The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the English translation by “Mujin Comics”.
Masato Ashiomi is an author that I hold in special regard for his effort in constructing narratives, which while not necessarily focused on his story alone, are complex enough to provide an interesting background to the main and universal motif of hentai. In fact, I don't consider this review his most complex or interesting work either, Crime Girls and Loveless Labyrinth are more intricate by comparison, however, I've chosen D-Medal because it was the first work I read by the author and it
...
left enough of an impression on me to read his other works.
And there's a lesson in it! There is a moral to the story through the development of the protagonist, and it is fidelity. Yes, ironic and unexpected knowing that we are facing a “harem” context, except that it is not... fully. Explaining a bit, given the events of the plot, even if the protagonist is with different girls it is explicit that none of them develop feelings for him, it is only a passing amusement allowed by the creators of the story that build the basis of the second part.
Focusing on this first section, there is a variety of situations and girls presented, using all the school archetypes available, including classmates and teachers, a robust set that includes cheerleaders, threesomes, nurse, foreign teacher, idol, sportswoman, among others. Each one with a characteristic design and according to that model, Masato has a preference for curvy designs, big breasts and prominent hips, and it shows at all times in his choice of how to design each girl, but there is an interesting exception and it is in the heroine, with a more “realistic” body.
The variety of situations and designs consolidate his first segment. At each chapter we have the sexual encounter of the day, with Masato's admirable ability to position where best exhibits the qualities, the panels are very dynamic in their size and organization, allowing each page to prominently display the most attractive of the moment. Even when there is more than one couple, it doesn't lose that sense of where each should go. Together with the expressions detailed enough to fit the scene, it is a complete joy.
And then comes his twist, of which I don't want to go into depth to urge its reading, but I can affirm that his excellent drawing characteristics continue, whether in design, positioning or detail, including my favorite sexual sequence and panel of the whole work, he even has a moment of beautiful genuineness related to his main lesson of fidelity. For that cheesy, heartfelt dialogue alone, my overall appreciation for it is ratified.
Maybe even having that variety that stood out in the first chapters, I would have liked still a little more, of course, in the same way it should have corresponded with a longer duration of its second part. Anyway the existing is ideal for that lesson to which it is heading, again, unexpected to see fidelity exhibited in a harem context, and as an extra point, it can be found almost uncensored, for even greater enjoyment.
Español
Masato Ashiomi es un autor que tengo en especial consideración por su esfuerzo en construir narrativas, que si bien no son necesariamente volcadas a únicamente su historia, son lo suficientemente complejas para brindar un trasfondo interesante al motivo principal y universal del hentai. De hecho, la presente reseña tampoco la considero su obra más compleja o interesante, a comparación Crime Girls y Loveless Labyrinth son más intrincadas, sin embargo, me he decantado por D-Medal porque fue la primera obra que leí del autor y me dejó la suficiente impresión como para leer sus otras obras.
¡Y es que tiene una lección! Hay una moraleja en la historia a través del desarrollo del protagonista, y es la fidelidad. Si, irónico e inesperado sabiendo que estamos ante un contexto “harem”, excepto que no lo es… plenamente. Explicando un poco, dados los sucesos de la trama, aún si el protagonista está con diferentes chicas es explícito que ninguna desarrolla sentimientos por él, únicamente es una diversión pasajera permitida por los artífices de la historia que construyen la base de la segunda parte.
Centrándonos en esa primera sección, hay variedad de situaciones y chicas presentadas, utilizando todos los arquetipos escolares al alcance pasando por compañeras y maestras, un conjunto robusto que incluye animadoras, tríos, enfermera, maestra extranjera, idol, deportista, entre otras. Cada una con un diseño característico y acorde a ese modelo, Masato tiene preferencia por los diseños acurvados, de grandes pechos y prominentes caderas, y se nota a todo momento en su elección de como diseñar a cada chica, pero hay una interesante excepción y es en la heroína, con un cuerpo más “realista”.
La variedad de situaciones y diseños consolidan su primer segmento. A cada capítulo tenemos el encuentro sexual de turno, con la admirable habilidad de Masato para posicionar donde mejor exhibe las cualidades, los paneles son muy dinámicos en su tamaño y organización, permite que en cada página se exhiba a prominencia lo más atractivo del instante. Ni siquiera habiendo más de una pareja pierde ese sentido de la disposición en donde debería ir cada cuál. Junto a las expresiones suficientemente detalladas para encajar en la escena, es un completo disfrute.
Y entonces llega su giro, del cuál no quiero profundizar para instar su lectura, eso sí, puedo afirmar que continúan sus excelentes características de dibujante, sea en diseño, posicionamiento o detalle, incluyendo mi secuencia y panel favoritos sexuales de toda la obra, hasta tiene un momento de bonita genuidad relacionado a su lección principal de fidelidad. Sólo por ese diálogo cursi y sincero, se ratifica mi apreciación general por la misma.
Puede que aún habiendo esa variedad que destacó en los primeros capítulos, me hubiese gustado todavía un poco más, por supuesto, de igual manera debía corresponder con una mayor duración de su segunda parte. De todas maneras lo existente es ideal para esa lección a la que se encamina, nuevamente, inesperado ver a la fidelidad exhibida en un contexto de harem, y como punto extra, puede encontrarse sin casi censura, para todavía mayor disfrute.
Mar 21, 2025 Recommended
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the English translation by “Mujin Comics”. Masato Ashiomi is an author that I hold in special regard for his effort in constructing narratives, which while not necessarily focused on his story alone, are complex enough to provide an interesting background to the main and universal motif of hentai. In fact, I don't consider this review his most complex or interesting work either, Crime Girls and Loveless Labyrinth are more intricate by comparison, however, I've chosen D-Medal because it was the first work I read by the author and it ...
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Mar 14, 2025 Recommended
The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL)
The version read is the one licensed in Spanish by “Norma Editorial”. The context and my approach on how to approach the review I have explained at the beginning of the review of the first part, you are invited to read it. I just want to mention the particularity that the last story of this anthology was published while Fujimoto was in the final stretch of his first serialized work, Fire Punch. Ningyo Rhapsody Published at the end of 2014, it shares the same year as the last work of the previous anthology, Shikaku. And ... it also has similar narrative characteristics, a romance with fantastic elements typical of its context with an extra layer of interest consisting of innocence due to the young age of its protagonist, what we would call a teenage first love, and a “forbidden” one, due to the difference in species between the two. His subject matter consists of beauty guided by universal appreciation, in this case musical, and being a bridge to make a connection between those who seem unrelated. Tatsuki uses the fantastic context for a well-known universal message, without pretensions of being innovative, it is in the way he achieved it that highlights his creativity to establish a credible world even in its strangeness, and gave him the ground to realize detailed panels; not only those double page, also in several of the “common ones” he conveys beauty, memory and even terror corresponding to the action. Me wo Sametara Onnanoko ni Natteita Yamai Another story with a romantic factor, however this is not the core but the unexpected change of the protagonist and how it affects his personal relationships. At the level of presentation and drawing is more austere compared to previous works, and it is understandable, reading it you can notice its approach grounded in simplicity, where the interest lies in the message that Fujimoto wants to convey “no matter what you become, the important thing is who you want to be”. From a perspective position, it is also the first work with the presence of some “trans” theme, which we will see again in some of his future works. Yogen no Nayuta My favorite work before his first serialization. His artistic style is consolidated by the consistent presence of the elements that characterize him as a an artist: the eyes, the marked expressions in the foreground, especially if they are in sequence, tracing all the moments the character is going through, the shading, a “dynamic” grid layout and the placement of his panels that occupy half and full page. At the same time it is a narrative completely “his own”. The fantastic and bloody elements are just as present as the moments of recollection and connection, it is a story of brotherhood (another of his recurring themes) intermingled with the difficulty of the circumstances that were imposed on him, which in themselves are also of interest because of that “normality in the face of the extraordinary”. Of course, I also owe part of my appreciation, inevitably, to the fact that the character design of “Nayuta” will surely be familiar to you if you have been reading his work. Imouto no Ane This one is about sisterhood, and has another pair of interesting themes that would characterize his other two One Shot of great fame years later, artistic inspiration and talent. Neither is a novel reflection, and the means to achieve it is ultimately simple, the factor to highlight is the characterization of both protagonists in brevity, highlighting the simplicity of relatives interspersed with disappointment, pride and a humorous touch. His approach is very varied, he uses the whole page in different ways, it is not only the punctual actions that stand out, but also the feelings of the protagonist such as discomfort and remoteness, including the use of perspective in some panels, and they are also reinforced by the vividness of the expressions of his characters. His best drawn work up to that moment (only referred to the One Shots). The panels dedicated to this representation that talent is nurtured by effort, I feel that they are a reflection of Fujimoto regarding his trajectory, it is enough to observe his early works to know that he was no genius of illustration, his arrival at this point is due to the same path that has had its protagonist. The continuous practice. Español El contexto y mi aproximación acerca de cómo abordar la reseña los he explicado al comienzo de la reseña de la primera parte, estás invitado a leerla. Únicamente quiero mencionar la particularidad de que la última historia de esta antología fue publicada mientras Fujimoto estaba en el tramo final de su primera obra serializada, Fire Punch. Ningyo Rhapsody Publicada a finales de 2014, comparte el mismo año que la última obra de la anterior antología, Shikaku. Y también cuenta con similares características narrativas, un romance con elementos fantásticos