he following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by Esteban of “Twin dragons subs”
First a clarification due to the type of work: I am not someone with experience in Light Novels, in fact, the present one is the only one I have finished because although I have read volumes of other series, they are franchises that I am still reading. My equivalent in terms of reading experience is Western literature, so due to lacking a specific critical framework for this type of novel, the values evaluated will be the same as those of
...
a “any book”. If there is one thing I particularly regret, it is the inevitable “transformation of intent” due to being a double translation, from Japanese to English, and from English to Spanish, an observation not intended to disparage the work of either translator. It is part of the reader's acceptance that the translation has the highest fidelity to the source, however, I won't refer to specific terms at the prose level.
Utsuro no Hako to Zero no Maria is a light novel by author Eiji Mikage with drawing by Tetsuo. It is particularly famous despite not having any anime, manga or even Live Action adaptation. The first thing to note is the structure and presentation of the writing, the story has 7 volumes that are divided into 5 parts, in each part there is a “box” and according to its “nature”, the writing is adapted as an expression in itself of the intention of that stage.
The narrative basis are the “boxes”, a device/concept capable of granting wishes, or more specifically, a way to get them, for example, if the wish was to have meat, the box would give you a cow and a knife. Ultimately it depends on the vocation and dedication of the person who used it, to get his wish. It is an obvious theme, about desires and the price willing to pay to get it.
Throughout the course of the play, the halo of mystery about the origin or explanation behind the boxes or the nature of the antagonist is maintained, avoiding concise explanations in favor of defining and interacting with the characters, embracing how they relate to each other and their thinking, to understand the way they see and interact with the world.
Each main character goes through an arc of overcoming or acceptance encompassed in the overall theme of desires. An observation that includes those who appear in more than one volume or those who only belong to the development of one part. Of course, those who have a longer time of appearance have more interesting arcs, even so, several of the secondary characters will have an effect on future parts, alleviating how anecdotal they may have been.
By character and narrative arc we have a similar scheme, the box being the means for the character to not only take on the stubbornness to get his desire, but also must be used against the goals of the other characters. It is perfected each time it is used, achieving a story narratively consistent, coherent and with interesting symbolic elements for those who venture to give it meaning.
It brokes in the individual analysis of each arc, or rather, the reader's predisposition of acceptance towards it, the so-called “suspension of disbelief”. Each character begins with tropes familiar to anyone who knows the medium, be it the earnest student, the playful childhood friend or the exotic transferee; and they evolve as you visualize through their facade, a depth usually accompanied by “dark” attributes, to represent that this character “was not what he or she appeared to be”.
In other words, depending on your tastes, it could qualify as “edgy” and develop a certain bias against the narrative depending on your position on the subject. As the dimensionality of some characters is revealed, it will be within the reader's tolerance to remain immersed in the story, or to laugh if they already find the actions or thoughts ridiculous.
It may seem contradictory, I have referred to consistency and coherence, while talking about a narrative thread that more than once lost me. And it is because there is a justified logic to its actions, however bizarre they may seem to me, the play does not “jump the shark”, on the contrary, the cracking of its stereotypes is controlled from volume to volume. Perhaps its biggest drawback is precisely that it takes itself quite seriously, with monologues and speeches along the lines of traumas and conspiracies.
At the writing level, Eiji's main merit is the sense of rhythm, if you accept the proposal, you are at the mercy of a constant interest in knowing what will happen next, you could finish the volume in one sitting just for not giving in to not knowing what will happen. He also properly defines each character in how they interact, express themselves and think.
Tetsuo's art is great for the covers of the volumes or prequel to the chapters, a very accurate visual representation of the problems and consequences of the boxes. The character designs on the other hand are pretty average in a bad way, none of them stick in the memory. Being another reason why only his writing is what brings him his fame.
Utsuro no Hako to Zero no Maria is an addictive novel, with a defined theme and explored through its characters, it is in the way that according to the sensibilities of its reader can accept it to a certain extent, so I understand the discrepancy around its fame, between those who have it among their favorites and those who think the complete opposite.
Español
Primero una aclaración debido al tipo de obra: No soy alguien con experiencia en Novelas Ligeras, de hecho, la presente es la única que he finalizado porque si bien he leído tomos de otras series, son franquicias que todavía estoy leyendo. Mi equivalente en cuánto a experiencia de lectura es la literatura occidental, así que debido a carecer de un marco crítico específico para este tipo de novelas, los valores evaluados serán los mismos de un “libro cualquiera”. Si hay algo que particularmente lamente, es la inevitable “transformación de intención” debido a ser una doble traducción, de Japonés a Inglés, y de Inglés a Español, una observación sin la intención de desmeritar el trabajo de ninguno de los traductores. Es parte del lector hacer una aceptación de que la traducción tiene la mayor fidelidad a la fuente, de todas maneras, no me referiré a términos específicos a nivel de prosa.
Utsuro no Hako to Zero no Maria es una novela ligera del autor Eiji Mikage con el dibujo de Tetsuo. Es particularmente famosa pese a no tener ninguna adaptación en anime, manga o siquiera Live Action. Lo primero a destacar es la estructura y presentación del escrito, la historia tiene 7 volúmenes que se dividen entre 5 partes, en cada parte hay una “caja” y conforme a su “naturaleza”, la escritura se adapta como expresión en sí misma de la intención de esa etapa.
La base narrativa son las “cajas”, un dispositivo/concepto capaz de conceder deseos, o más específicamente, una forma de conseguirlos, por ejemplo, si el deseo fuera tener carne, la caja te daría una vaca y un cuchillo. En últimas depende de la vocación y dedicación de quién la utilizó, el conseguir su deseo. Es una temática evidente, sobre los deseos y el precio dispuesto a pagar por conseguirlo.
Durante el transcurso de la obra se mantiene el halo de misterio sobre el origen o explicación detrás de las cajas o la naturaleza del antagonista, evitando explicaciones concisas a favor de la definición e interacción de los personajes, abarcando cómo se relacionan entre sí y su pensamiento, para entender la forma en que ven e interactúan con el mundo.
Cada personaje principal atraviesa un arco de superación o aceptación englobado en la temática global de los deseos. Una observación que incluye a quienes aparecen en más de un volumen o quienes sólo pertenecen al desarrollo de una parte. Por supuesto, los que disponen con un mayor tiempo de aparición cuentan con arcos más interesantes, aún así, varios de los secundarios tendrán un efecto sobre futuras partes, aliviando lo anecdóticos que hayan podido llegar a ser.
Por arco de personaje y narrativo tenemos un esquema similar, la caja siendo el medio para que el personaje no sólo asume la obstinación para conseguir su deseo, también debe valerse contra las metas de los demás personajes. Es perfeccionado cada vez que es utilizado, consiguiendo una historia narrativamente consistente, coherente y con interesantes elementos simbólicos para quien se aventure a darle significado.
Resquebraja es el análisis individual de cada arco, o más bien, la predisposición de aceptación del lector hacia el mismo, la llamada “suspensión de incredulidad”. Cada personaje empieza con tropos conocidos para quien haya conozca el medio sean el estudiante serio, la amiga juguetona de la infancia o la exótica transferida; y evolucionan conforme se visualiza a través de su fachada, una profundidad usualmente acompañada de atributos “oscuros”, para representar que ese personaje “no era lo que aparentaba”.
Dicho en otras palabras, dependiendo de tus gustos, podría calificarse de “edgy” y desarrollar cierto prejuicio contra la narrativa dependiendo de tu posición respecto al tema. Conforme se revela la dimensionalidad de algunos personajes, estará en tolerancia del lector seguir inmerso en la historia, o reírse por si ya le parece ridículas las acciones o pensamientos.
Puede parecer contradictorio, me he referido a consistencia y coherencia, a la vez que hablo de un hilo narrativo que más de una vez me perdió. Y se debe a que existe una lógica justificada de sus acciones por estrambóticas que me parecieran, la obra no da un “salto de tiburón”, por el contrario, el resquebrajamiento de sus estereotipos está controlado de volumen a volumen. Puede que su mayor contra sea precisamente haberse tomado bastante en serio, habiendo monólogos y discursos en línea de traumas y conspiraciones.
A nivel de escritura, el principal mérito de Eiji es el sentido del ritmo, si aceptas la propuesta, estás a merced de un constante interés por saber lo próximo a suceder, podrías terminar el volumen de una sola vez sólo por no ceder ante no saber qué pasará. También define apropiadamente a cada personaje en cómo interactúa, se expresa y piensa.
El arte de Tetsuo es genial para las portadas de los volúmenes o previo a los capítulos, una representación visual muy acertada de los problemas y consecuencias a causa de las cajas. En cambio los diseños de personaje son bastante comunes en el mal sentido, ninguno se queda en la memoria. Siendo otra razón para que únicamente su escritura sea lo que le brinda su fama.
Utsuro no Hako to Zero no Maria es una adictiva novela, con una temática definida y explorada por medio de sus personajes, es en la forma en que según las sensibilidades de su lector podrá aceptarlo hasta cierto punto, así que entiendo la discrepancia alrededor de su fama, entre quienes la tienen entre sus preferidas y los que opinan totalmente lo contrario.
Feb 21, 2025
Utsuro no Hako to Zero no Maria
(Manga)
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Mixed Feelings
he following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by Esteban of “Twin dragons subs” First a clarification due to the type of work: I am not someone with experience in Light Novels, in fact, the present one is the only one I have finished because although I have read volumes of other series, they are franchises that I am still reading. My equivalent in terms of reading experience is Western literature, so due to lacking a specific critical framework for this type of novel, the values evaluated will be the same as those of ...
