palpável”, sabe? Eguchi Kousei conseguiu nos mostrar esses impactos de ambas as maneiras, de tal forma que é até difícil distinguir ambas as formas de abordar o tema dentro da nossa leitura desse mangá. Personagem é Rei! Boy Meets Maria possui um plot relativamente simples, aqui temos um garoto, chamado Taiga, que acaba de iniciar seu ensino médio, e logo de cara se apaixona por uma pessoa, uma suposta atriz, que logo ele percebe que essa atriz que ele pensava ser uma mulher, na verdade é um homem, e a partir daí a história vai se desenvolvendo, mostrando as dificuldades de ambas as pessoas em lidar com essa situação. No geral, como disse, o plot é simples, mas o principal triunfo dessa obra é usar sua premissa simples para desenvolver seus personagens, ao ponto de que a premissa na verdade não importa tanto assim, essa história é mais sobre como os personagens atuam em cima dessa premissa, bem como a construção de suas personalidades, e como isso impacta na forma com que veem aquela situação, e isso norteia a forma com que vão lidar com as dificuldades em suas vidas. Começando pelo Arima, ou “Maria”, de longe o personagem mais impactante, ele é quem realmente move a história, mas não de maneira literal, e sim “sentimentalmente” falando, sabe? Arima é um personagem muito calcado em seus traumas pessoais, pois mesmo tendo nascido como um homem, sua mãe, devido a seus próprios traumas e frustações, decide enxergar Arima como uma garota, o vestindo e o tratando como tal, fato esse que vai confundindo a cabeça de Arima, pois mesmo se sentindo como um garoto, e gostando de “coisas de garoto”, as pessoas o vê como uma garota, devido a sua aparência feminina, e lidar com tais sentimentos e pensamentos, aos seus 6 ou 7 anos, realmente podem traumatizar a vida de uma pessoa. Mas como se isso não fosse o suficiente, Arima acaba passando por uma das piores situações que uma pessoa pode passar, que é ser abusado sexualmente por uma pessoa próxima de você. Esse fato, não é somente citado ao longo da história, mas ele é mostrado, de forma visualmente explicita, requadro após requadro, essa cena é mostrada, e certamente isso pode ter pego muitas pessoas de surpresa, me pegou de surpresa também, mas claramente aquela sequência de requadros não estão ali atoa, elas comprem uma função muito importante na história, que é nos mostrar o quão traumatizante é para o Arima passar por essa situação, junto de todos os sentimos dúbios que ele já tinha desde a sua infância, faz com que ele se feche sentimentalmente para certas coisas em sua vida, bem como o deixa com uma certa fixação de como as pessoas o vê, onde ao mesmo tempo que ele se vê como um homem, que gosta e se sente confortável em se portar como tal, pelo fato de sua criação, e também de seu medo de interpretar papeis masculinos no teatro onde atua, ele diz a si mesmo que é melhor que as pessoas o vejam como uma mulher, pois ele acredita que consegue se encaixar melhor no ambiente que frequenta sendo visto assim, sendo visto por um gênero no qual não se identifica totalmente. Todos esses fatos juntos constroem a personalidade de Arima, uma pessoa indecisa sobre como se portar dentro da sociedade, uma pessoa confusa e que gosta de se mostrar confiante, uma pessoa que sente medo, angústia, inveja... Assim como todos não, não acha? Arima é um personagem muito interessante, que traz a toma uma discussão importante, que é a identificação de gênero, e como isso pode impactar nossa vida em praticamente todas as esferas, pois isso, por muitas vezes, é o que norteia nossas relações sociais, pois as conversas que temos com nossos amigos do sexo masculino, provavelmente não será as mesmas que teremos com nossas amigas do sexo feminino. Então hoje, ainda é muito importante termos a clara noção se a pessoa que faz parte de nosso círculo social se identifica com seu sexo de origem ou não, pois isso felizmente, ou infelizmente vai definir como se dará nossa relação... Agora, se isso é uma coisa boa ou ruim, realmente não sei dizer. Já sobre Taiga, eu o vejo como um personagem que cumpre uma função, e nada mais. Taiga tem o dever de trazer todas as discussões desse mangá à tona, pois ele se declara amorosamente para Arima, e mesmo sabendo que na verdade ele é um homem, isso não muda nem um pouco a maneira de como ele se sente referente ao Arima, e esse fato por si só, eu enxergo como um problema. O fato de Taiga não refletir, nem por um segundo, o fato de Arima ser um homem, é uma contradição muito grande com o próprio background do personagem, pois é dito diretamente no texto desse mangá que Taiga é um personagem “superficial”, que prefere ver somente a superfície das pessoas, e claramente vemos que Taiga, mesmo que inconscientemente, é heterossexual, pois ele se apaixona à primeira vista pela aparência feminina de Arima, e mesmo após saber que Arima é um garoto, ele não liga nem um pouco para isso, e essa decisão do autor é muito estranho e pobre narrativamente, pois ele perdeu a oportunidade de trabalhar melhor no personagem do Taiga esse conflito de entender sua sexualidade, onde aos poucos vai se descobrir um bi sexual, talvez? Taiga simplesmente aceita o que lhe é imposto, sem mostrar uma reflexão sobre aquilo. No fim do