propios de su contexto con una capa extra de interés que consiste en la inocencia debido a la corta edad de su protagonista, lo que llamaríamos un primer amor adolescente, y uno “prohibido”, por la diferencia de especie entre ambos. Su temática consiste en la belleza guiada hacia la apreciación universal, en este caso musical, y siendo un puente para entablar una conexión entre quienes parecen no tener relación. Tatsuki utiliza el contexto fantástico para un conocido mensaje universal, sin pretensiones de ser innovador, es en el cómo lo consiguió que destaca su creatividad para establecer un mundo creíble aún en su extrañeza, y le dió terreno para realizar detallados paneles; no únicamente aquellos doble página, también en varios de “los comunes” transmite belleza, recuerdo y hasta terror correspondiente a la acción. Me wo Sametara Onnanoko ni Natteita Yamai Otra historia con un factor romántico, sin embargo este no es el núcleo sino que es el inesperado cambio del protagonista y cómo afecta a sus relaciones personales. A nivel de presentación y dibujo es más austero a comparación de los trabajos previos, y es entendible, leyéndolo se nota su enfoque aterrizado a la simpleza, en donde el interés radica en el mensaje que quiere transmitir Fujimoto “sin importar en que llegas a ser lo importante es aquel en quién quieres ser”. Desde una posición de perspectiva también es el primer trabajo con presencia de alguna temática “trans”, la cuál volveremos a ver en algunas de sus futuras obras. Yogen no Nayuta Mi trabajo favorito antes de su primera serialización. Se consolida su estilo artístico entendiéndolo de presencia consistente de los elementos que le caracterizan como dibujante: Los ojos, las marcadas expresiones en primer plano, especialmente si están en secuencia, trazando todos los momentos por los que está pasando el personaje, el sombreado, un esquema cuadriculado “dinámico” y la ubicación de sus paneles que ocupan media y página completa. A su vez es una narrativa completamente “suya”. Los elementos fantásticos y sangrientos están igual de presentes que los instantes de recogimiento y conexión, es una historia de hermandad (otra de sus temáticas recurrentes) entremezclada con la dificultad de las circunstancia que le fueron impuestas, las cuáles en sí mismas también resultan de interés por esa “normalidad ante lo extraordinario”. Por supuesto, también debo parte de mi apreciación, de forma inevitable, a que el diseño de personaje de “Nayuta” seguramente te será conocido si seguiste leyendo su obra. Imouto no Ane Otra historia de hermandad, está vez femenina, y tiene otra par de interesantes temáticas porque caracterizarían sus otros dos One Shot de sobrada fama años después, la inspiración artística y el talento. Tampoco es una reflexión novedosa, y el medio para conseguirlo en últimas es sencillo, el factor a destacar es la caracterización de ambas protagonistas en la brevedad, se resalta la simplicidad de parientes entremezclados con la decepción, orgullo y un toque humorístico. Su planteamiento es muy variado, utiliza la página completa de diferentes maneras, ya no es únicamente las acciones puntuales a destacar también son los sentimientos de la protagonista como incomodidad y lejanía, incluyendo utilizar la perspectiva en según qué paneles, y además son reforzados por la viveza de las expresiones de sus personajes. Su trabajo mejor dibujado hasta ese momento (únicamente referido a los One Shots). Los paneles dedicados a esa representación de que el talento se nutre es del esfuerzo, siento que son una reflexión de Fujimoto respecto a su trayectoria, basta con observar sus primeros trabajos para saber que no era ningún genio de la ilustración, su llegada a este punto es debido al mismo camino que ha tenido su protagonista. La práctica continua.
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Mar 7, 2025 Recommended
English
The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL) The version read is the one licensed in Spanish by “Norma Editorial”. Currently Tatsuki Fujimoto is one of the most recognized “new authors” nationally and internationally, due to his successful works that you will surely recognize if you follow the medium. A little more than a decade ago, prior to his first serialized work, he published different One Shot, some for contests and others for Jump Square, these were compiled in two volumes, the present one being the first one. I will not make a particular qualification by story, the note of the ... volume attached to the review you can consider it as an “average” that I give to each particular, if it is not that note it is close to be superior or inferior. Niwa ni Wa Niwa Niwatori There is a marked irony in its approach, it presents a catastrophic situation with a certain comic touch, in that contrast we have its characters necessarily complex (considering their limited presence) to interest us in the story. Its main impact is in the punch line, effective for the moment and encompassing a theme of “communication” and “understanding”. It is a first-time work in every aspect, so first and foremost I consider it not to be contradictory or wasteful of the elements presented, and it fulfills both conditions, maintaining coherence in a simple story in the world presented. The final twist is far from original, but fulfills its purpose. The panels are a square outline, and his drawings, again, are remarkably first-timer, being the main panels where he devoted more effort to detail and impact, while in the rest, in simple movements, facial expressions and background management inconsistencies are noticeable. Sasaki-kun ga Juudan Tometa First of all, it is worth mentioning the marked evolution for his second work, compared to his first work, the drawing has improved in every aspect, be it the facial expressions, the representation of movement, the background detail in each panel, and the different visual flourishes typical of a comic book. While his outline is still quite “gridded,” he has some more dynamic concrete choices for particular moments. And it's a genuinely great story. Its realistic approach addresses an illogical action framed around a boy's feelings of love and sexual discovery, leading up to the lesson of the power of trust in the most unrealistic way feasible but still possible as long as the framework of opportunity exists. Even if it is somewhat “over the top” in its conclusion, in the context in which it is presented it fits perfectly because each element was used for its narrative purpose. Koi wa Moumoku It was published in the same year as the previous one, so the evolution in the artistic sense is not so explicitly remarkable, but I consider that in terms of the approach of its elements in terms of panel placement and rhythm guide, it is much more interesting even in its shorter duration. It is already noticeable that Fujimoto felt more comfortable with varying the ways of structuring the expression of his story, and it may also be the motivation in being structured around the same joke. It's a funny one-shot, it has a premise and commits to it to the most ridiculous extreme. Shikaku A story whose core is found in romance and the most extensive so far, although it has fewer narrative elements, in fact, it is quite direct in its approach, it presents those who will make up the duo, the dynamics between them and the problems that bring them together. The fantastic context and the characterization of this pair, is a demonstration of his narrative sensitivity because even with its bloody, exaggerated and strange moments, there are panels of sincere feelings, where he smiles as an accomplice. His way of structuring the action and the drawing also improved notably, it is more varied in the presentation, he perfected his approach to shading and perspective, achieving more than a couple of vignettes with great detail. Español Actualmente Tatsuki Fujimoto es uno de los “nuevos autores” más reconocidos a nivel nacional e internacional, debido a sus exitosas obras que seguramente reconocerás si sigues el medio. Hace poco más de una década, previamente a su primera obra serializada, publicó diferentes One Shot, algunos para concursos y otros para la Jump Square, estos se recopilaron en dos volúmenes, siendo el presente el primero. No realizaré una calificación particular por historia, la nota del volumen anexa a la reseña puedes considerarla como un “promedio” que le doy a cada particular, si no es esa nota es cercana sea superior o inferior. Niwa ni Wa Niwa Niwatori Hay una marcada ironía en su planteamiento, presenta una situación catastrófica abordada con cierto toque cómico, en ese contraste tenemos a sus personajes lo necesariamente complejos (considerando su limitada presencia) para interesarnos en la historia. Su principal impacto se encuentra en el remate, efectivo para el momento y que engloba una temática de “comunicación” y “entendimiento”. Es una obra primeriza en cada aspecto, así que ante todo considero que no sea contradictoria ni desperdicie los elementos presentados, y cumple ambas condiciones, mantiene la coherencia en una historia sencilla en el mundo presentado. El giro final está lejos de ser original, más si cumplidor en su propósito. Los paneles son un esquema cuadrado, y sus dibujos, nuevamente, son notablemente de primerizo, siendo los paneles principales donde dedicó mayor esfuerzo al detalle e impacto, mientras que en el resto, en movimientos sencillos, expresiones faciales y manejo de fondos son notables las inconsistencias. Sasaki-kun ga Juudan Tometa Ante todo destacar la marcada evolución para ser su segunda obra, comparado a su primer trabajo el dibujo ha mejorado en cada aspecto sean las expresiones faciales, la representación de movimiento, el detallado de fondo en cada panel, y las diferentes florituras visuales propias de una historieta. Si bien su esquema sigue siendo bastante “cuadriculado”, tiene algunas elecciones concretas más dinámicas para momentos particulares. Y es una historia genuinamente genial. Su planteamiento realista se dirige a una acción ilógica enmarcada en los sentimientos de un muchacho, de un amor y descubrimiento sexual, para desembocar en la lección del poder de la confianza de la manera más irreal factible pero aún así posible mientras exista el marco de la oportunidad. Aún si es algo “exagerada” en su conclusión, en el contexto en el que es presentado encaja perfectamente gracias a que cada elemento se utilizó para su propósito narrativo. Koi wa Moumoku Se publicó en el mismo año que la anterior, por lo tanto evolución en el sentido artístico no es tan explícitamente notable, eso sí, considero que en cuestión de planteamiento de sus elementos en cuánto a la ubicación de paneles y guía del ritmo, es mucho más interesante aún en su menor duración. Ya es notable que Fujimoto se sentía más cómodo con variar las formas de estructurar la expresión de su historia, y también puede que fuera la motivación en estar estructurada alrededor de la misma broma. Es un One Shot gracioso, tiene una premisa y se compromete a la misma hasta el extremo más ridículo. Shikaku Historia cuyo núcleo se encuentra en el romance y la más extensa hasta el momento aunque tiene menos elementos narrativos, de hecho, es bastante directa en su planteamiento, presenta a quienes conformarán el dúo, la dinámica entre ellos y la problemática que les junta. El contexto fantástico y la caracterización de ese par, es demostración de su sensibilidad narrativa porque aún con sus momentos sangrientos, exagerados y extraños, se encuentran paneles de sentimientos sinceros, donde se sonríe como cómplice. Su forma de estructurar la acción y el dibujo también mejoró notablemente, es más variado en la presentación, perfeccionó su enfoque respecto al sombreado y sobre la perspectiva, consiguiendo más de un par de viñetas con gran detalle.