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Jan 31, 2025
Oyasumi Punpun
(Manga)
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Mixed Feelings
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by "Norma Editorial" Punpun was published over 6 years, 2007 - 2013, becoming the most ambitious work that Asano had proposed until then, with the same thematic lines for which he is recognized. Its difference lay in the approach through the growth that only allows the hundred chapters instead of twenty, because its length allows not only to devote himself to the main points, but he can meddle in different tangents as he sees fit. Because in itself, Oyasumi can be considered “Asano on a grand scale”. ... It has the recognizable elements of the author being the continuous presence of symbols, “fantastic realism”, monologues, cynicism and hope. Of the most recognizable and associated with the work is precisely its protagonist, Onodera Punpun, who has two main details, his representation and lack of speech. In the first, Asano abstracts Punpun by representing him as a bird during most of his development, in the rest his representation is influenced by the events that are happening, being an interesting expression in itself of the state he is in. And his lack of speech is reinforcement of the manga's intent, an introspection into Punpun's life, from his childhood to his early youth. Even if we read what he says as thought clouds, for most of the time we will be reading his different thoughts, observations and reflections. It should be clarified that he is not the only protagonist, in the course of the narration the narrator character varies, they can be members of his family, friends or others who belong to a completely different narrative thread, but none will be given such a detailed introspection compared to Punpun, anyway, during that moment when they come to the foreground, space is dedicated to them about what they think, expect and act. In whatever narrative thread it is, Asano raises different symbols that he will use throughout the story and in different ways, my favorite is “Space” for the different connotations in which it is used, it is a concept of something real but in itself is abstract by the impossibility of touching it, and causes the memory of a childhood night where he saw a wide starry sky. We have other elements with their own interpretation based on how transcendental they are for the plot, be it imaginary friends, God, music or small rites, and several of them originate from that first phase of the story, childhood. It is my favorite section of the manga, maybe because of the presence of innocence and naivety, which gives way to the gradual discovery of the world, or because its tangent event that marks the end of the stage was especially painful to me for the sincerity that is presented (without delving deeper, it is the one that has to do with his mother). And it is explained because in my reading of Asano and my reflection about Punpun, I understand that when I most value and connect with his work is in the honesty, understood as a narrative devoid of artifice and complexities, not because I despise the effort in metaphors and visions, on the contrary, I like them, especially if they come from something I can connect and understand. Hence, once childhood was over, my appreciation for the work was diluted. I understand Asano's approach, it is a Coming of Age constituted by the difficulty of growing up and achieving without knowing how to do it, friendships are fragmenting, failures pile up, the future is threatening in its emptiness and only self-contempt grows when recalling childhood with its dreams and hopes. It is a theme that he had explored in his previous works, in ups and downs depending on each one, more familiar to him. In Punpun he extends this development but with two main aspects that I find incomprehensible, the final section of Punpun and its main narrative subthread. Let's start with the latter given its presence. The cult constitutes those chapters to which I refer in the negative sense with my note about sincerity, they are full of complex monologues and incomprehensible actions, which can be explained or understood through a dedicated reflection, is this exercise worthwhile? Because it still seems that they do not demonstrate or imply anything that has not been raised in, nor do I even have to refer to previous ones, the same work in a more concrete, coherent and interesting way. A secondary character is involved in this narrative thread and constitutes its best aspect, if it had been dedicated only to this one, I would understand such aspect and its role within the whole work, but it is not so, it is only one aspect of an excessively tangled compendium. And regarding the monologues, I understand when they happen in Punpun, that is, we all have our own extensive thoughts about the state of things, but not when they are presented as a dialogue. Especially when Asano at other times encapsulates feelings and complexity with one-liners in a perfectly pitched vignette, there is no need for the lengthy declamation. I appreciate Punpun's journey in almost its entirety, the tug of war between moving forward and giving up in a convulsive and impressionable stage, with its own reflections represented in the characters' actions such as allowing themselves to love again, the difficulty of making connections and the understanding of interests. Even if the situation could be excessively cynical at times, I understood it as that approach to depression and deprivation, and at the same time it advanced the value of moving on. The last stage is where it dives excessively into cynicism and madness, excusing the protagonist's mental state or depression is a reader's choice, but I found it counterproductive to the development up to that point, tarnishing the effort of the other parallel narrative thread about the contrast in how we perceive ourselves and how others perceive us. The drawing aspect is Asano's talent at its most “Asano” mode up to that point. It's comical how different Punpun's appearance is from the rest, but it doesn't clash, it's quickly assimilated and accustomed to. Apart from his double or full pages of only one panel where he usually shows off his imagination by representing with abstractions the complexity of feelings, there is also his more general approach, in dialogues where every detail of the character reflects part of that feeling inscribed in his sentences. Or of course, those where he doesn't even use conversation, only the actions of his characters, looks and absences. It is a manga full of genius in that style, even those moments that I deny the nonsense of their conversations, have a touch of creativity and liveliness of the author. Several by themselves and based solely on the detail and composition, deserve to be among the best panels of the work. As is his miscellaneous presentation of different styles represented in Punpun himself, or in other characters or objects with some more cartoonish touches, some being more realistic amidst his own “touch”. In this sense, Asano embraces manga in a way he had never done before, understanding the possibilities of the medium, and using it. A conflicted feeling leaves me with Punpun although not for what could be expected, I appreciate several elements that conform it and concrete sections of the story, but I confess that given its renowned fame I did expect something “more”. Instead, its last chapters tasted less and less to me, and although I was delighted to see again that symbol I mentioned as my favorite, I was not going to undo or compensate my own feelings about it. Español Punpun se publicó a lo largo de 6 años, 2007 - 2013, convirtiéndose en la obra más ambiciosa que había planteado Asano hasta ese entonces, eso sí, con las mismas líneas temáticas por las que se le reconoce. Su diferencia yacía en el abordaje a través del crecimiento que sólo permite la centena de capítulos en vez de una veintena, porque su duración da para no sólo dedicarse a los puntos principales, sino que puede inmiscuirse en diferentes tangentes según le parezca. Porque en sí, Oyasumi puede considerarse como “Asano en gran escala”. Tiene los elementos reconocibles del autor sean la continua presencia de símbolos, “realismo fantástico”, monólogos, cinismo y esperanza. De los más reconocibles y asociados a la obra es precisamente su protagonista, Onodera Punpun, quien tiene dos principales detalles, su representación y falta de habla. En el primero, Asano abstrae a Punpun al representarlo como un ave durante la mayoría de su desarrollo, en el resto su representación se ve influenciada por los sucesos que están aconteciendo, siendo una interesante expresión en sí misma del estado en que se encuentra. Y su falta de habla es refuerzo de la intención del manga, una introspección en la vida de Punpun, desde su infancia hasta sus primeros años de juventud. Aún si leemos lo que dice a modo de nubes de pensamiento, durante la mayoría del tiempo estaremos leyendo sus diferentes pensamientos, observaciones y reflexiones. Cabe aclarar que no es el único protagonista, en el transcurso de la narración varía el personaje narrador, pueden ser miembros de su familia, amigos u otros que pertenecen a un hilo narrativo completamente diferente, más a ninguno se le brindará una introspección tan detallada a comparación de Punpun, de todas maneras, durante ese momento en que pasen a primer plano, se les dedica el espacio acerca de lo que opinan, esperan y actúan. Sea en el hilo narrativo que sea, Asano plantea diferentes símbolos que va a utilizar a lo largo de la historia y de diferentes maneras, mi preferido es “El Espacio” por las diferentes connotaciones en que es utilizado, es un concepto de algo real pero en sí es abstracto por la imposibilidad de tocarlo, y provoca el rememorar una noche de la infancia donde vió un amplio cielo estrellado. Contamos con otros elementos con su propia interpretación a partir de lo trascendentales que sean para la trama sea amigos imaginarios, Dios, música o los pequeños ritos, y varios se originan de esa primera fase de la historia, la infancia. Es mi sección preferida del manga, puede que por la presencia de inocencia e ingenuidad, que da paso al descubrimiento gradual del mundo, o porque su suceso tangente que marca el final de la etapa me fue especialmente doloroso por la sinceridad que es presentado (sin profundizar, es el que tiene que ver con su madre). Y se explica porque en mi lectura de Asano y mi reflexión acerca de Punpun, entiendo que cuándo más valoro y conectó con su obra es en la honestidad, entendiéndose como una narración desprovista de artificios y complejidades, no porque desprecie el esfuerzo en metáforas y visiones, al contrario, me gustan, especialmente si provienen de algo en que pueda conectar y entender. De ahí que una vez terminada la infancia se diluía mi apreciación hacia la obra. Comprendo el enfoque de Asano, es un Coming of Age constituido por la dificultad de crecer y conseguir sin saber cómo hacerlo, las amistades se van fragmentando, se apilan los fracasos, el futuro es amenazador en su vacuo y sólo crece el auto desprecio al rememorar la infancia con sus sueños y esperanzas. Es una temática que había explorado en sus obras previas, en resultados altibajos dependiendo de cada cuál, más conocida por él. En Punpun se extiende ese desarrollo pero con dos aspectos principales que me resultan incomprensibles, el tramo final de Punpun y su principal subhilo narrativo. Empecemos por este último dada su presencia. El culto constituye esos capítulos a los que me refiero en el sentido negativo con mi apunte acerca de la sinceridad, están repletos de monólogos complejos y acciones incomprensibles, que sí bien pueden explicarse o entenderse a través de una dedicada reflexión ¿Acaso vale la pena ese ejercicio? Porque igual parece que no demuestran ni implican nada que no haya sido planteado en, ni siquiera tengo que referirme a previas, la misma obra en una forma más concreta, coherente e interesante. Un personaje secundario está inmiscuido en esté hilo narrativo y constituye su mejor aspecto, de haber sido dedicado únicamente hacia este, comprendería tal aspecto y su rol dentro de toda la obra, más no es así, sólo es un aspecto de un compendio excesivamente enmarañado. Y referido a los monólogos, comprendo cuando suceden en Punpun, es decir, todos tenemos nuestros propios pensamientos extensos acerca del estado de las cosas, más no cuando se presentan a modo de diálogo. Sobre todo cuando Asano en otros momentos encapsula sentimientos y complejidad con frases puntuales en una viñeta perfectamente planteada, no hay necesidad del largo declamar. El camino de Punpun lo valoro en casi su totalidad, el tira y afloja entre avanzar y rendirse en una etapa convulsa e influenciable, cuenta con sus propias reflexiones representados en el actuar de los personajes como permitirse amar otra vez, la dificultad de hacer conexiones y el entendimiento de intereses. Aún si la situación podía ser excesivamente cínica a momentos, lo comprendía por ser ese abordaje acerca de la depresión y privación, además de que en forma paralela se avanzaba acerca del valor de continuar. La última etapa es donde se sumerge excesivamente en el cinismo y locura, excusarse en el estado mental del protagonista o la depresión es una decisión del lector, más me ha resultado contraproducente con el desarrollo hasta ese momento, empañando el esfuerzo del otro hilo narrativo en paralelo acerca del contraste en cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos percibe el resto. El aspecto del dibujo es el talento de Asano en su modo más “Asano” hasta entonces. Resulta cómica la diferencia entre el aspecto de Punpun con el resto, pero no desentona, es rápidamente asimilado y acostumbrado. Aparte de sus páginas dobles o completas de únicamente un panel donde usualmente hace alarde de su imaginación por medio de representar con abstracciones la complejidad de los sentimientos, también está su planteamiento más general, en diálogos donde cada detalle del personaje refleja parte de ese sentimiento inscrito en sus frases. O por supuesto, aquellos donde ni siquiera utiliza conversación, únicamente las acciones de sus personajes, miradas y ausencias. Es un manga repleto de genialidad en ese estilo, incluso esos momentos que reniego por el despropósito de su conversaciones, tienen un toque de creatividad y viveza del autor. Varios por sí sólos y basados únicamente en el detalle y composición, merecen estar entre los mejores paneles de la obra Como también es su presentación miscelánea de diferentes estilos representado en el mismo Punpun, o en otros personajes u objetos con algunos toques más cartoon, unos siendo más realistas en medio de su propio “toque”. En ese sentido Asano abraza como no lo había hecho ser un manga, entendiendo las posibilidades del medio, y utilizándolo. Una sensación conflictuada me deja Punpun aunque no por lo que podía esperarse, aprecio varios elementos que le conforman y secciones concretas de la historia, más confieso que dada su renombrada fama si esperaba algo “más”. En cambio, sus últimos capítulos cada vez me sabían a menos, y aunque me encantó volver a ver ese símbolo que mencioné como mi favorito, no iba a deshacer ni compensar mis propios sentimientos al respecto.