dia, acho que foi uma oportunidade jogada no lixo, pois trazer esses temas, como o preconceito intrínseco ao ser humano, e como podemos fazer para lidar e superar isso, bem como a descoberta da sexualidade na adolescência, seriam ótimos temas a serem debatidos, mas novamente, foi uma oportunidade jogada no lixo. A arte surpreende, bem como a narrativa Eu gosto muito da estética desse mangá, pois ao mesmo tempo que ela é “normal” e até mesmo um pouco “Genérica”, o autor conseguiu criar alguma personalidade em seu estilo artístico, devido a forma com que ele trabalha de maneira inseparável a arte da narrativa, e isso é algo muito difícil de explicar em palavras, mas vou tentar. Geralmente, quando analisamos um quadrinho, temos o péssimo hábito de separar o que é texto do que é arte (eu mesmo faço isso as vezes), e nem sempre esse é o melhor caminho para analisar uma obra, pois geralmente, uma coisa está amarrada a outra. Nos quadrinhos, uma cena só tem impacto se tiver um bom enredo por trás, assim como uma boa história, ao menos nos quadrinhos, vai depender da arte conversar com o leitor, e quando isso ocorre, temos essa mistura maravilhosa, onde não conseguimos pensar a obra como arte e texto separados, pois tudo é uma coisa só. O autor construiu sua obra para ser uma coisa só, sabe? Então novamente, é difícil explicar meus sentimentos quanto a arte desse mangá, mas ela consegue ser única, mesmo sendo “genérica”, e isso é sensacional. Não é genial, mas é acima de média Boys Meets Maria é uma obra cheia de nuances, com um enredo carregado de sentimentalismo, identidade, e acima de tudo responsabilidade nos temas que aborda. O mangá consegue nos apresentar um personagem surpreendentemente tridimensional, narrativamente falando claro, com conflitos realmente interessantes, que trazem à tona temas muito pouco comentados nessa mídia de mangás e animes, como a identidade de gênero, a busca pela descoberta de si próprio, e acima de tudo, a mensagem de que nem sempre é fácil entender se quem somos é porque escolhemos ser, ou se aquilo foi construído por nossas influencias externas... Mas no fim, Boys Meets Maria sem dúvida alguma merece sua atenção. ___________________________________________________________________________________________________________ **This review may contain spoilers**. The boy meets Mary and the hard journey of discovering who you really are Boy Meets Maria is simple and to the point, the author uses "Narrative Minimalism" to eliminate everything that is not essential to tell his story and to convey the feelings that need to be felt. This has its good and bad points, but the fact is that Boy Meets Maria manages to address relevant issues that are often addressed in a banal way, but here, this is done in a delicate and at the same time brutal way. As I mentioned above, this manga manages to approach its themes with delicacy and at the same time in a visceral way, and this is really a great achievement, because few times, even more so in this anime and manga industry, we can see an author approaching such delicate themes, like child abuse and gender identity, in such a "nice" (if I can use that word) way, and at the same time show, in the most graphic way possible, how these themes can impact a person's life, either in a more lyrical, more idealized way, let's say, or in a more physical, more "palpable" way, you know? Eguchi Kousei has managed to show us these impacts in both ways, in such a way that it is even difficult to distinguish both ways of approaching the theme within our reading of this manga. Character is King! Boy Meets Maria has a relatively simple plot, here we have a boy, named Taiga, who has just started his academic life at his new school, and soon falls in love with a person, a supposed actress, who soon realizes that this actress who he thought was a woman, is actually a man, and from there the story develops, showing the difficulties of both people in dealing with this situation. Overall, as I said, the plot is simple, but the main triumph of this manga is using its simple premise to develop its characters, to the point where the premise doesn't matter so much, this story is more about how the characters act on this premise, as well as building their personalities, and how this impacts how they view this situation, and this guides how they will deal with the difficulties in their lives. Starting with Arima, or "Maria", by far the most impactful character, he is the one who really moves the story, but not in a literal way, but "sentimentally" speaking, you know? Arima is a character very much rooted in his personal traumas, because even though he was born as a man, his mother, due to her own traumas and frustrations, decides to see Arima as a girl, dressing and treating him as such, a fact that boggles Arima's mind, because even though he feels like a boy, and likes "boy things", people see him as a girl, due to his feminine appearance, and dealing with such feelings and thoughts, at the age of 6 or 7, can really traumatize a person's life. But as if this wasn't enough, Arima ends up going through one of the worst situations a person can go through, which is being sexually abused by a person close to you. This fact, is