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Feb 21, 2025
Utsuro no Hako to Zero no Maria
(Manga)
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Mixed Feelings
he following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by Esteban of “Twin dragons subs” First a clarification due to the type of work: I am not someone with experience in Light Novels, in fact, the present one is the only one I have finished because although I have read volumes of other series, they are franchises that I am still reading. My equivalent in terms of reading experience is Western literature, so due to lacking a specific critical framework for this type of novel, the values evaluated will be the same as those of ... a “any book”. If there is one thing I particularly regret, it is the inevitable “transformation of intent” due to being a double translation, from Japanese to English, and from English to Spanish, an observation not intended to disparage the work of either translator. It is part of the reader's acceptance that the translation has the highest fidelity to the source, however, I won't refer to specific terms at the prose level. Utsuro no Hako to Zero no Maria is a light novel by author Eiji Mikage with drawing by Tetsuo. It is particularly famous despite not having any anime, manga or even Live Action adaptation. The first thing to note is the structure and presentation of the writing, the story has 7 volumes that are divided into 5 parts, in each part there is a “box” and according to its “nature”, the writing is adapted as an expression in itself of the intention of that stage. The narrative basis are the “boxes”, a device/concept capable of granting wishes, or more specifically, a way to get them, for example, if the wish was to have meat, the box would give you a cow and a knife. Ultimately it depends on the vocation and dedication of the person who used it, to get his wish. It is an obvious theme, about desires and the price willing to pay to get it. Throughout the course of the play, the halo of mystery about the origin or explanation behind the boxes or the nature of the antagonist is maintained, avoiding concise explanations in favor of defining and interacting with the characters, embracing how they relate to each other and their thinking, to understand the way they see and interact with the world. Each main character goes through an arc of overcoming or acceptance encompassed in the overall theme of desires. An observation that includes those who appear in more than one volume or those who only belong to the development of one part. Of course, those who have a longer time of appearance have more interesting arcs, even so, several of the secondary characters will have an effect on future parts, alleviating how anecdotal they may have been. By character and narrative arc we have a similar scheme, the box being the means for the character to not only take on the stubbornness to get his desire, but also must be used against the goals of the other characters. It is perfected each time it is used, achieving a story narratively consistent, coherent and with interesting symbolic elements for those who venture to give it meaning. It brokes in the individual analysis of each arc, or rather, the reader's predisposition of acceptance towards it, the so-called “suspension of disbelief”. Each character begins with tropes familiar to anyone who knows the medium, be it the earnest student, the playful childhood friend or the exotic transferee; and they evolve as you visualize through their facade, a depth usually accompanied by “dark” attributes, to represent that this character “was not what he or she appeared to be”. In other words, depending on your tastes, it could qualify as “edgy” and develop a certain bias against the narrative depending on your position on the subject. As the dimensionality of some characters is revealed, it will be within the reader's tolerance to remain immersed in the story, or to laugh if they already find the actions or thoughts ridiculous. It may seem contradictory, I have referred to consistency and coherence, while talking about a narrative thread that more than once lost me. And it is because there is a justified logic to its actions, however bizarre they may seem to me, the play does not “jump the shark”, on the contrary, the cracking of its stereotypes is controlled from volume to volume. Perhaps its biggest drawback is precisely that it takes itself quite seriously, with monologues and speeches along the lines of traumas and conspiracies. At the writing level, Eiji's main merit is the sense of rhythm, if you accept the proposal, you are at the mercy of a constant interest in knowing what will happen next, you could finish the volume in one sitting just for not giving in to not knowing what will happen. He also properly defines each character in how they interact, express themselves and think. Tetsuo's art is great for the covers of the volumes or prequel to the chapters, a very accurate visual representation of the problems and consequences of the boxes. The character designs on the other hand are pretty average in a bad way, none of them stick in the memory. Being another reason why only his writing is what brings him his fame. Utsuro no Hako to Zero no Maria is an addictive novel, with a defined theme and explored through its characters, it is in the way that according to the sensibilities of its reader can accept it to a certain extent, so I understand the discrepancy around its fame, between those who have it among their favorites and those who think the complete opposite. Español Primero una aclaración debido al tipo de obra: No soy alguien con experiencia en Novelas Ligeras, de hecho, la presente es la única que he finalizado porque si bien he leído tomos de otras series, son franquicias que todavía estoy leyendo. Mi equivalente en cuánto a experiencia de lectura es la literatura occidental, así que debido a carecer de un marco crítico específico para este tipo de novelas, los valores evaluados serán los mismos de un “libro cualquiera”. Si hay algo que particularmente lamente, es la inevitable “transformación de intención” debido a ser una doble traducción, de Japonés a Inglés, y de Inglés a Español, una observación sin la intención de desmeritar el trabajo de ninguno de los traductores. Es parte del lector hacer una aceptación de que la traducción tiene la mayor fidelidad a la fuente, de todas maneras, no me referiré a términos específicos a nivel de prosa. Utsuro no Hako to Zero no Maria es una novela ligera del autor Eiji Mikage con el dibujo de Tetsuo. Es particularmente famosa pese a no tener ninguna adaptación en anime, manga o siquiera Live Action. Lo primero a destacar es la estructura y presentación del escrito, la historia tiene 7 volúmenes que se dividen entre 5 partes, en cada parte hay una “caja” y conforme a su “naturaleza”, la escritura se adapta como expresión en sí misma de la intención de esa etapa. La base narrativa son las “cajas”, un dispositivo/concepto capaz de conceder deseos, o más específicamente, una forma de conseguirlos, por ejemplo, si el deseo fuera tener carne, la caja te daría una vaca y un cuchillo. En últimas depende de la vocación y dedicación de quién la utilizó, el conseguir su deseo. Es una temática evidente, sobre los deseos y el precio dispuesto a pagar por conseguirlo. Durante el transcurso de la obra se mantiene el halo de misterio sobre el origen o explicación detrás de las cajas o la naturaleza del antagonista, evitando explicaciones concisas a favor de la definición e interacción de los personajes, abarcando cómo se relacionan entre sí y su pensamiento, para entender la forma en que ven e interactúan con el mundo. Cada personaje principal atraviesa un arco de superación o aceptación englobado en la temática global de los deseos. Una observación que incluye a quienes aparecen en más de un volumen o quienes sólo pertenecen al desarrollo de una parte. Por supuesto, los que disponen con un mayor tiempo de aparición cuentan con arcos más interesantes, aún así, varios de los secundarios tendrán un efecto sobre futuras partes, aliviando lo anecdóticos que hayan podido llegar a ser. Por arco de personaje y narrativo tenemos un esquema similar, la caja siendo el medio para que el personaje no sólo asume la obstinación para conseguir su deseo, también debe valerse contra las metas de los demás personajes. Es perfeccionado cada vez que es utilizado, consiguiendo una historia narrativamente consistente, coherente y con interesantes elementos simbólicos para quien se aventure a darle significado. Resquebraja es el análisis individual de cada arco, o más bien, la predisposición de aceptación del lector hacia el mismo, la llamada “suspensión de incredulidad”. Cada personaje empieza con tropos conocidos para quien haya conozca el medio sean el estudiante