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Jan 24, 2025
Sanpakugan-chan wa Tsutaetai.
(Manga)
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English
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL) The version read is the Spanish translation by Oppenheimer. The series is originally uploaded on the artist's Twitter until it receives a serialization, hence it is quite short in length in general and in the same chapter, on average each one doesn't exceed 10 pages. Its core remained constant throughout its story, cute reactions from its leading couple to inspire tenderness in the reader. When reading the first chapters you know what you are getting into, it is an idealization sustained in tender expressions, in the course of the episodes there will be no ... deepening or complexity beyond a few obstacles in the establishment of their relationship, which are resolved almost immediately, in line precisely to get to the “important”, continue to enjoy their funny reactions. It should be noted that it is not only the girl who has these reactions, the boy is not exactly a perfect guy, on numerous occasions he will also have some monologues to highlight his doubts as well as being just as expressive. Even when the couple has numerous advances in the course of the story, each of these new steps is still accompanied by those marked blushes. The drawing is simple in approach and detail, there are no particularly outstanding panels for positioning alone, the main thing is the reactions, which even being the same in terms of intention do vary in expression, relieving a little wear and tear. It should be noted that several chapters are in color in pastel tones, achieving a nice finish, in line with the intention of the work. Yet there is a difference between a series seen on twitter occasionally, or in a magazine on a weekly basis, than in a continuous reading. Its main feature is readily assumed and its more feasible to end up exhausted of the same idea presented in the same way, even if it has some variations in its presentation and context. I especially consider it a pity that it had not been reused, from time to time, its idea present in the title, the “Sanpaku” eyes. They constitute a certain Asian myth that for the purposes of the narrative is simplified as “scary”, and it's so during the first episodes, but in the course the idea is completely left behind, wasting what would have been a welcome comic relief for one or another episode. Its lessons get down to shoujo platitudes, about loving while thinking about the present rather than dwelling on what may be in the future, reflections you're used to if you frequent the genre, but this time accompanied by some especially amusing and heartwarming reactions. Spanish La serie originalmente es subida en el Twitter del dibujante hasta que recibe una serialización, de ahí que sea bastante corta de duración en general y en el mismo capítulo, en promedio cada cuál no supera las 10 páginas. Su núcleo se mantuvo constante a lo largo de su historia, reacciones lindas por parte de su pareja protagónica para inspirar ternura en el lector. Al leer los primeros capítulo sabes a lo que estás entrando, es una idealización sostenida en tiernas expresiones, en el transcurso de los episodios no habrá profundización ni complejidad más allá de algunos cuántos obstáculos en el establecimiento de su relación, los cuáles son resueltos casi de inmediato, en línea de precisamente llegar a lo “importante”, seguir disfrutando de sus divertidas reacciones. A destacar que no es únicamente la chica quien tiene esas reacciones, el chico no es exactamente un galán perfecto, en numerosas ocasiones también tendrá algunos monólogos para resaltar sus dudas además de ser igual de expresivo. Aún cuando la pareja tiene numerosos avances en el transcurso de la historia, cada uno de esos nuevos pasos sigue acompañado de esos marcados sonrojos. El dibujo es sencillo en planteamiento y detalle, no hay paneles especialmente destacables por sólo posicionamiento, lo central son las reacciones, que aún siendo la misma en cuánto a intención sí varían en expresión, aliviando un poco el desgaste. A destacar que varios capítulos están a color en tonos pasteles, consiguiendo un bonito acabado, en línea con la intención de la obra. Aún así hay una diferencia entre una serie vista en twitter de forma ocasional, o en una revista de manera semanal, que en una lectura continua. Su principal característica es prontamente asumida y es más factible terminar agotado de la misma idea presentada de la misma forma, aún si tiene algunas variaciones en su presentación y contexto. Especialmente considero una lástima que no hubiese sido reutilizado, de vez en cuándo, su idea presente en el título, los ojos “Sanpaku”. Constituyen cierto mito asiático que a efectos de la narrativa es simplificado como “aterradores”, y es así durante los primeros episodios, más en el transcurso la idea es completamente dejada atrás, desperdiciando lo que hubiese sido un agradecible alivio cómico para uno que otro episodio. Sus lecciones llegan a los lugares comunes del Shoujo, sobre amar pensando en el presente en vez de atormentarse en lo que tal vez será un futuro, reflexiones que estás acostumbrado si frecuentas el género, pero está vez acompañadas unas, especialmente, divertidas y enternecedoras reacciones.
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Dec 6, 2024
Take On Me
(Manga)
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The following review it's in Spanish and English (translated with the support of DeepL).
The version read is the English Translation by “Mangaerotica” The most recognized work of Sesshuu Takemura, and one of the most recognized in English for having been promptly translated during the 2000s. It may not seem particularly “outstanding” now in drawing or theme compared to similar works, however, at the time of its translation it did stand out from other contemporary works in both fields, which is why it was given this special recognition. Starting from its theme, there is an interesting dynamic, the protagonist couple is a tall athletic girl and a short ... studious boy, their only common characteristic is their perversion, which will lead them to a relationship of exploration of fetishes and interests. The approach is effective and developed enough, both reaffirming their feelings, and being open towards what they want to experience, and since it's a hentai manga, it has that freedom to explicitly present what would be impossible in a traditional way. Nor is it a treatise on sexuality or similar, it simply has a theme that encompasses all its characters, that “perverted sexual” interest as an opportunity to present different fetishes and situations. Constituting another plus point, given the subject matter, there is effort by Sesshu in the variety of approach, and then translating it to the drawing. Thanks to its little more than two decades of publication, you can easily find it uncensored, which favors the drawing (and enjoyment). Apart from the sexual scenes, there are other different situations presented, where Takemura shows his skill and potential that he would have had in a “traditional” manga, including a few panels in the best Spokon style and others reminiscent of a romantic comedy. But where his dedication stands out the most is in the sequences dedicated to sex, in the design of his female characters, the illustrations are great, the act of the moment with its different expressions, and even when he includes more characters, the sense of what is happening isn't lost. There is no major shortcoming except for having dedicated a little more narrative to the main couple in terms of trust and exploration of their interests, instead, during the second part more characters are introduced with no greater value than to present new fetishes and other possibilities. Although it in turn aligns with the main intention of the manga, I still find it a pity that it would not have taken advantage of the story's foundations to have enriched its thematic ideas. Anyway if devotes a great sequence to gather all those points mentioned in a nice declaration of love that, again, wouldn't have that same impact in a traditional manga due to having to limit itself. In the freedom that allows it to be pornographic, it reminds us that attraction to another in a couple also has a sexual component of exploration, understanding and enjoyment. Español La obra más reconocida de Sesshuu Takemura, y de las que fue de las más reconocidas en inglés por haber sido prontamente traducida durante los 2000s. Puede que ahora no parezca especialmente “destacable” en dibujo o temática comparando contra similares, sin embargo, en el momento de su traducción si se distanciaba de otras contemporáneas en ambos campos, de ahí que se le brindará ese especial reconocimiento. Partiendo de su temática, hay una interesante dinámica, la pareja protagónica es una chica alta atlética y un chico bajo estudioso, su única característica en común es su perversión, lo que les llevará a una relación de exploración de fetiches e intereses. El planteamiento es efectivo y se desarrolla lo suficiente, ambos reafirmando sus sentimientos, y siendo abiertos hacia aquello que quieren experimentar, y dado que es un manga hentai, tiene esa libertad de presentar explícitamente lo que sería imposible de forma tradicional. Tampoco es un tratado sobre la sexualidad o similares, sencillamente tiene una temática que engloba a todos sus personajes, ese interés “pervertido sexual” como una oportunidad para presentar diferentes fetiches y situaciones. Constituyendo otro punto a favor, dada la temática, hay esfuerzo de Sesshu en la variedad de planteamiento, y luego trasladarlo al dibujo. Gracias a su poco más de dos décadas de publicación, lo puedes encontrar fácilmente sin censura, lo que le favorece al dibujo (y al disfrute). Aparte de las escenas sexuales, hay otras diferentes situaciones presentadas, donde Takemura demuestra su habilidad y potencial de que hubiera tenido en una manga “tradicional”, incluyendo unos cuántos paneles al mejor estilo de un Spokon y otros que recuerdan a una comedia romántica. De todas maneras, en donde mejor resalta su dedicación no podía ser otro que en las secuencias dedicadas al sexo, sea en el diseño de sus personajes femeninos, son geniales las ilustraciones, el acto del momento con sus diferentes expresiones, y aún cuando incluye a más personajes no se pierde el sentido en lo que está sucediendo. No hay mayor carencia a excepción de haber dedicado un poco más de narrativa a la pareja principal en los términos de confianza y exploración de sus intereses, en vez de eso, durante la segunda parte se presentan más personajes sin mayor valor que presentar nuevos fetiches y otras posibilidades. Aunque a su vez se alinea con la intención principal del manga, aún así me parece una lástima que no hubiese aprovechado las bases de la historia para haber enriquecido sus ideas temáticas. De todas formas si dedica una gran secuencia a reunir todos esos puntos mencionados en una bonita declaración de amor que, nuevamente, no tendría ese mismo impacto en un manga tradicional debido a tener que limitarse. En la libertad que le permite ser pornografica, recuerda que la atracción a un otro en una pareja también hay un componente sexual de exploración, entendimiento y disfrute.