not only mentioned throughout the story, but is shown, in a visually explicit way, frame after frame, this scene is shown, and certainly this may have taken many people by surprise, it took me by surprise as well, but of course the sequence of frames is not there for nothing, they buy a very important function in the story, which is to show us how traumatizing it is for Arima to go through this situation, along with all the doubtful feelings he already had since his childhood, makes him take a sentimental approach to certain things in his life, as well as leaves him with a certain fixation of how people see him, where at the same time that he sees himself as a man, that he likes and is comfortable behaving as such, due to the fact of his upbringing, and also his fear of playing male roles in the theater where he performs, he tells himself that it is better that people see him as a woman, because he believes that he can fit in better in the environment he attends being seen this way, being seen by a gender in which he does not fully identify. All these facts together build the personality of Arima, a person who is indecisive about how to behave within society, a confused person who likes to appear confident, a person who feels fear, anguish, envy... Just like everyone else, don't you think? Arima is a very interesting character who brings to the table an important discussion, which is gender identification, and how this can impact our lives in almost all areas, because this is often what guides our social relationships, because the conversations we have with our male friends will probably not be the same as the ones we have with our female friends. So even today it is very important to have a clear sense of whether or not the person in our social circle identifies with their gender of origin, because this, happily or unfortunately, will define how our relationship will be. Now, whether this is a good or bad thing, I can't really say. As for Taiga, I see him as a character who fulfills a function, and nothing more. Taiga has a duty to bring up all the discussions in this manga, because he declares himself lovingly to Arima, and even though he knows he is a man, this doesn't change how he feels about Arima, and that fact I see as a problem. The fact that Taiga does not, even for a second, reflect the fact that Arima is a man is a very big contradiction to the character's own background, because it is stated directly in the text of this manga that Taiga is a "superficial" character who prefers to see only the surface of people, and we clearly see that Taiga, even if unconsciously, is heterosexual, because he falls in love at first sight with Arima's feminine appearance, and even after knowing that Arima is a boy, he doesn't care a bit about this, and this decision of the author is very strange and narratively poor, because he lost the opportunity to work better in Taiga's character this conflict of understanding his sexuality, where little by little he will discover himself as a bi-sexual, maybe? Taiga simply accepts what is imposed on him, without showing any reflection about it. In the end, I think it was an opportunity thrown in the trash, because raising these topics, such as the prejudice intrinsic to human beings, and how we can deal with and overcome this, as well as the discovery of sexuality in adolescence, would be great topics to discuss, but again, it was an opportunity thrown in the trash. The art surprises, as does the narrative I really like the aesthetics of this manga, because at the same time that it is "normal" and even a little "generic", the author has managed to create some personality in his artistic style, due to the way he works inseparably the art of the narrative, and this is something very difficult to explain in words, but I will try. Usually, when we analyze a comic, we have the bad habit of separating what is text from what is art (I do it myself sometimes), and this is not always the best way to analyze a manga, because usually, one thing is connected to another. In comics, a scene only has impact if it has a good plot behind it, just like a good story, at least in comics, will depend on the art talking to the reader, and when this happens, we have this wonderful mix, where you can't think of manga as separate art and text, because everything is one thing. The author has built his manga to be one thing, you know? Again, it's hard to explain my feelings about the art in this manga, but it manages to be unique, even though it's "generic," and that's great. Not amazing, but above average Boys Meets Maria is a work full of nuance, with a plot loaded with sentimentality, identity, and above all responsibility in the issues it deals with. The manga manages to present us with a surprisingly three-dimensional character, narratively speaking of course, with really interesting conflicts that evoke themes rarely discussed in these manga and anime media, such as gender identity, the quest for self-discovery, and above all, the message that it's not always easy to understand if who we are is because we chose to be, or if it was built by our external influences... But in the end, Boys Meets Maria definitely deserves your attention.