serio, la amiga juguetona de la infancia o la exótica transferida; y evolucionan conforme se visualiza a través de su fachada, una profundidad usualmente acompañada de atributos “oscuros”, para representar que ese personaje “no era lo que aparentaba”. Dicho en otras palabras, dependiendo de tus gustos, podría calificarse de “edgy” y desarrollar cierto prejuicio contra la narrativa dependiendo de tu posición respecto al tema. Conforme se revela la dimensionalidad de algunos personajes, estará en tolerancia del lector seguir inmerso en la historia, o reírse por si ya le parece ridículas las acciones o pensamientos. Puede parecer contradictorio, me he referido a consistencia y coherencia, a la vez que hablo de un hilo narrativo que más de una vez me perdió. Y se debe a que existe una lógica justificada de sus acciones por estrambóticas que me parecieran, la obra no da un “salto de tiburón”, por el contrario, el resquebrajamiento de sus estereotipos está controlado de volumen a volumen. Puede que su mayor contra sea precisamente haberse tomado bastante en serio, habiendo monólogos y discursos en línea de traumas y conspiraciones. A nivel de escritura, el principal mérito de Eiji es el sentido del ritmo, si aceptas la propuesta, estás a merced de un constante interés por saber lo próximo a suceder, podrías terminar el volumen de una sola vez sólo por no ceder ante no saber qué pasará. También define apropiadamente a cada personaje en cómo interactúa, se expresa y piensa. El arte de Tetsuo es genial para las portadas de los volúmenes o previo a los capítulos, una representación visual muy acertada de los problemas y consecuencias a causa de las cajas. En cambio los diseños de personaje son bastante comunes en el mal sentido, ninguno se queda en la memoria. Siendo otra razón para que únicamente su escritura sea lo que le brinda su fama. Utsuro no Hako to Zero no Maria es una adictiva novela, con una temática definida y explorada por medio de sus personajes, es en la forma en que según las sensibilidades de su lector podrá aceptarlo hasta cierto punto, así que entiendo la discrepancia alrededor de su fama, entre quienes la tienen entre sus preferidas y los que opinan totalmente lo contrario.
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Jan 31, 2025
Oyasumi Punpun
(Manga)
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Mixed Feelings
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by "Norma Editorial" Punpun was published over 6 years, 2007 - 2013, becoming the most ambitious work that Asano had proposed until then, with the same thematic lines for which he is recognized. Its difference lay in the approach through the growth that only allows the hundred chapters instead of twenty, because its length allows not only to devote himself to the main points, but he can meddle in different tangents as he sees fit. Because in itself, Oyasumi can be considered “Asano on a grand scale”. ... It has the recognizable elements of the author being the continuous presence of symbols, “fantastic realism”, monologues, cynicism and hope. Of the most recognizable and associated with the work is precisely its protagonist, Onodera Punpun, who has two main details, his representation and lack of speech. In the first, Asano abstracts Punpun by representing him as a bird during most of his development, in the rest his representation is influenced by the events that are happening, being an interesting expression in itself of the state he is in. And his lack of speech is reinforcement of the manga's intent, an introspection into Punpun's life, from his childhood to his early youth. Even if we read what he says as thought clouds, for most of the time we will be reading his different thoughts, observations and reflections. It should be clarified that he is not the only protagonist, in the course of the narration the narrator character varies, they can be members of his family, friends or others who belong to a completely different narrative thread, but none will be given such a detailed introspection compared to Punpun, anyway, during that moment when they come to the foreground, space is dedicated to them about what they think, expect and act. In whatever narrative thread it is, Asano raises different symbols that he will use throughout the story and in different ways, my favorite is “Space” for the different connotations in which it is used, it is a concept of something real but in itself is abstract by the impossibility of touching it, and causes the memory of a childhood night where he saw a wide starry sky. We have other elements with their own interpretation based on how transcendental they are for the plot, be it imaginary friends, God, music or small rites, and several of them originate from that first phase of the story, childhood. It is my favorite section of the manga, maybe because of the presence of innocence and naivety, which gives way to the gradual discovery of the world, or because its tangent event that marks the end of the stage was especially painful to me for the sincerity that is presented (without delving deeper, it is the one that has to do with his mother). And it is explained because in my reading of Asano and my reflection about Punpun, I understand that when I most value and connect with his work is in the honesty, understood as a narrative devoid of artifice and complexities, not because I despise the effort in metaphors and visions, on the contrary, I like them, especially if they come from something I can connect and understand. Hence, once childhood was over, my appreciation for the work was diluted. I understand Asano's approach, it is a Coming of Age constituted by the difficulty of growing up and achieving without knowing how to do it, friendships are fragmenting, failures pile up, the future is threatening in its emptiness and only self-contempt grows when recalling childhood with its dreams and hopes. It is a theme that he had explored in his previous works, in ups and downs depending on each one, more familiar to him. In Punpun he extends this development but with two main aspects that I find incomprehensible, the final section of Punpun and its main narrative subthread. Let's start with the latter given its presence. The cult constitutes those chapters to which I refer in the negative sense with my note about sincerity, they are full of complex monologues and incomprehensible actions, which can be explained or understood through a dedicated reflection, is this exercise worthwhile? Because it still seems that they do not demonstrate or imply anything that has not been raised in, nor do I even have to refer to previous ones, the same work in a more concrete, coherent and interesting way. A secondary character is involved in this narrative thread and constitutes its best aspect, if it had been dedicated only to this one, I would understand such aspect and its role within the whole work, but it is not so, it is only one aspect of an excessively tangled compendium. And regarding the monologues, I understand when they happen in Punpun, that is, we all have our own extensive thoughts about the state of things, but not when they are presented as a dialogue. Especially when Asano at other times encapsulates feelings and complexity with one-liners in a perfectly pitched vignette, there is no need for the lengthy declamation. I appreciate Punpun's journey in almost its entirety, the tug of war between moving forward and giving up in a convulsive and impressionable stage, with its own reflections represented in the characters' actions such as allowing themselves to love again, the difficulty of making connections and the understanding of interests. Even if the situation could be excessively cynical at times, I understood it as that approach to depression and deprivation, and at the same time it advanced the value of moving on. The last stage is where it dives excessively into cynicism and madness, excusing the protagonist's mental state or depression is a reader's choice, but I found it counterproductive to the development up to that point, tarnishing the effort of the other parallel narrative thread about the contrast in how we perceive ourselves and how others perceive us. The drawing aspect is Asano's talent at its most “Asano” mode up to that point. It's comical how different Punpun's appearance is from the rest, but it doesn't clash, it's quickly assimilated and accustomed to. Apart from his double or full pages of only one panel where he usually shows off his imagination by representing with abstractions the complexity of feelings, there is also his more general approach, in dialogues where every detail of the character reflects part of that feeling inscribed in his sentences. Or of course, those where he doesn't even use conversation, only the actions of his characters, looks and absences. It is a manga full