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Nov 29, 2024
20th Century Boys
(Manga)
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Mixed Feelings
The following review also includes the sequel “21th Century Boys”, since in my opinion, it is not a sequel in the strict sense of the definition, but rather corresponds to the last two volumes of the story published as an epilogue.
It is in Spanish and English (translated with the support of DeepL). The version read is the one licensed by “Planeta DeAgostini Cómics”. English If there is a particularly remarkable element in Urasawa's acclaimed story, it's the invitation to the reader to make an effort to unveil its mysteries, few similar works come to mind in this regard and most of them are visual novels. A tangent ... aspect in the same but that arouses interest in those who are fans of collecting clues and clues to make conjectures. Once the reading is over, I invite you to search the internet for the numerous fan theories about the central mystery of the story “Who is a friend? However, although that denotes skill in the writer, it could only be the central element when the work is exclusively addressed to the writer, i.e., the presence of an elaborate mystery doesn't in itself supplement a thematic approach by means of its characters. And in that section Naoki delivers... as far as you are willing to make concessions. The story is complex in presentation and narrative, stretching over 3 decades with different characters in their own arcs that occasionally intersect. Still, most have the same particular element in common, childhood, a high school summer where different memories were forged that will have an unforeseen effect on the future, linking them back together to strive to unravel the sequence of events. And that is where the first “acceptance” by the reader begins. The story is presented with verisimilitude from its drawing or in its different dilemmas, which facilitates the acceptance of its implausible premise, about a world conquest based on tricks and gimmicks, in which apart from a few main characters, few perceive the deception or take it as a threat. True, the latter implies making the plot even more complex without providing any purpose, but as part of the premise that it is, I accept it to be the narrative starting point. What I don't quite agree with is the fortuitous connection of almost every character to the protagonist, Kenji. Numerous times someone who is introduced is revealed to have made contact with him at a certain point for some reason, it could be put down to some thematic idea of “how someone normal can influence so many people”, but if so, we already have the other recurring characters making that position clear on a constant basis. There was no need to use those other secondary characters for the same purposes, notable to the contrast of the other secondary characters present in different contexts and reasons that do contribute to a more globalized view of the scope of events. Nor have I been a fan of his sense of rhythm, I clarify that this is the first work I read by Naoki, my other connection with his work is the Monster anime, one of my favorites, so I don't know if he usually works like this. I refer to the almost abuse of the cliffhanger to keep the interest, what at the beginning absorbs the reading and invites to continue reading, tires in the long run, especially when it is not solved immediately but is continued with some time jump or narrative and will not be mentioned until 20 chapters later where, in addition, it will be subtracted from importance. It's true that this positioning of pieces is what manages to build its mystery, it has been the repetition of the artifice that ends up detracting value, noticing even more when being close to its end is still presented and through another abused resource, the flashback of the sudden memory of something that was and had not been remembered until that particular moment. And it can be accepted as coherent, again it is up to the reader to make that acceptance or not. These shortcomings were a burden to a set of elements with marked potential, the set of characters each has an arc and idea, although not all end up reaching port, it is understandable given its narrative ambition. The general sense of the narrative falters, even though I can appreciate the approach on responsibility and how someone common can inspire others, in certain characters where it should be evident, Urasawa gave more importance to the construction of the mystery, so contrary to close plots and provide a connection, it opens some mystery, another prophecy, a new misunderstanding. A constant promise that is never fulfilled. There are three other interesting aspects of the work. The first is the verisimilitude of its narrative being a point of contrast to the events, there are several “supernatural” facts in the story whether psychic powers or predictions of the future, which constitute another point of interest that fans can argue about how real is what is presented. For the purposes of the narrative they are approached as trickery and deception, although at certain particular moments they are taken as real by the characters and even used to their advantage, so the story has an unbiased stance on them. Due to Naoki's characterization of the bygone era and by a couple of other characters, there is some homage to the manganime of his childhood. It's nice to see mention of the shows, series and authors that built the foundations of the industry, and that surely influenced him to pursue writing stories himself. And given the events of the story it also serves the purpose of reflecting how the programs we watched as children are capable of influencing us all our lives. In the same vein, the story provides a tribute to music, be it Rock, Enka or the simple act of singing for the sake of it, in the sense of expression and individuality. It takes center stage during the final phase of the story, yet I consider it halfway through what could have been a stronger message. Again, the eagerness to construct a mystery got in the way of what would have been a valuable reflection. Although there are other considerable aspects of “addressed”, I consider them to be used for the purpose of the topics already mentioned, such as bullying, sense of belonging or biological experimentation. In any case, they are correctly treated for their respective moments, and because not necessarily every element in a story must lead to a reflection of it. And then there's the cult of personality addressed through contrast, obviously it's friend who comes to mind, yet we have Kenji right there. Kenji is “Friend” to his friends. So readings and observations can be made according to the events reflecting a thematic intention, to know if intentional, whose depth is again proposition of the one who analyzes and the reader. What I can not leave in doubt is Urasawa's talent in the construction of tension, there are particular moments of the story that have a fundamental importance in the narrative and are those who best exhibit this quality, whether in the present or past, are made up of different character points, and the omission of information in the particular moment to wrap it with even more expectation before the next panel, constituting the sequences of events that will be remembered by his fans. I emphasize that I value this dedication in specific moments of the narrative that, given their importance, deserved this narrative presentation, unlike other less transcendent ones that wear out the artifice and accustom us to surprise. Being my first work read by the author, along with admiration for his writing, I can add his drawing along with the sense of illustration and movement. He knows when to include wide panels to emphasize the moment, to focus on the facial expression of a character, to represent the character in the middle of the scene, not wasting any element in the panel but all of them are directed to what he wants to be that scene. And by this sense of action he manages to represent the tension he is planning. Ultimately, my opinion is in the convergence of different elements that I highly appreciate, be it its drawing, the homage to the time when the manganime industry was consolidated, the power of music or the consequences of our actions, in front of a mystery and the need for tension that takes precedence over the characters, logic or having given us a more meaningful reflection. Spanish Si hay un elemento especialmente destacable en la aclamada historia de Urasawa es la invitación al lector en esforzarse en develar sus misterios, pocas obras similares se me ocurren al respecto y en su mayoría son novelas visuales. Un aspecto tangente en las mismas pero que despierta interés en quienes son fanáticos de recopilar pistas e indicios para realizar conjeturas. Una vez finalizada la lectura invito a buscar por internet las numerosas teorías de los fanáticos acerca del misterio central de la historia “¿Quién es amigo?”. Sin embargo, aunque aquello denote habilidad en el escritor, sólo podría ser el elemento central cuando la obra está exclusivamente dirigida al mismo, es decir, la presencia de un elaborado misterio no suple por sí misma un abordaje temático por medio de sus personajes. Y en ese apartado Naoki cumple… hasta donde estés dispuesto a realizar concesiones. La historia es compleja en presentación y narrativa, se extiende a lo largo de 3 décadas con diferentes personajes en sus propios arcos que se entrecruzan ocasionalmente. Aún así, la mayoría tienen el mismo elemento en particular en común, la infancia, un verano de secundaria donde se forjaron diferentes recuerdos que tendrán un efecto imprevisto en el futuro, volviendo a enlazarlos para esforzarse en desvelar la secuencia de acontecimientos. Y es ahí donde se parte en la primera “aceptación” por parte del lector. La historia es presentado con verosimilitud desde su dibujo o en sus diferentes dilemas, lo cuál facilita que se acepte su premisa tan inverosímil, acerca de una conquista mundial a partir de artimañas y trucos, en el que aparte de unos pocos personajes principales, pocos perciban el engaño o le tomen de amenaza. Cierto que lo último implica complejizar todavía más la trama sin brindar algún propósito, y como parte de la premisa que es, la acepto para ser el punto narrativo de partida. Con lo que no termino de comulgar es la conexión fortuita de casi cada personaje hacia el protagonista, Kenji. Numerosas veces alguien que es introducido se revela que en cierto momento por alguna razón estableció contacto con el mismo, podría achacarse a alguna idea temática de “como alguien normal puede influir a tantas personas”, pero de serlo, ya tenemos a los otros personajes recurrentes dejando en clara esa posición de forma constante. No había necesidad de utilizar a esos otros secundarios para los mismos propósitos, notable al contraste de los otros secundarios presentes en diferentes contextos y razones que sí aportan a una visión más globalizada del alcance de los sucesos. Ni tampoco he sido fanático de su sentido del ritmo, aclaro que está es la primera obra que leo de Naoki, mi otra conexión con su trabajo es el anime de Monster, uno de mis preferidos, por ende no conozco si así trabaja normalmente. Me refiero al casi abuso del Cliffhanger para mantener el interés, lo que al principio absorbe a la lectura e invita a seguir leyendo, cansa a largo plazo, especialmente cuando no es resuelto de inmediato sino que es continuado con algún salto temporal o de narrativa y no será mencionado hasta dentro de 20 capítulos en donde, además, se le restará de importancia. Bien es cierto que ese posicionamiento de piezas es lo que consigue construir su misterio, ha sido la repetición del artificio lo que le termina restando valor, notándose todavía más cuándo estando cerca de su final se sigue presentando y a través de otro recurso abusado, el flashback del recuerdo repentino sobre algo que fue y no había sido recordado hasta ese momento particular. Y puede ser aceptado como coherente, nuevamente depende del lector realizar o no esa aceptación. Estos defectos fueron lastres a un conjunto de elementos con marcado potencial, el conjunto de personajes tiene cada cuál un arco e idea, si bien no todos terminan de alcanzar puerto, es comprensible dada su ambición narrativa. De flaquear es en el sentido general de la narrativa, aún cuando puedo apreciar el abordaje sobre la responsabilidad y en que alguien común puede inspirar a los demás, en ciertos personajes donde debería ser evidente, Urasawa le brindó más importancia a esa construcción del misterio, así que contrario a cerrar tramas y brindar una conexión, abre algún misterio, otra profecía, un nuevo malentendido. Es una constante promesa que nunca se cumple. Hay otros tres aspectos interesantes en la obra. El primero es la verosimilitud de su narrativa siendo punto de contraste a los sucesos, hay varios hechos “sobrenaturales” en la historia sean poderes psíquicos o predicciones del futuro, lo cuales constituyen otro punto de interés del que pueden discutir sus fanáticos acerca de qué tan real es aquello presentado. Para los efectos de la narrativa son abordados de truco y engaño, aunque en ciertos momentos particulares son tomados de verdaderos por los personajes e incluso los usan a su favor, así que la historia tiene una posición imparcial respecto a los mismos. Debido a la caracterización de Naoki de la época pasada y por otro par de personajes, hay cierto homenaje al manganime de su infancia. Es agradable ver la mención a los programas, series y autores que construyeron los cimientos de la industria, y que seguramente le influyeron a él mismo a dedicarse a escribir historias. Y dados los sucesos de la historia también sirve al propósito