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Jun 26, 2022
SSSS.Gridman
(Anime)
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Mixed Feelings
This review will be written in English and Portuguese [PT-BR]
Essa resenha será escrita em inglês e português [PT-BR] ________________________________________________________________________________________________________________________________________ SSSS.Gridman é mais sobre a forma do que o conteúdo. SSSS.Gridman é um copo cheio para os amantes de Tokusatsu, tanto que esse anime foi “baseado” em um Tokusatsu, do mesmo pessoal que produziu Ultra Man inclusive... É uma pena que a Trigger apostou mais na nostalgia do que em realmente transmitir uma mensagem. A pergunta que fica é: Isso é algo ruim? A estética e nada mais SSSS.Gridman esteticamente é incrível, não tem muito o que falar aqui, pois todas as decisões estéticas que a Trigger tomou foi muito bem ... aplicada aqui, e não estou falando apenas da animação, mas na produção com um todo, desde as trilhas sonoras empolgantes que remetem aos antigos Tokusatsu de certo modo, até o design dos personagens que é muito bem feito, cada personagem nessa obra é único, com suas próprias características estéticas, sabe? A animação então nem se fala, é muito consistente em praticamente todos os episódios, fora a coloração das cenas e dos próprios personagens, enfim, tudo aqui é muito bem feito e consegue nos mostrar que quando a Trigger faz um anime, o mínimo que devemos esperar é o “crème de la crème” da indústria de animes, ao menos, esteticamente falando. A falta de um subtexto nunca fez tanta falta como faz em SSSS.Gridman Esse anime não quer dizer nada, ele simplesmente quer nos mostrar uma história divertida, com um bom visual e músicas fodas, mas fora isso, SSSS.Gridman não quer dizer nada, e isso é ruim? Bom, para mim, sim! Quando consumimos uma obra, seja ela qual for, sempre existirá alguém por trás daquela obra, no caso um autor, e esse autor, em algum nível, foi influenciado por sua experiencia de vida na construção da história ou da estética daquela obra, a questão é que em SSSS.Gridman parece que nada disso importa, a impressão que tenho é que esse anime foi feito por uma inteligência artificial que simplesmente pegou aquilo que funciona e que é “mundialmente aceitável” na indústria e juntou tudo nesse anime. Esse anime é claramente cativante, e sempre tentar parecer bacana e fodão, porém ele faz isso de forma artificial, pois não existe nada por trás, sabe? É com sair como uma garota muito bonita, mas culturalmente pobre, é legal o fato dela ser bonita, mas e depois? Como será a convivência com uma pessoa que não tem absolutamente nada a te agregar? Talvez seria uma perca de tempo, não? Não estou necessariamente dizendo que assistir SSSS.Gridman é uma perda de tempo, mas é fato que a Trigger quis jogar no safe aqui, ela não quis construir um enredo que realmente quisesse falar algo, e tudo bem, se formos muito caridosos dá para falar que ela até trousse uma discussão sobre pertencimento, sobre um grito de socorro de uma juventude presa nas pressões sociais que a cultura japonesa impõe, mas o anime realmente diz isso? Eu acho que não, isso foi somente algo que matutei aqui comigo durante minha experiencia com o anime, mas acredito que essa não foi realmente a mensagem que esse anime quis passar, até porque, pelo que parece, ele simplesmente não quis ativamente passar nenhum valor ou mensagem através de seu texto ou subtexto. SSSS.Gridman não se esforçou, logo, eu também não Eu não tenho muito mais o que comentar sobre essa obra, é um anime esteticamente muito bem feito, com poucas falhas no geral em suas qualidades técnicas, mas que não traz nenhuma substancia a ser analisada, sabe? Ele não apresenta uma profundidade narrativa e nem trabalha de maneira satisfatória seus personagens, todos ali parecem seguir simplesmente aquilo que foi escrito no roteiro, mas não agem como jovens normais agiriam, eles só seguem padrões para atender as necessidades que autor impões sobre seu trabalho. Mas no final, nada disso realmente importa, porque esse anime é bonito, não é? ________________________________________________________________________________________________________________________________________ SSSS.Gridman is more about form than content. SSSS.Gridman is a perfect anime for Tokusatsu lovers, so much so that this anime was "based" on a Tokusatsu, by the same people who produced Ultra Man... It's a shame that Trigger bet more on nostalgia than on actually conveying a message. The question that remains is: Is this a bad thing? Aesthetics and nothing else SSSS.Gridman aesthetically is amazing, there's not much to talk about here, because all the aesthetic decisions that Trigger made were very well applied here, and I'm not just talking about the animation, but the production as a whole, from the exciting soundtracks that refer to the old Tokusatsu, the very well done character design, each character in this anime is unique, with their own aesthetic characteristics, you know? The animation is very consistent in almost every episode, not to mention the coloring of the scenes and the characters themselves. All in all, everything here is very well done and manages to show us that when Trigger makes an anime, the least we should expect is the "crème de la crème" of the anime industry, at least aesthetically speaking. The lack of a subtext has never been so lacking as it is in SSSS.Gridman This anime doesn't mean anything, it simply wants to show us a fun story, with good animation and very good music, but beyond that, SSSS.Gridman doesn't mean anything, and is that bad? Well, for me, yes! When we consume a work, whatever it is, there will always be someone behind that work, in this case an author, and this author, on some level, was influenced by his or her life experience in the construction of the story or the aesthetics of that work, the thing is that in SSSS.Gridman it seems that none of this matters, the impression I get is that this anime was made by an artificial intelligence that simply took what works and what is "worldly acceptable" in the industry and put it all together in this anime. This anime is clearly catchy, and it's always trying to look cool, but it does it in an artificial way, because there's nothing behind it, you know? It's like you go on a date with a very pretty but culturally poor girl, and it's nice that she's pretty, but so what? How are you going to talk to a person who has absolutely nothing to add to you? Maybe it's a waste of time, no? I am not necessarily saying that watching SSSS.Gridman is a waste of time, but it is a fact that Trigger preferred to stay in its safe zone, it did not want to build a plot that really wanted to say anything, and okay, if we are very charitable we can say that it even brought a discussion about belonging, about a plea for help from a youth trapped in the social pressures that Japanese culture imposes, but does the anime really say that? I don't think so! This was just something I thought to myself during my experience with the anime, but I believe that this was not really the message this anime wanted to convey, because from the looks of it, the anime simply did not want to convey any value or message actively through its text or subtext. SSSS.Gridman didn't try hard, so I didn't try hard either I don't have much else to comment on this anime, it's an anime that is aesthetically very well done, with few flaws in its overall technical qualities, but it doesn't bring any substance to be analyzed, you know? It doesn't present a narrative depth nor does it work its characters in a satisfactory way, everyone there seems to simply follow what was written in the script, but they don't act like normal young people would act, they just follow patterns to satisfy the needs that the author imposes on his script. But at the end of the day, none of this matters, because this anime is beautiful, isn't it?