of genius in that style, even those moments that I deny the nonsense of their conversations, have a touch of creativity and liveliness of the author. Several by themselves and based solely on the detail and composition, deserve to be among the best panels of the work. As is his miscellaneous presentation of different styles represented in Punpun himself, or in other characters or objects with some more cartoonish touches, some being more realistic amidst his own “touch”. In this sense, Asano embraces manga in a way he had never done before, understanding the possibilities of the medium, and using it. A conflicted feeling leaves me with Punpun although not for what could be expected, I appreciate several elements that conform it and concrete sections of the story, but I confess that given its renowned fame I did expect something “more”. Instead, its last chapters tasted less and less to me, and although I was delighted to see again that symbol I mentioned as my favorite, I was not going to undo or compensate my own feelings about it. Español Punpun se publicó a lo largo de 6 años, 2007 - 2013, convirtiéndose en la obra más ambiciosa que había planteado Asano hasta ese entonces, eso sí, con las mismas líneas temáticas por las que se le reconoce. Su diferencia yacía en el abordaje a través del crecimiento que sólo permite la centena de capítulos en vez de una veintena, porque su duración da para no sólo dedicarse a los puntos principales, sino que puede inmiscuirse en diferentes tangentes según le parezca. Porque en sí, Oyasumi puede considerarse como “Asano en gran escala”. Tiene los elementos reconocibles del autor sean la continua presencia de símbolos, “realismo fantástico”, monólogos, cinismo y esperanza. De los más reconocibles y asociados a la obra es precisamente su protagonista, Onodera Punpun, quien tiene dos principales detalles, su representación y falta de habla. En el primero, Asano abstrae a Punpun al representarlo como un ave durante la mayoría de su desarrollo, en el resto su representación se ve influenciada por los sucesos que están aconteciendo, siendo una interesante expresión en sí misma del estado en que se encuentra. Y su falta de habla es refuerzo de la intención del manga, una introspección en la vida de Punpun, desde su infancia hasta sus primeros años de juventud. Aún si leemos lo que dice a modo de nubes de pensamiento, durante la mayoría del tiempo estaremos leyendo sus diferentes pensamientos, observaciones y reflexiones. Cabe aclarar que no es el único protagonista, en el transcurso de la narración varía el personaje narrador, pueden ser miembros de su familia, amigos u otros que pertenecen a un hilo narrativo completamente diferente, más a ninguno se le brindará una introspección tan detallada a comparación de Punpun, de todas maneras, durante ese momento en que pasen a primer plano, se les dedica el espacio acerca de lo que opinan, esperan y actúan. Sea en el hilo narrativo que sea, Asano plantea diferentes símbolos que va a utilizar a lo largo de la historia y de diferentes maneras, mi preferido es “El Espacio” por las diferentes connotaciones en que es utilizado, es un concepto de algo real pero en sí es abstracto por la imposibilidad de tocarlo, y provoca el rememorar una noche de la infancia donde vió un amplio cielo estrellado. Contamos con otros elementos con su propia interpretación a partir de lo trascendentales que sean para la trama sea amigos imaginarios, Dios, música o los pequeños ritos, y varios se originan de esa primera fase de la historia, la infancia. Es mi sección preferida del manga, puede que por la presencia de inocencia e ingenuidad, que da paso al descubrimiento gradual del mundo, o porque su suceso tangente que marca el final de la etapa me fue especialmente doloroso por la sinceridad que es presentado (sin profundizar, es el que tiene que ver con su madre). Y se explica porque en mi lectura de Asano y mi reflexión acerca de Punpun, entiendo que cuándo más valoro y conectó con su obra es en la honestidad, entendiéndose como una narración desprovista de artificios y complejidades, no porque desprecie el esfuerzo en metáforas y visiones, al contrario, me gustan, especialmente si provienen de algo en que pueda conectar y entender. De ahí que una vez terminada la infancia se diluía mi apreciación hacia la obra. Comprendo el enfoque de Asano, es un Coming of Age constituido por la dificultad de crecer y conseguir sin saber cómo hacerlo, las amistades se van fragmentando, se apilan los fracasos, el futuro es amenazador en su vacuo y sólo crece el auto desprecio al rememorar la infancia con sus sueños y esperanzas. Es una temática que había explorado en sus obras previas, en resultados altibajos dependiendo de cada cuál, más conocida por él. En Punpun se extiende ese desarrollo pero con dos aspectos principales que me resultan incomprensibles, el tramo final de Punpun y su principal subhilo narrativo. Empecemos por este último dada su presencia. El culto constituye esos capítulos a los que me refiero en el sentido negativo con mi apunte acerca de la sinceridad, están repletos de monólogos complejos y acciones incomprensibles, que sí bien pueden explicarse o entenderse a través de una dedicada reflexión ¿Acaso vale la pena ese ejercicio? Porque igual parece que no demuestran ni implican nada que no haya sido planteado en, ni siquiera tengo que referirme a previas, la misma obra en una forma más concreta, coherente e interesante. Un personaje secundario está inmiscuido en esté hilo narrativo y constituye su mejor aspecto, de haber sido dedicado únicamente hacia este, comprendería tal aspecto y su rol dentro de toda la obra, más no es así, sólo es un aspecto de un compendio excesivamente enmarañado. Y referido a los monólogos, comprendo cuando suceden en Punpun, es decir, todos tenemos nuestros propios pensamientos extensos acerca del estado de las cosas, más no cuando se presentan a modo de diálogo. Sobre todo cuando Asano en otros momentos encapsula sentimientos y complejidad con frases puntuales en una viñeta perfectamente planteada, no hay necesidad del largo declamar. El camino de Punpun lo valoro en casi su totalidad, el tira y afloja entre avanzar y rendirse en una etapa convulsa e influenciable, cuenta con sus propias reflexiones representados en el actuar de los personajes como permitirse amar otra vez, la dificultad de hacer conexiones y el entendimiento de intereses. Aún si la situación podía ser excesivamente cínica a momentos, lo comprendía por ser ese abordaje acerca de la depresión y privación, además de que en forma paralela se avanzaba acerca del valor de continuar. La última etapa es donde se sumerge excesivamente en el cinismo y locura, excusarse en el estado mental del protagonista o la depresión es una decisión del lector, más me ha resultado contraproducente con el desarrollo hasta ese momento, empañando el esfuerzo del otro hilo narrativo en paralelo acerca del contraste en cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos percibe el resto. El aspecto del dibujo es el talento de Asano en su modo más “Asano” hasta entonces. Resulta cómica la diferencia entre el aspecto de Punpun con el resto, pero no desentona, es rápidamente asimilado y acostumbrado. Aparte de sus páginas dobles o completas de únicamente un panel donde usualmente hace alarde de su imaginación por medio de representar con abstracciones la complejidad de los sentimientos, también está su planteamiento más general, en diálogos donde cada detalle del personaje refleja parte de ese sentimiento inscrito en sus frases. O por supuesto, aquellos donde ni siquiera utiliza conversación, únicamente las acciones de sus personajes, miradas y ausencias. Es un manga repleto de genialidad en ese estilo, incluso esos momentos que reniego por el despropósito de su conversaciones, tienen un toque de creatividad y viveza del autor. Varios por sí sólos y basados únicamente en el detalle y composición, merecen estar entre los mejores paneles de la obra Como también es su presentación miscelánea de diferentes estilos representado en el mismo Punpun, o en otros personajes u objetos con algunos toques más cartoon, unos siendo más realistas en medio de su propio “toque”. En ese sentido Asano abraza como no lo había hecho ser un manga, entendiendo las posibilidades del medio, y utilizándolo. Una sensación conflictuada me deja Punpun aunque no por lo que podía esperarse, aprecio varios elementos que le conforman y secciones concretas de la historia, más confieso que dada su renombrada fama si esperaba algo “más”. En cambio, sus últimos capítulos cada vez me sabían a menos, y aunque me encantó volver a ver ese símbolo que mencioné como mi favorito, no iba a deshacer ni compensar mis propios sentimientos al respecto.
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Jan 24, 2025
Sanpakugan-chan wa Tsutaetai.