de reflejar cómo los programas que veíamos cuando niños son capaces de influirnos toda la vida. En la misma línea, la historia brinda un homenaje a la música, sea el Rock, Enka o el simple acto de cantar por el bien de hacerlo, en sentido de expresión e individualidad. Toma protagonismo durante la fase final de la historia, aún así le considero a medio término de lo que podría haber sido un mensaje más contundente. Nuevamente, el afán en la construcción de un misterio se interpuso de lo que hubiese sido una valiosa reflexión. Pese a que hay otros aspectos considerables de “abordados”, los considero de utilizados para el propósito de las temáticas ya mencionadas, estando el Bullying, sentido de la pertenencia o la experimentación biológica. De todas maneras me son correctamente tratados para sus respectivos momentos, y porque no necesariamente cada elemento en una historia deba conllevar hacia una reflexión del mismo. Y también está el culto de la personalidad abordado a través del contraste, evidentemente es amigo quien nos viene a la mente, sin embargo, tenemos a Kenji ahí mismo. Kenji es “Amigo” para sus amigos. Así que pueden realizarse lecturas y observaciones según los sucesos reflejando una intención temática, a saber si intencional, cuya profundidad es nuevamente proposición de quien analiza y del lector. Lo que si no puedo dejar en duda es el talento de Urasawa en la construcción de tensión, hay momentos particulares de la historia que tienen una importancia fundamental en la narrativa y son quienes mejor exhiben está cualidad, sea en el presente o pasado, están conformados por diferentes puntos de personaje, y la omisión de la información en el momento particular para envolverlo de todavía más expectativa ante el siguiente panel, constituyendo a la secuencias de sucesos que serán recordadas por sus fanáticos. Recalco que valoro esta dedicación en momentos puntuales de la narrativa que dada su importancia se merecían esta presentación narrativa, a diferencia de otros menos trascendentes que desgastan el artificio y nos acostumbran a la sorpresa. Siendo mi primera obra leída del autor, a la par que la admiración por su escritura, puedo sumar su dibujo junto al sentido de la ilustración y el movimiento. Sabe cuándo incluir paneles amplios para enfatizar el momento, enfocarse en la expresión facial de un personaje, representar al mismo en medio del escenario, no desperdiciar ningún elemento en el panel sino que todos están dirigidos a lo que quiere ser esa escena. Y por este sentido de la acción consigue representar esa tensión que planifica. En últimas mi opinión está en la convergencia de diferentes elementos que tengo en alto aprecio sea su dibujo, el homenaje hacia la época que se consolida la industria de manganime, el poder de la música o las consecuencias de nuestras acciones, frente a un misterio y necesidad de tensión que se antepone a los personajes, lógica o el habernos brindado una reflexión más significativa.
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Oct 18, 2024
Banana Fish
(Manga)
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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Deco Woo and Lyrica-chan of “Heart of Gold” While quickly assumed, the viewer should think more about the interesting decision to set the story in New York. The author, Akimi Yoshida, did a great job in depicting the location, to the point that it doesn't even seem foreign or exotic to the reader, that's how natural the narrative feels. Beyond being part of a Japanese fascination with the United States characteristic of that time, well demonstrated in the cartoonist's interests, for example in her first ... work (California History), it would be a decision that would highlight the work in multiple streams. It's not the space of this review to address what it meant for the definition and evolution of Shojo to Shonen or Boys Love, I just want to emphasize that part of that historical importance lies in the decision to place the story in the capital of the world because it allowed her to use elements that otherwise would not be there, the most important is the strong presence of gangs. The gangs are the backbone of the narrative, each one is ethnic, marking a clear differentiation between them that give the guideline to establish relationships in declared conflict or tense peace, being an ideal scenario in which to address the main values of the work: Loyalty, duty or tolerance. The “street” aspect of the city is built, which is only the basis of a broad framework with police, special forces, mafia or press, with diffuse relationships between them. New York is consolidated not only through the appearance of the tourist spots, but among the forces that seek to control the city in their own way, constituting that real, dangerous and invisible aspect for the ordinary citizen. Corresponding to the darkness of this presentation, the different situations related are born in this moral corruption such as drug distribution, child trafficking, murder or blackmail. An atmosphere that to be explored in its different facets should have characters corresponding to what wants to be told, and indeed, Yoshida did a fantastic job defining the characters that rule or seek to control the city, they are not only despicable, they have complexity in that evil. And in highlighting the conceptualization of the characters, the main duo, Ash and Eiji, can't be omitted. Ash's character building alone is admirable, there is a dichotomy between who he seems to be and who he is, which unfolds along the story. I could write multiple adjectives and admirations, however, I consider it more valuable if the reader discovers his multiple facets, as Eiji does. Eiji at first seems to be the observation from the viewer, but like Ash, he also evolves, in a reverse sense it could be qualified to some extent. The chemistry between the two is the unconditional platonic complement to each other, a relationship in which weakness and strength coexist, resonating with the other themes of forgiveness, acceptance of the past and love. If there is a lesson that perhaps encompasses the different reflections of its development it would be: The past does not define who you will be in the future, there is freedom in deciding what you want to be and how you want to act, to escape the cycle you are confined to you need courage to love and accept the love of others; a warm message in the midst of its dark presentation of corruption, power and subjugation. Its main negative aspect is related to the pacing of the story and a narrative whose last quarter feels unnecessarily drawn out, with a repeated “X rescuing Y” dynamic, with Y now being captured to be rescued by X. It brings other consequences, especially in the appearance of new characters with no greater transcendence than being an obstacle, contributing little to the thematic idea compared to the others. Likewise, its ambition works against it at certain points, with the mention of so many dynamics and conspiracy within a conspiracy, facts of importance at the beginning are barely mentioned towards the end, and others become a mere formality to get to another development or revelation. It has a very recognizable drawing, and again, with importance at the time by the transition of a more dynamic and action-focused style than the usual similar works of other authors. While most of it's made up of panels positioned for action or conversations, there are the occasional exceptions solely dedicated to reflecting the character's emotion through their expression or positioning. I must also highlight her character design, it reinforces that New York ethnic variety that has so much importance within the story. And clearly, Ash's physical characterization is vital to his conceptualization as a character, especially when contrasted with Eiji's common and integral appearance. Banana Fish deserves its historical recognition, it is a solid story with an engaging setting and a multitude of secondary characters with unique motivations and personalities. Although it lasts longer than it should, redounding in the chain of events and learned reflections, once you reach the last panel you know you will remember such a unique story, the lesson that no one but yourself should dictate the future that awaits you will resonate with you. Español La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL) La versión leída es la traducción al español por Deco Woo y Lyrica-chan de “Heart of Gold” Si bien es rápidamente asumido, el espectador debería pensar más acerca de la interesante decisión de ubicar la historia en New York. La autora, Akimi Yoshida, realizó un gran trabajo en la representación de la locación, al punto que ni siquiera al lector le parece extraño o exótico, así de natural se siente la narrativa. Más allá de ser parte de una fascinación Japonesa por Estados Unidos característico de ese momento, bien se demuestra en los intereses de la dibujante, por ejemplo en su primer trabajo (California History), sería una decisión que destacaría a la obra en múltiples corrientes. No es espacio de esta reseña abordar qué significó para la definición y evolución en el Shojo a Shonen o Boys Love, sólo quiero recalcar que parte de esa importancia histórica reside en esa decisión de situar la historia en la capital del mundo porque le permitió utilizar elementos que de otra forma no estarían, la más importante es la marcada presencia de bandas. Las bandas constituyen la columna vertebral de la narrativa, cada una es étnica, marcando una clara diferenciación entre sí que dan la pauta para establecer relaciones en declarado conflicto o tensa paz, siendo un escenario ideal en que abordar los principales valores de la obra: Lealtad, deber o tolerancia. Se construye el aspecto “callejero” de la ciudad que es sólo la base de un amplio entramado con policías, fuerzas especiales, mafia o prensa, con difusas relaciones entre los mismos. New York se consolida no sólo a través de la aparición de los puntos turísticos, sino entre las fuerzas que buscan controlar la ciudad a su manera, constituyendo ese aspecto real, peligroso e invisible para el ciudadano corriente. Correspondiendo a la oscuridad de esa presentación, las diferentes situaciones relatadas se encuentran nacidas en esa corrupción moral como son la distribución de drogas, tráfico de menores, asesinatos o chantajes. Una atmósfera que para ser explorada en sus diferentes facetas debía contar con personajes correspondientes a lo que quiere ser contado, y efectivamente, Yoshida realizó un fantástico trabajo definiendo a los personajes que gobiernan o buscar controlar a la ciudad, no son sólo despreciables, tienen complejidad en esa maldad. Y al destacar a la conceptualización de los personajes no puede omitirse al dúo principal, Ash y Eiji. Por sí sólo la construcción de Ash como personaje es admirable, hay una dicotomía entre quien parece ser y quien es, la cuál se desenvuelve conforme al desarrollo. Podría escribir múltiples adjetivos y admiraciones, sin embargo, considero que es más valioso si el lector descubre sus múltiples facetas, a la par que lo realiza Eiji. Eiji en principio parece ser la observación desde el espectador, pero al igual que Ash, también evoluciona, en un sentido inverso podría calificarse hasta cierto punto. La química entre ambos es el complemento incondicional platónico hacia el otro, una relación en que conviven debilidad y fuerza, resonando con las otras temáticas como el perdón, aceptación del pasado y amor. Si hay una lección que acaso englobe las diferentes reflexiones de su desarrollo sería: El pasado no define quién serás en el futuro, hay libertad en decidir qué quieres ser y cómo quieres actuar, para escapar del ciclo del que estás confinado necesitas valor para amar y aceptar el amor de otros; un cálido mensaje en medio de su oscura presentación de corrupción, poder y sometimiento. Su principal aspecto negativo está relacionado con el ritmo de la historia y una narrativa cuyo último cuarto se siente innecesariamente extensa, con una repetida dinámica de “X rescatando Y”, quedando Y ahora capturado para ser rescatado por X. Acarrea otras consecuencias, sobre todo en la aparición de nuevos personajes sin mayor trascendencia que ser un obstáculo, poco aportando a la idea temática a comparación de los otros. Así mismo su ambición resulta en contra en según qué puntos, con la mención de tantas dinámicas y conspiración dentro de una conspiración, hechos de importancia al inicio apenas son mencionados hacia el final, y otros se convierten en mero trámite para llegar hacia otro desarrollo o revelación. Tiene un dibujo muy reconocible, y nuevamente, con importancia en su momento por la transición de un estilo más dinámico y enfocado a la acción que el acostumbrado de obras similares de otras autoras. Si bien la mayoría está constituido por paneles posicionados para la acción o conversaciones, en ocasiones se presentan las excepciones únicamente dedicadas a reflejar la emoción del personaje por medio de su expresión o posicionamiento. También he de destacar su diseño de personajes, refuerza esa variedad étnica neoyorquina que tiene tanta importancia dentro de la historia. Y claramente, la caracterización física de Ash es vital para su conceptualización como personaje, especialmente cuando es contrastada con el aspecto común e integral de Eiji. Banana Fish merece su reconocimiento histórico, es una sólida historia de atractiva ambientación con una multitud de personajes secundarios con motivaciones y personalidades únicas. Pese a que dura más de lo que debería, redundando en la cadena de sucesos y aprendidas reflexiones, una vez alcanzas el último panel sabes que recordarás tan única historia, te resonará la lección sobre que nadie más que uno mismo debe dictar el futuro que le espera.