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Jun 25, 2022
Chainsaw Man
(Manga)
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This review will be written in English and Portuguese [PT-BR]
Essa resenha será escrita em inglês e português [PT-BR] ________________________________________________________________________________________________________________________________________ Chainsaw Man é a eterna busca ao gozo do mundo corporativo Chainsaw Man é uma obra cativante, que consegue unir o útil ao agradável, a fome com a vontade de comer, o Shounen de porrada com a crítica social foda, mas nessa análise, eu gostaria de falar mais sobre o que Chainsaw Man quer dizer, do que ele realmente é, que no final do dia, não é apenas um Shounen de porrada... Ou será que é? A eterna satisfação meia bomba do mundo corporativo Se você leu Chainsaw Man apenas para ... ver o sangue, o design dos demônios ou mesmo para acompanhar um bom Shounenzão de porrada, você não está errado, até porque o entretenimento é isso, não necessariamente uma obra precisa passar algum valor, uma mensagem, ou seja lá o que for, as vezes só queremos nos entreter com uma história divertida. Mas fico feliz em dizer que Chainsaw Man vai muito além disso, e ao mesmo tempo ainda consegue ser só um Shounenzão de porrada, incrível, não? Em Chainsaw Man acompanhamos a história do Denji, um garoto que vive literalmente na miséria, tendo que vender partes do próprio corpo para sobrevier, devido a uma dívida com a Yakuza, deixada a ele por seu pai. E a partir daí Denji acaba virando um caçador de demônios, e oficialmente um agente do governo. Ao longo do primeiro arco do mangá, do 1º ao 12º capitulo, vemos claramente qual é a tônica do mangá, e também a famosa “crítica social foda” que Fujimoto quis trazer em sua obra, e essa critica é tão atual e mundialmente identificável, que mesmo sendo uma obvia critica a sociedade japonesa e as relações de poder do mundo corporativo, nós conseguimos nos identificar facilmente com as mensagens ali expostas, mesmo estando a milhares de quilômetros de distância do objeto de análise utilizado na crítica, que nesse caso é a sociedade japonesa. Quando acompanhamos toda a jornada do Denji, onde ele inicialmente fica extremamente feliz por agora ter um emprego, uma casa e 3 refeições ao dia, nós logo percebemos que existe ali toda uma critica justamente a essa relação de poder dentro do mundo corporativo, onde precisamos ficar felizes e agradecidos por receber migalhas daquilo que nós produzimos para as grandes industrias, e entenda “nós” como assalariados médios, que ocupam cargos “baixos” dentro dessa hierarquia social que chamamos de “trabalho”. Dito isso, conseguimos facilmente enxergar o comentário que Fujimoto faz ao famoso “Salary man”, que são os homens que geralmente ocupam esses cargos mais baixos dentro das corporações japonesas, e que vivem aquele vida “padrão japonesa”, ou seja, ganha um baixo salário, trabalha igual a um corno maldito, tem uma casa que ainda está pagando (e que provavelmente vai passar o resto da vida quitando), casa essa que muito provavelmente foi financiada em 30 ou 40 anos, uma mulher que pouco faz para ajudar a manter o a casa um ambiente acolhedor, e para fechar com chave de merda, 1 ou 2 filhos ingratos que não enxergam os sacrifícios que o pai faz para sustentar suas vidas cheias de mordomias... E sim, se você tem menos de 19 anos e leu Chainsaw Man, você não entendeu Chainsaw Man! Aliás, muito provavelmente você seja justamente esse filho ingrato que caga na cabeça de seu pai, enquanto ele move mundos e fundos para pagar sua escola e colocar comida em sua mesa, então no fim do dia, sua leitura foi muito prejudicada por sua falta de experiencia, então a você restou apenas ficar empolgado com o zangue jogando na tela, o que não é realmente um problema. A estrutura de poder e a função na sociedade japonesa Eu vejo Denji justamente como uma desconstrução do jovem aspirante a Salary man, em certo ponto, Denji é uma afronta ao Giri (Se não sabe o que é Giri, dá um Google aí, faz-me o favor, né!), ele se deixa levar por seus “sonhos mundanos” e não consegue corresponder as expectativas que a sociedade impôs sobre ele, que nesse caso é ser um bom caçador de demônios, obediente e que sempre está disposto a dar sua vida pelos seus superiores. Denji não consegue suprir essa demanda justamente por sucumbir aos seus desejos triviais, que podemos resumir basicamente em comer uma boa comida, pegar em uns peitinhos e fazer um pouco de sexo, e por conta disso ele vai de encontro a tudo aquilo que a população japonesa despreza, principalmente em homens, que é a fuga das responsabilidades que lhe foram impostas por uma sociedade que você nem sequer concordou em fazer parte, e é ai que mora a critica que o autor quis fazer a essa estrutura hierárquica bizarra que existe no Japão. Denji não corresponde as expectativas de Makima, que por sua vez é claramente uma alegoria ao Giri, uma mulher que ocupa um alto cargo dentro daquela corporação, respeitada e responsável pelo “bem-estar” daquela empresa, e quando Denji não corresponde a suas expectativas, ele passa a ser