(Manga)
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English
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL) The version read is the Spanish translation by Oppenheimer. The series is originally uploaded on the artist's Twitter until it receives a serialization, hence it is quite short in length in general and in the same chapter, on average each one doesn't exceed 10 pages. Its core remained constant throughout its story, cute reactions from its leading couple to inspire tenderness in the reader. When reading the first chapters you know what you are getting into, it is an idealization sustained in tender expressions, in the course of the episodes there will be no ... deepening or complexity beyond a few obstacles in the establishment of their relationship, which are resolved almost immediately, in line precisely to get to the “important”, continue to enjoy their funny reactions. It should be noted that it is not only the girl who has these reactions, the boy is not exactly a perfect guy, on numerous occasions he will also have some monologues to highlight his doubts as well as being just as expressive. Even when the couple has numerous advances in the course of the story, each of these new steps is still accompanied by those marked blushes. The drawing is simple in approach and detail, there are no particularly outstanding panels for positioning alone, the main thing is the reactions, which even being the same in terms of intention do vary in expression, relieving a little wear and tear. It should be noted that several chapters are in color in pastel tones, achieving a nice finish, in line with the intention of the work. Yet there is a difference between a series seen on twitter occasionally, or in a magazine on a weekly basis, than in a continuous reading. Its main feature is readily assumed and its more feasible to end up exhausted of the same idea presented in the same way, even if it has some variations in its presentation and context. I especially consider it a pity that it had not been reused, from time to time, its idea present in the title, the “Sanpaku” eyes. They constitute a certain Asian myth that for the purposes of the narrative is simplified as “scary”, and it's so during the first episodes, but in the course the idea is completely left behind, wasting what would have been a welcome comic relief for one or another episode. Its lessons get down to shoujo platitudes, about loving while thinking about the present rather than dwelling on what may be in the future, reflections you're used to if you frequent the genre, but this time accompanied by some especially amusing and heartwarming reactions. Spanish La serie originalmente es subida en el Twitter del dibujante hasta que recibe una serialización, de ahí que sea bastante corta de duración en general y en el mismo capítulo, en promedio cada cuál no supera las 10 páginas. Su núcleo se mantuvo constante a lo largo de su historia, reacciones lindas por parte de su pareja protagónica para inspirar ternura en el lector. Al leer los primeros capítulo sabes a lo que estás entrando, es una idealización sostenida en tiernas expresiones, en el transcurso de los episodios no habrá profundización ni complejidad más allá de algunos cuántos obstáculos en el establecimiento de su relación, los cuáles son resueltos casi de inmediato, en línea de precisamente llegar a lo “importante”, seguir disfrutando de sus divertidas reacciones. A destacar que no es únicamente la chica quien tiene esas reacciones, el chico no es exactamente un galán perfecto, en numerosas ocasiones también tendrá algunos monólogos para resaltar sus dudas además de ser igual de expresivo. Aún cuando la pareja tiene numerosos avances en el transcurso de la historia, cada uno de esos nuevos pasos sigue acompañado de esos marcados sonrojos. El dibujo es sencillo en planteamiento y detalle, no hay paneles especialmente destacables por sólo posicionamiento, lo central son las reacciones, que aún siendo la misma en cuánto a intención sí varían en expresión, aliviando un poco el desgaste. A destacar que varios capítulos están a color en tonos pasteles, consiguiendo un bonito acabado, en línea con la intención de la obra. Aún así hay una diferencia entre una serie vista en twitter de forma ocasional, o en una revista de manera semanal, que en una lectura continua. Su principal característica es prontamente asumida y es más factible terminar agotado de la misma idea presentada de la misma forma, aún si tiene algunas variaciones en su presentación y contexto. Especialmente considero una lástima que no hubiese sido reutilizado, de vez en cuándo, su idea presente en el título, los ojos “Sanpaku”. Constituyen cierto mito asiático que a efectos de la narrativa es simplificado como “aterradores”, y es así durante los primeros episodios, más en el transcurso la idea es completamente dejada atrás, desperdiciando lo que hubiese sido un agradecible alivio cómico para uno que otro episodio. Sus lecciones llegan a los lugares comunes del Shoujo, sobre amar pensando en el presente en vez de atormentarse en lo que tal vez será un futuro, reflexiones que estás acostumbrado si frecuentas el género, pero está vez acompañadas unas, especialmente, divertidas y enternecedoras reacciones.
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Dec 6, 2024
Take On Me
(Manga)
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The following review it's in Spanish and English (translated with the support of DeepL).
The version read is the English Translation by “Mangaerotica” The most recognized work of Sesshuu Takemura, and one of the most recognized in English for having been promptly translated during the 2000s. It may not seem particularly “outstanding” now in drawing or theme compared to similar works, however, at the time of its translation it did stand out from other contemporary works in both fields, which is why it was given this special recognition. Starting from its theme, there is an interesting dynamic, the protagonist couple is a tall athletic girl and a short ... studious boy, their only common characteristic is their perversion, which will lead them to a relationship of exploration of fetishes and interests. The approach is effective and developed enough, both reaffirming their feelings, and being open towards what they want to experience, and since it's a hentai manga, it has that freedom to explicitly present what would be impossible in a traditional way. Nor is it a treatise on sexuality or similar, it simply has a theme that encompasses all its characters, that “perverted sexual” interest as an opportunity to present different fetishes and situations. Constituting another plus point, given the subject matter, there is effort by Sesshu in the variety of approach, and then translating it to the drawing. Thanks to its little more than two decades of publication, you can easily find it uncensored, which favors the drawing (and enjoyment). Apart from the sexual scenes, there are other different situations presented, where Takemura shows his skill and potential that he would have had in a “traditional” manga, including a few panels in the best Spokon style and others reminiscent of a romantic comedy. But where his dedication stands out the most is in the sequences dedicated to sex, in the design of his female characters, the illustrations are great, the act of the moment with its different expressions, and even when he includes more characters, the sense of what is happening isn't lost. There is no major shortcoming except for having dedicated a little more narrative to the main couple in terms of trust and exploration of their interests, instead, during the second part more characters are introduced with no greater value than to present new fetishes and other possibilities. Although it in turn aligns with the main intention of the manga, I still find it a pity that it would not have taken advantage of the story's foundations to have enriched its thematic ideas. Anyway if devotes a great sequence to gather all those points mentioned in a nice declaration of love that, again, wouldn't have that same impact in a traditional manga due to having to limit itself. In the freedom that allows it to be pornographic, it reminds us that attraction to another in a couple also has a sexual component of exploration, understanding and enjoyment. Español La obra más reconocida de Sesshuu Takemura, y de las que fue de las más reconocidas en inglés por haber sido prontamente traducida durante los 2000s. Puede que ahora no parezca especialmente “destacable” en dibujo o temática comparando contra similares, sin embargo, en el momento de su traducción si se distanciaba de otras contemporáneas en ambos campos, de ahí que se le brindará ese especial reconocimiento. Partiendo de su temática, hay una interesante dinámica, la pareja protagónica es una chica alta atlética y un chico bajo estudioso, su única característica en común es su perversión, lo que les llevará a una relación de exploración de fetiches e intereses. El planteamiento es efectivo y se desarrolla lo suficiente, ambos reafirmando sus sentimientos, y siendo abiertos hacia aquello que quieren experimentar, y dado que es un manga hentai, tiene esa libertad de presentar explícitamente lo que sería imposible de forma tradicional. Tampoco es un tratado sobre la sexualidad o similares, sencillamente tiene una temática que engloba a todos sus personajes, ese interés “pervertido sexual” como una oportunidad para presentar diferentes fetiches y situaciones. Constituyendo otro punto a favor, dada la temática, hay esfuerzo de Sesshu en la variedad de planteamiento, y luego trasladarlo al dibujo. Gracias a su poco más de dos décadas de publicación, lo puedes encontrar fácilmente sin censura, lo que le favorece al dibujo (y al disfrute). Aparte de las escenas sexuales, hay otras diferentes situaciones presentadas, donde Takemura demuestra su habilidad y potencial de que hubiera tenido en una manga “tradicional”, incluyendo unos cuántos paneles al mejor estilo de un Spokon y otros que recuerdan a una comedia romántica. De todas maneras, en donde mejor resalta su dedicación no podía ser otro que en las secuencias dedicadas al sexo, sea en el diseño de sus personajes femeninos, son geniales las ilustraciones, el acto del momento con sus diferentes expresiones, y aún cuando incluye a más personajes no se pierde el sentido en lo que está sucediendo. No hay mayor carencia a excepción de haber dedicado un poco más de narrativa a la pareja principal en los términos de confianza y exploración de sus intereses, en vez de eso, durante la segunda parte se presentan más personajes sin mayor valor que presentar nuevos fetiches y otras posibilidades. Aunque a su vez se alinea con la intención principal del manga, aún así me parece una lástima que no hubiese aprovechado las bases de la historia para haber enriquecido sus ideas temáticas. De todas formas si dedica una gran secuencia a reunir todos esos puntos mencionados en una bonita declaración de amor que, nuevamente, no tendría ese mismo impacto en un manga tradicional debido a tener que limitarse. En la libertad que le permite ser pornografica, recuerda que la atracción a un otro en una pareja también hay un componente sexual de exploración, entendimiento y disfrute.
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Nov 29, 2024
20th Century Boys
(Manga)
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Mixed Feelings
The following review also includes the sequel “21th Century Boys”, since in my opinion, it is not a sequel in the strict sense of the definition, but rather corresponds to the last two volumes of the story published as an epilogue.