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Sep 27, 2024 Recommended
English
The following review is in Spanish and English(translated with the support of DeepL) The read version is the Spanish translation by K.A Works Unless you're a stranger to reading “explicit stories” Twin Milf is a classic you're sure to recognize either by mention from third parties, references or, of course, having read it. Published between 2012 to 2015, it's by author Youtoku Tatsunami, who is still active in his publishing circle with new stories focusing on the same fetishes. Anyway, this is considered his masterpiece, which even he acknowledges by still dedicating more arts to it or announcing reprints. If you don't know it, the title is ... quite explicit in its subject matter. The protagonist is “Shinji Kanou”, a young man who will establish a relationship with some “Milf” twins (just in case, referring to women who could be the protagonist's mother and are very pretty). There is no more dramatic charge than a couple of points resolved in the first few episodes, and we can consider it solely devoted to “action”, in fact, it doesn't feel like a particularly romantic work either, although feelings of jealousy are present in a couple of episodes. Maybe it was because of the time and the standard has changed since then, the length of the chapters has an average of 14 to 16 pages, which allows a faster pace, divided between the normal scenes in which a progression of events is established, nothing exceptional, it's merely effective for the intentions of the narrative, and the sexual moments who occupy most of the panels. And precisely given the smaller number of pages, in the last compendium we will have 16 chapters in a little more than 350 pages that's surprisingly varied in the approach of their situations, varying between threesome, couple and fetishes intrinsic to the moment such as exhibitionism, cosplay or roleplay. A reading that even with its ample number of pages, doesn't tire, on the contrary, maintains interest for the next one. Of course, the credit goes to Youtuko's talent for the dedication in his Milf fetish; it's evident with a little reading but stressing the obvious, both are very beautiful with dream bodies for those who have that taste. His experience has allowed him to capture every moment with dedication, where no matter how convulsive the action, he doesn't lose the thread of what happened, exhibiting in all its glory the “great” characteristics of both protagonists in the panel. I didn't give it a perfect score only because I don't think it transcends beyond “itself”, not because I can accuse it of any shortcomings. If from the premise and with some panels it has your interest, it's unlikely to be disappointing, especially for how massive it is, not only in its protagonists, but in it's length, variety and dedication. I have no doubt that as the years go by, its status and recognition will continue. Español A menos que seas ajeno a la lectura de “historias explícitas”, Twin Milf es un clásico que seguro reconocerás sea por su mención desde terceros, referencias o, claro, haberlo leído. Publicado entre 2012 a 2015, es del autor Youtoku Tatsunami, quien todavía sigue activo en su círculo de publicación con nuevas historias centradas en los mismos fetiches. De todas formas, está es considerada su obra maestra, que incluso él reconoce al todavía dedicarle más artes o anunciar reediciones. Si no lo conoces, el título es bastante explícito en su temática. El protagonista es “Shinji Kanou”, un joven quien establecerá una relación con unas gemelas “Milf” (por si acaso, referido a mujeres que podrían ser la madre del protagonista y son muy guapas). No hay mayor carga dramática que un par de puntos resueltos en los primeros episodios, y podemos considerarlo únicamente dedicado a la “acción”, de hecho, tampoco se siente como una obra especialmente romántica aunque sentimientos de celos están presentes en un par de episodios. Puede que fuera por la época y el estándar ha cambiado desde entonces, la duración de los capítulos tiene un promedio de 14 a 16 páginas, lo que permite un ritmo más acelerado, dividido entre las escenas normales en las que se establece una progresión de los sucesos, nada excepcional, es meramente efectivo para las intenciones de la narración, y los momentos sexuales quienes ocupan la mayoría de los paneles. Y precisamente dado el menor número de las páginas, en el último compendio tendremos 16 capítulos en un poco más de 350 páginas que es sorprendemente variado en el planteamiento de sus situaciones, variando entre trío, pareja y los fetiches intrínsecos al momento como sean exhibicionismo, cosplay o roleplay. Una lectura que aún con su amplio número de páginas, no cansa, por el contrario, mantiene interés por el próximo. Por supuesto, el crédito es del talento de Youtuko por la dedicación en su fetiche Milf; es evidente con leer un poco pero recalcando lo obvio, ambas son muy guapas con cuerpos de ensueño para quienes tengan ese gusto. Su experiencia le ha permitido plasmar cada momento con dedicación, donde sin importar lo convulso de la acción, no pierde el hilo de lo sucedido, exhibe en toda su gloria las “grandes” características de ambas protagonistas en el panel. No le asignó una nota perfecta únicamente porque no creo que trascienda más allá de “sí mismo”, más no porque pueda acusarle de algún defecto. Si desde la premisa y con algunos paneles tiene tu interés, es improbable que te resulte decepcionante, especialmente por lo masivo que es, no únicamente en sus protagonistas, sino en su duración, variedad y dedicación. No dudo que en el pasar de los años, su estatus y reconocimiento seguirá vigente.
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Aug 23, 2024 Not Recommended
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Otak Ichitaka Seto has an irremediable flaw as a character for the context that him is presented , his absolute lack of evolution. It's common that in the romantic harem the protagonist begins with few redeemable characteristics beyond kindness or attention, flashes of genius, and in his case he also has that, the difference is that in his extensive path to the end, he continues with only the same qualities. Again and again he faces dilemmas, quite similar to each other, in which he makes mistakes, ... we believe he learns so that again he makes the same mistake in the next problem. The apparent outline of an evolution is summarized in only one moment on which the work depended to continue to exist. And it's a pity because if there is anything of interest at the narrative level is how empathetic it can be in certain scenes for its target audience. Because Seto doesn't exhume that confidence or security as other protagonists of the genre, he has doubts about his desires, how they will affect other people and in what way he wants to assume them, which are expressed in a transparent and effective way in the internal monologue and visually captured by Masakazu, either through different resources such as the collage of memories or enclosing him in the panel, that's when Ichitaka is the best version of himself. But this approach is not extended through changes in his attitudes, it only derives in promises waiting to be broken. He also has another marked lack, not having any other dimension that is not involved with his relationships, that is, he lacks hobbies, interests or dreams, the latter is referenced in the narrative from a certain point so it may be an intentional omission, however, the absence of the other two is just a huge counter to get interest or empathy for him. A hollow protagonist who only exists for his relationship and even then doesn't manage to get along. Another reason for this emptiness is the secondary characters and how they have been treated, because unlike the main character, they have more personality that is expressed in their interests and the relationships between them. Even with little time in the narrative, several of them can be demarcated a certain evolution, however, since the plot is so engrossed in romantic drama, most of their interactions with Ichitaka will be advice or observation, with the exception of his best friend Teratani and the main female cast. For as mentioned, it's a romantic comedy harem although characterizing it as a “harem” is a bit of an exaggeration, instead it could be considered a romantic triangle repeated different times during the course of the narrative. A narrative approach that, by giving the story space, should allow it to develop properly, were it not that the characterization of the female characters is beneath Teratani himself. Katsura uses the characters at his convenience, not as if they were, well, characters. Introducing and omitting to add interest to the main story without consideration for the beings he has created, and again, it's a pity because contrary to Seto, they do have some characteristics beyond their affective dimension such as artistic interests and future perspectives, which are skirted, not deepened, not given more attention than for the purposes of misunderstanding or gag. And the one who gets the worst of it is the main heroine, Iori. Iori is two different characters between before and after the main event of the story, and even accepting her sudden personality change on the grounds of the importance of that event, we have an ending that contradicts her efforts and attitudes up to that point, only to be pandering to the Seto who has never dedicated himself to changing or understanding others. His act of heroism remains the same as at the beginning, an unintentional mirror reflecting how little the events have mattered. I liked Katsura's drawing, in fact my interest in the work came from its covers in which I was attracted to see a style closer to realism, something that's not frequent. And that talent has carried over to his pages because even if there is poor content, the presentation enhances it in several ways. He has a great sense of character positioning with respect to the environment that he usually details with dedication, a good rhythm in the way events are presented and a character design that even if it is not exceptional, it is nice to see them “grounded in reality” to a certain extent. If there is a factor of evident contrast is the fanservice approach because I can only admire and like Katsura's talent as a drawer but not his ability as a writer, the work abuses the “perverted imagination” during panels and panels, to the point that it ends up tiring for being a cheap resource to use, and when it's not used, it uses the most unlikely and absurd situations in search of entertaining the reader in something, notable in its increase as the series progresses, demonstrating the need to retain something to its audience. Therefore I can only keep his pencil talent, implying that it would have been of greater enjoyment and value to me to see a collection of his illustrations rather than read his story. He may have specific qualities at particular times, but the inanity of the rest has prevented me from remembering him well or recommending him for genuine or historical