apenas mais um funcionário descartável, assim como a grande maioria dos personagens secundários dessa mangá. A partir do momento que Denji finalmente vira o Chainsaw Man, Makima simplesmente descarta o ser humano Denji, e somente deseja aquilo que existe dentro dele, que nesse caso era seu coração, e perceba a clara alegoria a exploração trabalhista que o autor fez aqui, pois nós, como trabalhadores, somos apenas números descartáveis, o que importa de fato é que está dentro de nós, aquilo que nós materializamos em lucros para a empresa, ou seja, o que importa é nosso tempo, nosso resultado, nossa meta! Os trabalhadores, como seres humanos, são absolutamente descartáveis, assim como Denji é descartável para Makima. Denji, mesmo ser perceber, acaba justamente quebrando com essa estrutura, esse jogo de poder que existe ali naquele universo, pois existe toda uma discussão dentro do mangá de “Tudo bem! Denji fugiu de suas responsabilidades para viver seus sonhos mundanos, mas até que ponto isso é algo ruim?” E é aí que está a maior crítica que consegui captar dentro dessa obra, até que ponto você não se ajoelhar a essa sociedade doentia é algo ruim? Por que você querer simplesmente viver seus sonhos, por mais “bobos” que sejam é algo ruim? Denji é a afronta ao Giri, ele representa a afronta aos modos operandi da sociedade japonesa, ele, de certa forma, nos representa, meros mortais que trabalham 40 ou 50 horas semanais em troca de migalhas, em troca de falsas esperanças de um plano de carreira... Em outras palavras, a eterna busca ao gozo que nunca chega. A relação de poder dentro da sutileza dos personagens A relação de Deiji e Makima é algo muito bem escrito ao longo do mangá, justamente porque além de funcionar muito bem para cumprir um objetivo narrativo, essa relação também traz consigo muitas criticas e comentários sobre a relação de poder que existe entre Makima e Deiji, uma alegoria direta a uma relação entre um chefe e um funcionário, onde Makima a todo momento somente usa Denji para chegar a seus objetivos, somente extrai dele tudo aquilo que lhe é conveniente, e quando Denji se torna algo improdutivo, ela o descarta, ela o “demite”. Consegue perceber aí a ligação que essa relação tem com as nossas próprias relações com nossos superiores? Até que ponto podemos ser amigos daqueles que obtém o controle financeiro de nossas vidas? Isso é uma discussão muito interessante que o mangá aborda, coisa que nem todo mundo percebeu, então para facilitar um pouco essa resenha, que tal falarmos de algo mais “palpável”? Narrativamente falando, os personagens dessa obra eles cumprem uma função, não são personagens super profundos, que carregam em si uma complexidade muito grande, eles somente cumprem uma função, e está tudo bem! Claramente o objetivo dessa obra não é construir personagens mega complexos, que passam por uma grande jornada do herói ou coisa do tipo (apesar de ter vários elementos da jornada do herói aqui), eles tem o papel de movimentar aquela trama, e além de conseguirem fazer isso com maestria, são personagens facilmente relacionáveis, pelo menos grande parte deles, então acompanhar esses personagens ao longo ai desses 11 volumes é algo muito divertido e agradável, pois o mangá constrói esse clima “amistoso” entre os personagens, e isso acaba tornando esses personagens, além de facilmente identificáveis, próximos do que seria nossa relação familiar, ainda mais quando focamos no trio Denji, Power e Aki, tudo isso junto torna aqueles personagens subjetivamente bons. Nem tudo é um mar de rosas Honestamente eu tenho um certo problema com o estilo artístico do Fujimoto, não que sua arte seja mal apresentada, ou genericamente feia, até porque “feio” é subjetivo, mas seu estilo artístico não é algo que pessoalmente me agrada. Muito por conta de suas decisões de enquadramentos e como ele escolhe apresentar movimentos e ações, sabe? Fora que muitas vezes os personagens me parecem um pouco deformados, e sua anatomia não faz tanto sentido assim, não sabemos ao certo para onde o movimento de seus corpos se destina, já que a arte não ajuda muito em estipular um espaço onde a ação acontece, que é outro problema, mas novamente, não estou dizendo que a arte do mangá é ruim, apenas não me agradou tanto assim. Honestamente não acho que você deva dar tanta atenção a essa parte da resenha, pois eu sou meio chato para essas coisas, pois em partes também faço parte desse cenário artístico, estudei desenho por bons anos, então junto dessa minha chatice artística, é difícil algo me impressionar, mas a arte de Chainsaw Man faz bem seu papel de tornar “palpável” toda a brutalidade da história, só não é o meu estilo artístico preferido. Uma obra necessária Chainsaw Man é realmente uma boa obra, mas ela é reconhecida pelos motivos “errados”, grande parte do público gostou desse mangá, não pela forte crítica e pensamentos que ela evoca, e sim pelo gore ou pela violência explicita que a obra traz, e tudo bem! Como disse no começo dessa análise, não existe nada de errado em gostar de algo apenas pela forma, mas eu me sinto no “dever” de ao menos tentar trazer à tona uma discussão também sobre o conteúdo