It is in Spanish and English (translated with the support of DeepL). The version read is the one licensed by “Planeta DeAgostini Cómics”. English If there is a particularly remarkable element in Urasawa's acclaimed story, it's the invitation to the reader to make an effort to unveil its mysteries, few similar works come to mind in this regard and most of them are visual novels. A tangent ... aspect in the same but that arouses interest in those who are fans of collecting clues and clues to make conjectures. Once the reading is over, I invite you to search the internet for the numerous fan theories about the central mystery of the story “Who is a friend? However, although that denotes skill in the writer, it could only be the central element when the work is exclusively addressed to the writer, i.e., the presence of an elaborate mystery doesn't in itself supplement a thematic approach by means of its characters. And in that section Naoki delivers... as far as you are willing to make concessions. The story is complex in presentation and narrative, stretching over 3 decades with different characters in their own arcs that occasionally intersect. Still, most have the same particular element in common, childhood, a high school summer where different memories were forged that will have an unforeseen effect on the future, linking them back together to strive to unravel the sequence of events. And that is where the first “acceptance” by the reader begins. The story is presented with verisimilitude from its drawing or in its different dilemmas, which facilitates the acceptance of its implausible premise, about a world conquest based on tricks and gimmicks, in which apart from a few main characters, few perceive the deception or take it as a threat. True, the latter implies making the plot even more complex without providing any purpose, but as part of the premise that it is, I accept it to be the narrative starting point. What I don't quite agree with is the fortuitous connection of almost every character to the protagonist, Kenji. Numerous times someone who is introduced is revealed to have made contact with him at a certain point for some reason, it could be put down to some thematic idea of “how someone normal can influence so many people”, but if so, we already have the other recurring characters making that position clear on a constant basis. There was no need to use those other secondary characters for the same purposes, notable to the contrast of the other secondary characters present in different contexts and reasons that do contribute to a more globalized view of the scope of events. Nor have I been a fan of his sense of rhythm, I clarify that this is the first work I read by Naoki, my other connection with his work is the Monster anime, one of my favorites, so I don't know if he usually works like this. I refer to the almost abuse of the cliffhanger to keep the interest, what at the beginning absorbs the reading and invites to continue reading, tires in the long run, especially when it is not solved immediately but is continued with some time jump or narrative and will not be mentioned until 20 chapters later where, in addition, it will be subtracted from importance. It's true that this positioning of pieces is what manages to build its mystery, it has been the repetition of the artifice that ends up detracting value, noticing even more when being close to its end is still presented and through another abused resource, the flashback of the sudden memory of something that was and had not been remembered until that particular moment. And it can be accepted as coherent, again it is up to the reader to make that acceptance or not. These shortcomings were a burden to a set of elements with marked potential, the set of characters each has an arc and idea, although not all end up reaching port, it is understandable given its narrative ambition. The general sense of the narrative falters, even though I can appreciate the approach on responsibility and how someone common can inspire others, in certain characters where it should be evident, Urasawa gave more importance to the construction of the mystery, so contrary to close plots and provide a connection, it opens some mystery, another prophecy, a new misunderstanding. A constant promise that is never fulfilled. There are three other interesting aspects of the work. The first is the verisimilitude of its narrative being a point of contrast to the events, there are several “supernatural” facts in the story whether psychic powers or predictions of the future, which constitute another point of interest that fans can argue about how real is what is presented. For the purposes of the narrative they are approached as trickery and deception, although at certain particular moments they are taken as real by the characters and even used to their advantage, so the story has an unbiased stance on them. Due to Naoki's characterization of the bygone era and by a couple of other characters, there is some homage to the manganime of his childhood. It's nice to see mention of the shows, series and authors that built the foundations of the industry, and that surely influenced him to pursue writing stories himself. And given the events of the story it also serves the purpose of reflecting how the programs we watched as children are capable of influencing us all our lives. In the same vein, the story provides a tribute to music, be it Rock, Enka or the simple act of singing for the sake of it, in the sense of expression and individuality. It takes center stage during the final phase of the story, yet I consider it halfway through what could have been a stronger message. Again, the eagerness to construct a mystery got in the way of what would have been a valuable reflection. Although there are other considerable aspects of “addressed”, I consider them to be used for the purpose of the topics already mentioned, such as bullying, sense of belonging or biological experimentation. In any case, they are correctly treated for their respective moments, and because not necessarily every element in a story must lead to a reflection of it. And then there's the cult of personality addressed through contrast, obviously it's friend who comes to mind, yet we have Kenji right there. Kenji is “Friend” to his friends. So readings and observations can be made according to the events reflecting a thematic intention, to know if intentional, whose depth is again proposition of the one who analyzes and the reader. What I can not leave in doubt is Urasawa's talent in the construction of tension, there are particular moments of the story that have a fundamental importance in the narrative and are those who best exhibit this quality, whether in the present or past, are made up of different character points, and the omission of information in the particular moment to wrap it with even more expectation before the next panel, constituting the sequences of events that will be remembered by his fans. I emphasize that I value this dedication in specific moments of the narrative that, given their importance, deserved this narrative presentation, unlike other less transcendent ones that wear out the artifice and accustom us to surprise. Being my first work read by the author, along with admiration for his writing, I can add his drawing along with the sense of illustration and movement. He knows when to include wide panels to emphasize the moment, to focus on the facial expression of a character, to represent the character in the middle of the scene, not wasting any element in the panel but all of them are directed to what he wants to be that scene. And by this sense of action he manages to represent the tension he is planning. Ultimately, my opinion is in the convergence of different elements that I highly appreciate, be it its drawing, the homage to the time when the manganime industry was consolidated, the power of music or the consequences of our actions, in front of a mystery and the need for tension that takes precedence over the characters, logic or having given us a more meaningful reflection. Spanish Si hay un elemento especialmente destacable en la aclamada historia de Urasawa es la invitación al lector en esforzarse en develar sus misterios, pocas obras similares se me ocurren al respecto y en su mayoría son novelas visuales. Un aspecto tangente en las mismas pero que despierta interés en quienes son fanáticos de recopilar pistas e indicios para realizar conjeturas. Una vez finalizada la lectura invito a buscar por internet las numerosas teorías de los fanáticos acerca del misterio central de la historia “¿Quién es amigo?”. Sin embargo, aunque aquello denote habilidad en el escritor, sólo podría ser el elemento central cuando la obra está exclusivamente dirigida al mismo, es decir, la presencia de un elaborado misterio no suple por sí misma un abordaje temático por medio de sus personajes. Y en ese apartado Naoki cumple… hasta donde estés dispuesto a realizar concesiones. La historia es compleja en presentación y narrativa, se extiende a lo largo de 3 décadas con diferentes personajes en sus propios arcos que se entrecruzan ocasionalmente. Aún así, la mayoría tienen el mismo elemento en particular en común, la infancia, un verano de secundaria donde se forjaron diferentes recuerdos que tendrán un efecto imprevisto en el futuro, volviendo a enlazarlos para esforzarse en desvelar la secuencia de acontecimientos. Y es ahí donde se parte en la primera “aceptación” por parte del lector. La historia es presentado con verosimilitud desde su dibujo o en sus diferentes dilemas, lo cuál facilita que se acepte su premisa tan inverosímil, acerca de una conquista mundial a partir de artimañas y trucos, en el que aparte de unos pocos personajes principales, pocos perciban el engaño o le tomen de amenaza. Cierto que lo último implica complejizar todavía más la trama sin brindar algún propósito, y como parte de la premisa que es, la acepto para ser el punto narrativo de partida. Con lo que no termino de comulgar es la conexión fortuita de casi cada personaje hacia el protagonista, Kenji. Numerosas veces alguien que es introducido se revela que en cierto momento por alguna razón estableció contacto con el mismo, podría achacarse a alguna idea temática de “como alguien normal puede influir a tantas personas”, pero de serlo, ya tenemos a los otros personajes recurrentes dejando en clara esa posición de forma constante. No había necesidad de utilizar a esos otros secundarios para los mismos propósitos, notable al contraste de los otros secundarios presentes en diferentes contextos y razones que sí aportan a una visión más globalizada del alcance de los sucesos. Ni tampoco he sido fanático de su sentido del ritmo, aclaro que está es la primera obra que leo de Naoki, mi otra conexión con su trabajo es el anime de Monster, uno de mis preferidos, por ende no conozco si así trabaja normalmente. Me refiero al casi abuso del Cliffhanger para mantener el interés, lo que al principio absorbe a la lectura e invita a seguir leyendo, cansa a largo plazo, especialmente cuando no es resuelto de inmediato sino que es continuado con algún salto temporal o de narrativa y no será mencionado hasta dentro de 20 capítulos en donde, además, se le restará de importancia. Bien es cierto que ese posicionamiento de piezas es lo que consigue construir su misterio, ha sido la repetición del artificio lo que le termina restando valor, notándose todavía más cuándo estando cerca de su final se sigue presentando y a través de otro recurso abusado, el flashback del recuerdo repentino sobre algo que fue y no había sido recordado hasta ese momento particular. Y puede ser aceptado como coherente, nuevamente depende del lector