interest. Español Ichitaka Seto tiene un irremediable error como personaje para el contexto que le es presentado, su absoluta carencia de evolución. Es costumbre que en el harem romántico el protagonista empiece con pocas características redimibles más allá de amabilidad o atención, destellos de genialidad, y en su caso también cuenta con ello, la diferencia es que en su extenso camino al final, sigue sólo con las mismas cualidades. Una y otra vez se enfrenta a dilemas, bastante similares entre sí, en los que se equivoca, creemos que aprende para que nuevamente se equivoque en lo mismo en el próximo problema. El aparente trazado de una evolución se resume en únicamente un momento del cuál dependía la obra para seguir existiendo. Y es una lástima porque si hay algo de interés a nivel narrativo es lo empático que puede resultar en ciertas escenas para su público objetivo. Porque Seto no exhuma esa confianza o seguridad como otros protagonistas del género, tiene dudas acerca de sus deseos, cómo afectarán a las otras personas y de qué manera quiere asumirlos, los cuáles son expresados de forma transparente y efectiva en el monólogo interno y plasmados visualmente por Masakazu, sea por medio de diferentes recursos como el collage de recuerdos o encerrarlo en el panel, es ahí cuándo Ichitaka es la mejor versión de sí mismo. Pero ese abordaje no es extendido a través de cambios en sus actitudes, sólo deriva en promesas esperando a ser rotas. También tiene otra marcada carencia, no tener cualquier otra dimensión que no se involucre con sus relaciones, es decir, carece de pasatiempos, intereses o sueños, este último se referencia en la narrativa desde cierto punto así que puede tratarse de una omisión intencional, sin embargo, la ausencia de los otros dos es sólo una enorme contra para conseguir interés o empatía por él. Un protagonista hueco que sólo existe para su relación y ni aún así consigue llevarla bien. Otra razón para ese vacío en el que habita son los personajes secundarios y cómo han sido tratados, porque al contrario de su protagonista, tienen más personalidad que es expresada en intereses y las relaciones entre ellos. Aún con poco tiempo en la narrativa, a varios se les puede demarcar una cierta evolución, sin embargo, dado que la trama está tan enfrascada en el drama romántico, la mayoría de sus interacciones con Ichitaka será el consejo u observación, con excepción de su mejor amigo Teratani y el elenco femenino principal. Porque como se ha mencionado, es un harem de comedia romántica aunque caracterizarlo de “harem” es algo exagerado, en vez podría considerarse como un triángulo romántico repetido diferentes veces durante el transcurso de la narrativa. Un planteamiento narrativo que, al darle espacio a la historia, debería permitir que se desarrollará apropiadamente, sino fuera que la caracterización de los personajes femeninos está por debajo del mismo Teratani. Katsura utiliza los personajes a su conveniencia, no como si fuera pues, personajes. Introducir y omitir para agregarle interés a la historia principal sin tener consideración por los seres que ha creado, y nuevamente, es una lástima porque contrario a Seto, si tienen algunas características más allá de su dimensión afectiva como los intereses artístico y perspectivas futuro, los cuáles son bordeados, no profundizados, no se les brinda mayor atención que para los propósitos del malentendido o el gag. Y quien se lleva la peor parte es la heroína principal, Iori. Iori es dos personajes diferentes entre antes y después del hecho principal de la historia, y aun aceptando su repentino cambio de personalidad aduciendo a la importancia de ese suceso, tenemos un final que contradice sus esfuerzos y actitudes hasta ese momento, sólo para ser complacientes con el Seto que nunca se ha dedicado a cambiar ni comprender a los demás. Su acto de heroísmo sigue siendo el mismo del comienzo, un inintencional espejo que refleja lo poco que ha importado los ocurridos sucesos. Me ha gustado el dibujo de Katsura, de hecho mi interés por la obra llegó a partir de sus portadas en la que me atrajo ver un estilo más cercano a lo realista, algo que no es frecuente. Y ese talento se ha trasladado a sus páginas porque aún si hay un pobre contenido, la presentación lo mejora en varias maneras. Tiene un gran sentido del posicionamiento del personaje respecto al entorno que suele detallar con dedicación, un buen ritmo en el cómo se presentan los sucesos y un diseño de personajes que aún si no es excepcional si resulta agradable verlos “aterrizados a la realidad” hasta cierto punto. Si hay un factor de evidente contraste es el abordaje de su fanservice porque por si sólo puedo admirar y gustar del talento de Katsura como dibujante más no su habilidad de escritor, la obra abusa de la “imaginación pervertida” durante paneles y paneles, al punto de que termina cansando por ser un recurso barato de utilizar, y cuando no lo usa se vale de las situaciones más inverosímiles y absurdas en búsqueda de entretener en algo al lector, notable en su aumento conforme la serie avanzaba, demostrando la necesidad en retener en algo a su público. Por lo tanto sólo puedo quedarme con su talento al lápiz, implicando que me hubiera sido de mayor disfrute y valor ver alguna colección de ilustraciones en vez de leer su historia. Podrá tener cualidades específicas en momentos particulares, más el despropósito del resto ha evitado que le tenga buen recuerdo o lo recomiende por interés genuino o histórico.
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Jul 12, 2024
Inma no Mikata!
(Manga)
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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the English translation Given his unique blood condition, Masato has been assigned a job that fulfills his life's wish, to be useful to someone, and that job is to be the power source for a pair of succubus sisters. The context of the manga is simple and effective, succubi and incubi are intermingled with humanity, each species having awareness and interaction with the other. This coexistence has led to a growing number of “hybrid” humans, who lack the characteristics that fully satisfy the succubi, and at that point Masato's ... existence becomes valued and coveted. Of course, it’s just an excuse to place the protagonist in a story with multiple girls, the remarkable thing is that this simple decision consolidates an excellent reason because being of a “different” species and having a nature in itself associated with lust and perversion, it can afford the inclusion of harem without being forced. Similar to what one character mentions during the play “if humans don't care, why should we?”. However, this work does not stand out precisely for its harem or context, it’s for the convergence of both in a regular fetish, oral sex. Fue is the best artist (that I have read at least) in that field, his other works are also remarkable in that context, such as the well-known Fella Hame Lips, but what he has achieved in this series is at another level in quantity and quality. Again, the context is a sufficient and effective justification given that succubi have a preference to consume directly from the source, hence there are chapters completely dedicated to that dynamic, and Fue does it perfectly. The character design is undoubtedly attractive and varied, having high, low and proportionate on the top and bottom, but it’s the mouth with the tongue where he performs greater detail, having page after page dedicated to that unique sucking sequence, in which if you dedicate attention to reading overwhelms your senses just like the protagonist. Of course, in the rest of the act there is also full dedication of the draftsman, being varied and intense, still clean in the action because it is always understandable what happens and in what way, remarkable even more to have not only two people, highlighting the final chapter and the “national succubus” encounter. Personally my favorite chapter is that of the president given her character design and personality change. Overall it's a very solid work, and if its main intent is in your range of interest, there's no way you won't like it, maybe at memory I can mention other authors also outstanding but I haven't read any who have devoted so much dedication in a single story to this fetish. It fully deserves its status as a classic. Español Dada su única condición sanguínea, a Masato le han asignado un trabajo que cumple el deseo de su vida, ser útil para alguien, y esa labor consiste en ser la fuente de alimentación de un par de hermanas súcubos. El contexto de la obra es sencillo y efectivo, súcubos e íncubos están mezclados con la humanidad, teniendo cada especie conciencia e interacción con el otro. Esa convivencia ha provocado un creciente número de seres humanos “híbridos”, los cuáles carecen de características que satisfacen a plenitud a las súcubos y en ese punto la existencia de Masato se vuelve valorada y codiciada. Por supuesto, es sólo una excusa para ubicar al protagonista en una historia con múltiples chicas, lo destacable es que esa sencilla decisión consolida una excelente razón porque siendo de una especie “diferente” y teniendo una naturaleza en sí misma asociada a la lujuria y perversión, puede permitirse la inclusión de harem sin que resulte forzado. Parecido a lo que menciona un personaje durante la obra “si a los humanos no les importa ¿Por qué a nosotras?”. Sin embargo, está obra no destaca precisamente por su harem o contexto, es por la convergencia de ambos en un fetiche regular, el sexo oral. Fue es el mejor dibujante (que he leído por los menos) en ese ámbito, sus otras obras también son destacables en ese contexto, como el muy conocido Fella Hame Lips, pero lo conseguido en esta serie está a otro nivel en cantidad y calidad. Nuevamente el contexto es una justificación suficiente y efectiva dado a que las súcubos tienen preferencia a consumir directamente desde la fuente, de ahí que hay capítulos completamente dedicados a esa dinámica, y bien que Fue lo realiza perfectamente. El diseño de personajes es sin duda atractivo y variado, habiendo altas, bajas y proporcionadas en lo superior e inferior, pero es la boca con la lengua donde realiza mayor detalle, habiendo página tras página dedicado a esa única secuencia de succión, en la que si dedicas atención a la lectura te abruma los sentidos tal como al protagonista. Por supuesto, en el resto del acto también hay plena dedicación del dibujante, siendo variado e intenso, aún así limpio en la acción porque siempre es entendible qué sucede y de qué manera, notable todavía más de haber no sólo dos personas, destacando el capítulo final y el encuentro “nacional súcubo”. Personalmente mi capítulo preferido es el de la presidenta dado a su diseño de personaje y el cambio de personalidad. En conjunto es una obra muy sólida, y si su principal intención está en tu rango de interés, no hay forma que no te guste, puede que al recuerdo pueda mencionar otros autores también destacables pero no he leído ninguno que haya dedicado tanta dedicación en una sola historia a este fetiche. Es plenamente merecido su estatus como un clásico.