que essa obra nos apresenta, que é igualmente bom e necessária nos tempos que vivemos. Não se engane, Chainsaw Man não é só violência e peitinhos, mas ao mesmo tempo ele também é só isso, e é nessa dualidade que mora a genialidade dessa mangá. ________________________________________________________________________________________________________________________________________ Chainsaw Man is the eternal quest to "get to the top" of the corporate environment Chainsaw Man is a captivating work that manages to unite the useful with the enjoyable, hunger with the desire to eat, batlhe Shounen with social criticism, but in this review, I'd like to talk more about what Chainsaw Man means, rather than what it actually is, which in the end, is not just another batlhe Shounen... Or is it? The eternal search for satisfaction in the corporate world If you read Chainsaw Man just to see the gore, the drawing of demons, or even to see a good batlhe Shounen, you're not wrong, because that's what entertainment is, a work doesn't necessarily need to convey some value, a message, or whatever, sometimes you just want to be entertained by an entertaining story. But I'm pleased to say that Chainsaw Man goes way beyond that and at the same time still manages to be just a batlhe Shounen, amazing, isn't it? In Chainsaw Man we follow the story of Denji, a boy who literally lives in misery, having to sell parts of his own body to survive, due to a debt to the Yakuza left to him by his father. From then on, Denji becomes a demon hunter, and officially a bloodsucker for society, in other words, a civil servant. Throughout the first arc of the manga, from the 1st to the 12th chapter, we can clearly see what the tone of the manga is, and also the famous "damn social criticism" that Fujimoto wanted to bring to his work, and this criticism is so current and identifiable around the world, that despite being an obvious criticism of Japanese society and the power relations of the business world, we can easily identify with the messages exposed there, even though we are thousands of miles away from the object of analysis used in the criticism, which in this case is Japanese Society. When we follow Denji's entire journey, where he initially becomes extremely happy that he now has a job, a house, and three meals a day, we quickly realize that there is a critique of this same power relationship within the corporate world, where we need to be happy and grateful to receive crumbs from what we produce for big industries, and when I say "we", I mean average wage workers, who occupy "low" positions within this social hierarchy we call "work". That said, we can easily see Fujimoto's commentary on the famous "salary man", who are the men who generally occupy these lower positions within Japanese corporations, and who live the "standard Japanese" life, i.e. earn a low salary, work tirelessly have a house that they are still paying off (and will probably spend the rest of their lives paying off), a house that was probably financed over 30 or 40 years, a wife who does little to help keep the house in a cozy environment, and 1 or 2 ungrateful children who don't see the sacrifices their father makes to support their lives full of luxuries. ... And yes, if you are under 19 and have read Chainsaw Man, you have not understood Chainsaw Man! In fact, most likely you are precisely that ungrateful son who doesn't care about his father, while his father sacrifices himself to pay for his schooling and put food on his table, so at the end of the day, your reading was greatly hampered by your lack of experience, with that, all you are left with is blood and demons, which is not really a problem. Power Structure and Function in Japanese Society I see Denji precisely as a deconstruction of the young aspiring "Salary man", at one point Denji is an affront to Giri (if you don't know what Giri is, go Google it, do me a favor!), he gets carried away by his "worldly dreams" and cannot meet the expectations that society has set for him, which in this case is to be a good demon hunter, obedient and always willing to give his life for his superiors. Denji cannot satisfy this demand precisely because he succumbs to his trivial desires, which basically can be summed up as eating good food, groping beautiful women's breasts, and a little sex, and this goes against everything that the Japanese population despises, especially in men, which is to escape the responsibilities imposed on them by a society they have not even accepted to be a part of, and therein lies the criticism the author wanted to make of this bizarre hierarchical structure that exists in Japan. Denji doesn't live up to Makima's expectations, which in turn is clearly an allegory for Giri, a woman who holds a high position within that company, respected and responsible for the "well-being" of that company, and when Denji doesn't live up to her expectations, he becomes just another disposable employee, just like most of the secondary characters in this manga. From the moment Denji finally becomes the Chainsaw Man, Makima simply discards the human being Denji, and only wants what is inside him, which in this case was his heart, could you notice any similarity in this to our real world? This is a clear allegory of the labor exploitation that the author has made here, for we as workers are just disposable numbers, what really matters is what is inside of us, what we materialize in profits for the company, in other words, what matters is our time, our result, our goal! Workers, as human beings, are absolutely disposable, just as Denji is disposable to Makima. Denji ends up breaking out of just that bizarre structure that I mentioned earlier, that power play that exists in that universe, because there's a whole discussion within the manga of "Fine! Denji ran away from his responsibilities to live his worldly dreams, but how bad a thing is that?" And that was the biggest criticism I could pick up within this manga, to what extent is not kowtowing to this sick society a bad thing? Why is simply wanting to live your dreams, no matter how "silly" they may be, a bad thing? Denji is the affront to Giri, he represents the affront to the modus operandi of Japanese society, he, in a way, represents us, mere mortals who work 40 or 50 hours a week for crumbs, for false hopes of a career plan, in other words, the eternal search for the corporate pleasure that never comes. The power relationship within the subtlety of the characters The relationship between Deiji and Makima is something very well written throughout the manga, precisely because in addition to working very well to fulfill a narrative purpose, this relationship also carries with it a lot of criticism and commentary on the power relationship that exists between Makima and Deiji, a direct allegory of a relationship between a boss and an employee, where Makima at all times only uses Denji to achieve her goals, only extracts from him whatever is convenient for her, and when Denji becomes unproductive, she discards him, she "fires" him. Can you see there the connection this relationship has with our own relationships with our superiors? To what extent can we be friends with those who gain financial control of our lives? This is a very interesting discussion that the manga addresses, something that not everyone realized, so to make this review a little easier, how about we talk about something more "tangible"? Narratively speaking, the characters in this work fulfill a function, they are not super deep characters, that carry in themselves a great complexity, they just fulfill a function, and that's fine! Clearly the goal of this work is not to build mega complex characters, who go through a big hero's journey or something (although they have several elements of the hero's journey here), they have the role of moving this plot along, and besides being able to do that masterfully, they are easily relateable characters, at least most of them, So, following these characters throughout these 11 volumes is something very fun and enjoyable, because the manga builds this "friendly" atmosphere between the characters, and this ends up making these characters, besides being easily identifiable, close to what our familiar relationship would be, even more so when we focus on the trio Denji, Power and Aki, all this together makes these characters subjectively good. It's not all a bed of roses Honestly, I have a certain problem with Fujimoto's art style, not that his art is poorly presented, or generically ugly, because "ugly" is subjective, but his art style is not something I personally like. Much due to his framing decisions and the way he chooses to present movement and action, you know? Also, the characters often look a bit deformed to me, and their anatomy doesn't make that much sense, we're not sure where the movement of their bodies is destined to go, since the art doesn't help much in stipulating a space where the has action takes place, which is another problem, but again, I'm not saying the manga's art is bad, I just don't really like it. Honestly, I don't think so much attention should be paid to this part of the review, because I'm kind of a sucker for these things, because in parts I'm also part of this art scene, I studied drawing for a good number of years, so along with this artistic annoyance of mine, it's hard for anything to impress me, but the art in this manga does well to show all the brutality of the "palpable" story, it's just not my favorite art style. A necessary manga Chainsaw Man is a really good work, but it is recognized for the "wrong" reasons, most of the audience liked this manga not for the strong criticism and thought it evokes, but for the blood or the explicit violence the work brings, and that's okay! As I said at the beginning of this review, there is nothing wrong with liking something just for the form, but I feel it is my "duty" to at least try to bring up a discussion also about the content this work presents to us, which is equally good and necessary in the times we live in. Make no mistake, Sawed Man is not all violence and boobs, but at the same time it is also all of that, and it is in this duality that the genius of this manga lies.
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