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Jul 5, 2024
Mob Psycho 100
(Manga)
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The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Kurochi! belonging to "MangaWorks Fansub". Mob is the most powerful character of the work, it’s something established from the first chapters, during the development of the story different and diverse characters will appear to prove how true it’s. Therefore, it could be foreseen, that its thematic ideas are related to power and strength, and yes, they are, but in the center is not the consecration through the exhibition, on the contrary, it’s the decrease to turn it into a characteristic. You aren’t special because of ... your powers, that only constitutes a part of who you are. However, Mob has an essential defect, or more specifically, a lack of little control of his emotions, he doesn’t understand them and doesn’t know how to express himself. This is the main difference between him and others, not because he is an esper (an individual who has paranormal abilities) but because he feels unable to connect with others. The story begins with his desire to change and at first, as is usual for most boys, it will be for a girl. As he begins to work towards his goal of getting better he will meet different people in various social groups, an ensemble that makes for a charming cast. Each has a certain degree of participation in the story even as it grows in unexpected complexity and breadth, as well as being recognizable by personality and design. Although some of them only have the function of acting as a support in Mob's story, they perfectly fulfill that duty at the moment they should have relevance to themselves and to the narrative. ONE uses several characters to be direct participants in some arcs, while others will have more of an appearance in the fun Omakes. Whatever the case, there is a constant reference to the world that benefits the thematic intentions. And among them there is a character deserving of his own mention because he qualifies as the other protagonist of the story, Reigen Arataka. An ordinary person whose supernatural characteristic is his common sense, time and again he represents the moral bubble in a situation where it seems that there is no logic, because he lands the extraordinary events that are happening. At that point his ordinary attitude passes as heroic or intimidating, a situation that ONE reinforces through comical coincidences, but even beyond that appeal, the factor that makes him unique lies in the dichotomy of his figure. Because Reigen is neither a hero nor an untainted figure of reason, from the first chapters he is characterized as a swindler, not unscrupulous, but still a swindler at the end of the day. He is someone who knows perfectly well what his mistakes are but doesn’t work to improve. If Mob is alone by incapacity, Reigen falls into loneliness by the choice of indifference. That duo come together and unexpectedly complement each other, a relationship of student and teacher, where sometimes the student becomes the teacher. Mob will learn human logic from Reigen about the value of self and friendship, while Reigen will understand that if Mob is able to try hard there is no reason why he can't try either. It's not a perfect relationship because neither is, there will be fights and misunderstandings, but their respect for each other will be what drives their progress. And even when the focus of the story is set in coherence and sobriety, in the line of ONE's style we find strong characters, no, absurdly strong. Again and again will appear someone more powerful than the previous one, he has an ability never seen before, his enormous power is only a percentage of his total strength, he has never been defeated, among others. Provided ideal scenarios to be an exhibition of power, and the manga corresponds, more than enough. The characteristic drawing of ONE is the one that is often described as the main flaw of the story, there aren’t few who only recommend watching its animated adaptation (it must be said, it’s perfect), but beyond the aesthetic question of connecting or not, already intrinsically dependent on each person, there is the doubt of his ability as a mangaka, and there is no way to disqualify his talent. Manga is drawing but not only drawing because that would be illustration, instead it must take into consideration the presentation of its story through the panels and their distribution, which constitute the elements to build a visual narrative. The author's drawing and style are adapted to the thematic intention to reach a certain level of consistency in their detail. The various assistants deserve credit for specifics, but in the overall perspective of pacing and presentation it is to ONE's credit. His battles are an exhibition of emotion and spectacle because he knows where to place the elements that constitute it to achieve it, he doesn't lose the rhythm of the battle even if there are different jumps between viewpoints or a monologue from any character. He manages to keep the sense of urgency and freneticism and increase, he elaborates the strokes for the inclusion of destruction, blow, force, which underline the absurd level of power of his characters. Especially in the battles of pure power, those where the intelligent use of skills has priority counts with elements of strategy and improvisation, keeping another kind of attention in the reader. And yet, the best demonstration of his skill is in the rest of the moments, in the dramatic aspect and small advances of the characters, they are panels that don’t stand out for the detail of their backgrounds or the facial expressions of the characters, on the contrary, he embraces simplicity to communicate the maximum in the minimum of elements. Just like drawing, comedy is a matter of connection solely based on personal tastes, to connect or not, and in the case of ONE I have had fun with its different occurrences. There are several chapters dedicated to being solely a joke, and even one of the final situations is quite absurd, and they still don't seem detrimental to the pace or intent, it's another tone that still fits with the teachings. It's not a matter of taking its presentation seriously or not, it's a matter of enjoying it as it happens. Because if you dedicate that moment you will find the reader with a multitude of teachings that arise from its characters and narrative, having value instead of saying for the sake of saying, they are also fully explicit so it is worth reading them for yourself to know what it's all about. Enter that world of Espers and unimaginable powers to understand that true value lies in wanting to keep getting better. Mob Psycho 100 deserves nothing less than 100. Español Mob es el personaje más poderoso de la obra, es algo establecido desde los primeros capítulos, durante el desarrollo de la historia aparecerán diferentes y diversos personajes para probar que tan cierto es. Por ende, podría preverse, que sus ideas temáticas están relacionadas acerca del poder y la fuerza, y si, lo están, pero en el centro no se encuentra la consagración a través de la exhibición, al contrario, es la disminución para convertirla en característica. No eres especial por tus poderes, eso sólo constituye una parte de quien eres. Sin embargo Mob tiene un esencial defecto, o más específicamente, una carencia, poco control de sus emociones, no las entiende ni sabe expresarse. He ahí el principal factor de diferencia entre él y otros, no es por ser un esper (individuo que tiene capacidades paranormales) sino porque se siente incapaz de conectar con los demás. La historia comienza por su deseo de cambiar y en principio, como suele ser usual en casi todo chico, será por una chica. Conforme empieza a trabajar en su meta de mejorar conocerá a diferentes personas en diversos grupos sociales, un conjunto que constituye un elenco encantador. Cada quién cuenta con cierto grado de participación en la historia aún si la misma crece en inesperada complejidad y amplitud, además de ser reconocibles dada su personalidad y diseño. Si bien algunos sólo tienen la función de actuar como un apoyo en la historia de Mob, cumplen a la perfección ese deber en el instante que debían tener relevancia para sí mismos y con la narrativa. ONE utiliza a varios personajes para que sean partícipes directos en algunos arcos, mientras que otros tendrán más aparición en los divertidos Omakes. Cual sea el caso, hay una constante referencia al mundo que resulta en beneficio para las intenciones temáticas. Y entre ellos hay un personaje merecedor de mención propia porque es calificable como el otro protagonista de la historia, Reigen Arataka. Una persona ordinaria cuya característica sobrenatural es su sentido común, una y otra vez representa la burbuja moral en una situación donde parece que no existe la lógica, porque aterriza los sucesos extraordinarios que estén sucediendo. En ese punto su actitud ordinaria pasa como heroica o intimidante, situación que ONE refuerza por medio de cómicas coincidencias, pero todavía más allá de ese atractivo, el factor que le vuelve único radica en la dicotomía de su figura. Porque Reigen no es un héroe ni una impoluta figura de la razón, desde los primeros capítulos se le caracteriza como un estafador, no inescrupuloso, más sigue siendo estafador al fin y al cabo. Es alguien que sabe perfectamente cuáles son sus errores pero no trabaja en mejorar. Si Mob se encuentra solo por incapacidad, Reigen cayó en la soledad por la elección de la indiferencia. Ese dúo se junta e inesperadamente se complementa, una relación de estudiante y maestro, donde a veces el estudiante se vuelve el maestro. Mob aprenderá la lógica humana de Reigen sobre el valor de sí mismo y la amistad, mientras que Reigen entenderá que si Mob es capaz de esforzarse no hay razón por la que él tampoco pueda intentarlo. No es una relación perfecta porque ninguna lo es, habrá peleas y malentendidos, pero el respeto de uno por el otro será lo que impulse su avance. Y aún cuando el enfoque de la historia se establece en la coherencia y sobriedad, en la línea del estilo de ONE encontramos personajes fuertes, no, absurdamente fuertes. Una y otra vez aparecerá alguien más poderoso que el anterior, tiene una habilidad nunca antes vista, su enorme poder es sólo porcentaje de su fuerza total, jamás ha sido derrotado, entre otros. Brindado escenarios ideales para ser una exhibición de poder, y el manga corresponde, sobradamente. El característico dibujo de ONE es al que se le suele calificar como el principal defecto de la historia, no son pocos quienes sólo recomiendan ver su adaptación animada (cabe decirlo, es perfecta), pero más allá de la cuestión estética de conectar o no, ya intrínsecamente dependiente de cada persona, está la duda de su habilidad como mangaka, y ahí no hay forma de descalificar su talento. Manga es dibujo más no únicamente dibujo porque eso sería ilustración, en cambio se debe tener en consideración la presentación de su historia a través de los paneles y su distribución, que constituyen los elementos para construir una narración visual. El dibujo y estilo del autor se adaptan a la intención temática para alcanzar cierto nivel de consistencia en su detalle. Los diferentes asistentes merecen el reconocimiento por los específicos, pero en la perspectiva general de ritmo y presentación es crédito de ONE. Sus batallas son una exhibición de emoción y espectáculo porque sabe donde ubicar los elementos que la constituyen para conseguirlo, no pierde el ritmo de la batalla aún si hay diferentes saltos entre puntos de vistas o un monólogo de cualquier personaje. Consigue que la sensación de apremio y frenetismo se mantenga y aumente, elabora los trazos para la inclusión de destrucción, golpe, fuerza, que subrayan el absurdo nivel de poder de sus personajes. Especialmente en las batallas de puro poder, aquellas donde el uso inteligente de habilidades tenga prioridad cuenta con elementos de estrategia e improvisación, manteniendo otro tipo de atención en el lector. Y aún así, la mejor demostración de su habilidad está en el resto de momentos, en el aspecto dramático y de pequeños avances de los personajes, son paneles que no destacan por el detallado de sus fondos o las expresiones faciales de los personajes, al contrario, abraza la simpleza para comunicar lo máximo en el mínimo de elementos. Tal como el dibujo, la comedia es una cuestión de conexión únicamente basada en gustos personales, de conectar o no, y para el caso de ONE me he divertido con sus diferentes ocurrencias. Hay varios capítulos dedicados a ser únicamente una broma, e incluso una de las situaciones finales es bastante absurda, y siguen sin parecer detrimentos del ritmo o intención, es otro tono que todavía encaja con las enseñanzas. No es cuestión de tomarse o no en serio su presentación, es de disfrutarla correspondiendo al momento que esté sucediendo. Porque si se dedica ese momento se encontrará el lector con una multitud de enseñanzas que surgen de sus personajes y narrativa, teniendo valor en vez de decir por decirse, también son plenamente explícitas así que vale la pena leerlas por sí mismo para saber de qué se trata. Entrar en ese mundo de Espers y poderes inimaginables para comprender que el verdadero valor se encuentra en querer seguir mejorando. Mob Psycho 100 no merece nada menor a 100.
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