realizar o no esa aceptación. Estos defectos fueron lastres a un conjunto de elementos con marcado potencial, el conjunto de personajes tiene cada cuál un arco e idea, si bien no todos terminan de alcanzar puerto, es comprensible dada su ambición narrativa. De flaquear es en el sentido general de la narrativa, aún cuando puedo apreciar el abordaje sobre la responsabilidad y en que alguien común puede inspirar a los demás, en ciertos personajes donde debería ser evidente, Urasawa le brindó más importancia a esa construcción del misterio, así que contrario a cerrar tramas y brindar una conexión, abre algún misterio, otra profecía, un nuevo malentendido. Es una constante promesa que nunca se cumple. Hay otros tres aspectos interesantes en la obra. El primero es la verosimilitud de su narrativa siendo punto de contraste a los sucesos, hay varios hechos “sobrenaturales” en la historia sean poderes psíquicos o predicciones del futuro, lo cuales constituyen otro punto de interés del que pueden discutir sus fanáticos acerca de qué tan real es aquello presentado. Para los efectos de la narrativa son abordados de truco y engaño, aunque en ciertos momentos particulares son tomados de verdaderos por los personajes e incluso los usan a su favor, así que la historia tiene una posición imparcial respecto a los mismos. Debido a la caracterización de Naoki de la época pasada y por otro par de personajes, hay cierto homenaje al manganime de su infancia. Es agradable ver la mención a los programas, series y autores que construyeron los cimientos de la industria, y que seguramente le influyeron a él mismo a dedicarse a escribir historias. Y dados los sucesos de la historia también sirve al propósito de reflejar cómo los programas que veíamos cuando niños son capaces de influirnos toda la vida. En la misma línea, la historia brinda un homenaje a la música, sea el Rock, Enka o el simple acto de cantar por el bien de hacerlo, en sentido de expresión e individualidad. Toma protagonismo durante la fase final de la historia, aún así le considero a medio término de lo que podría haber sido un mensaje más contundente. Nuevamente, el afán en la construcción de un misterio se interpuso de lo que hubiese sido una valiosa reflexión. Pese a que hay otros aspectos considerables de “abordados”, los considero de utilizados para el propósito de las temáticas ya mencionadas, estando el Bullying, sentido de la pertenencia o la experimentación biológica. De todas maneras me son correctamente tratados para sus respectivos momentos, y porque no necesariamente cada elemento en una historia deba conllevar hacia una reflexión del mismo. Y también está el culto de la personalidad abordado a través del contraste, evidentemente es amigo quien nos viene a la mente, sin embargo, tenemos a Kenji ahí mismo. Kenji es “Amigo” para sus amigos. Así que pueden realizarse lecturas y observaciones según los sucesos reflejando una intención temática, a saber si intencional, cuya profundidad es nuevamente proposición de quien analiza y del lector. Lo que si no puedo dejar en duda es el talento de Urasawa en la construcción de tensión, hay momentos particulares de la historia que tienen una importancia fundamental en la narrativa y son quienes mejor exhiben está cualidad, sea en el presente o pasado, están conformados por diferentes puntos de personaje, y la omisión de la información en el momento particular para envolverlo de todavía más expectativa ante el siguiente panel, constituyendo a la secuencias de sucesos que serán recordadas por sus fanáticos. Recalco que valoro esta dedicación en momentos puntuales de la narrativa que dada su importancia se merecían esta presentación narrativa, a diferencia de otros menos trascendentes que desgastan el artificio y nos acostumbran a la sorpresa. Siendo mi primera obra leída del autor, a la par que la admiración por su escritura, puedo sumar su dibujo junto al sentido de la ilustración y el movimiento. Sabe cuándo incluir paneles amplios para enfatizar el momento, enfocarse en la expresión facial de un personaje, representar al mismo en medio del escenario, no desperdiciar ningún elemento en el panel sino que todos están dirigidos a lo que quiere ser esa escena. Y por este sentido de la acción consigue representar esa tensión que planifica. En últimas mi opinión está en la convergencia de diferentes elementos que tengo en alto aprecio sea su dibujo, el homenaje hacia la época que se consolida la industria de manganime, el poder de la música o las consecuencias de nuestras acciones, frente a un misterio y necesidad de tensión que se antepone a los personajes, lógica o el habernos brindado una reflexión más significativa.
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Oct 18, 2024
Banana Fish
(Manga)
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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Deco Woo and Lyrica-chan of “Heart of Gold” While quickly assumed, the viewer should think more about the interesting decision to set the story in New York. The author, Akimi Yoshida, did a great job in depicting the location, to the point that it doesn't even seem foreign or exotic to the reader, that's how natural the narrative feels. Beyond being part of a Japanese fascination with the United States characteristic of that time, well demonstrated in the cartoonist's interests, for example in her first ... work (California History), it would be a decision that would highlight the work in multiple streams. It's not the space of this review to address what it meant for the definition and evolution of Shojo to Shonen or Boys Love, I just want to emphasize that part of that historical importance lies in the decision to place the story in the capital of the world because it allowed her to use elements that otherwise would not be there, the most important is the strong presence of gangs. The gangs are the backbone of the narrative, each one is ethnic, marking a clear differentiation between them that give the guideline to establish relationships in declared conflict or tense peace, being an ideal scenario in which to address the main values of the work: Loyalty, duty or tolerance. The “street” aspect of the city is built, which is only the basis of a broad framework with police, special forces, mafia or press, with diffuse relationships between them. New York is consolidated not only through the appearance of the tourist spots, but among the forces that seek to control the city in their own way, constituting that real, dangerous and invisible aspect for the ordinary citizen. Corresponding to the darkness of this presentation, the different situations related are born in this moral corruption such as drug distribution, child trafficking, murder or blackmail. An atmosphere that to be explored in its different facets should have characters corresponding to what wants to be told, and indeed, Yoshida did a fantastic job defining the characters that rule or seek to control the city, they are not only despicable, they have complexity in that evil. And in highlighting the conceptualization of the characters, the main duo, Ash and Eiji, can't be omitted. Ash's character building alone is admirable, there is a dichotomy between who he seems to be and who he is, which unfolds along the story. I could write multiple adjectives and admirations, however, I consider it more valuable if the reader discovers his multiple facets, as Eiji does. Eiji at first seems to be the observation from the viewer, but like Ash, he also evolves, in a reverse sense it could be qualified to some extent. The chemistry between the two is the unconditional platonic complement to each other, a relationship in which weakness and strength coexist, resonating with the other themes of forgiveness, acceptance of the past and love. If there is a lesson that perhaps encompasses the different reflections of its development it would be: The past does not define who you will be in the future, there is freedom in deciding what you want to be and how you want to act, to escape the cycle you are confined to you need courage to love and accept the love of others; a warm message in the midst of its dark presentation of corruption, power and subjugation. Its main negative aspect is related to the pacing of the story and a narrative whose last quarter feels unnecessarily drawn out, with a repeated “X rescuing Y” dynamic, with Y now being captured to be rescued by X. It brings other consequences, especially in the appearance of new characters with no greater transcendence than being an obstacle, contributing little to the thematic idea compared to the others. Likewise, its ambition works against it at certain points, with the mention of so many dynamics and conspiracy within a conspiracy, facts of importance at the beginning are barely mentioned towards the end, and others become a mere formality to get to another development or revelation. It has a very recognizable drawing, and again, with importance at the time by the transition of a more dynamic and action-focused style than the usual similar works of other authors. While most of it's made up of panels positioned for action or conversations, there are the occasional exceptions solely dedicated to reflecting the character's emotion through their expression or positioning. I must also highlight her character design, it reinforces that New York ethnic variety that has so much importance within the story. And clearly, Ash's physical characterization is vital to his conceptualization as a character, especially when contrasted with Eiji's common and integral appearance. Banana Fish deserves its historical recognition, it is a solid story with an engaging setting and a multitude of secondary characters with unique motivations and personalities. Although it lasts longer than it should, redounding in the chain of events and learned reflections, once you reach the last panel you know you will remember such a unique story, the lesson that no one but yourself should dictate the future that awaits you will resonate with you. Español La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL) La versión leída es la traducción al español por Deco Woo y Lyrica-chan de “Heart of Gold” Si bien es rápidamente asumido, el espectador debería pensar más acerca de la interesante decisión de ubicar la historia en New York. La autora, Akimi Yoshida, realizó un gran trabajo en la representación de la locación, al punto que ni siquiera al lector le parece extraño o exótico, así de natural se siente la narrativa. Más allá de ser parte de una fascinación Japonesa por Estados Unidos característico de ese momento, bien se demuestra en los intereses de la dibujante, por ejemplo en su primer trabajo (California History), sería una decisión que destacaría a la obra en múltiples corrientes. No es espacio de esta reseña abordar qué significó para la definición y evolución en el Shojo a Shonen o Boys Love, sólo quiero recalcar que parte de esa importancia histórica reside en esa decisión de situar la historia en la capital del mundo porque le permitió utilizar elementos que de otra forma no estarían, la más importante es la marcada presencia de bandas. Las bandas constituyen la columna vertebral de la narrativa, cada una es étnica, marcando una clara diferenciación entre sí que dan la pauta para establecer relaciones en declarado conflicto o tensa paz, siendo un escenario ideal en que abordar los principales valores de la obra: Lealtad, deber o tolerancia. Se construye el aspecto “callejero” de la ciudad que es sólo la base de un amplio entramado con policías, fuerzas especiales, mafia o prensa, con difusas relaciones entre los mismos. New York se consolida no sólo a través de la aparición de los puntos turísticos, sino entre las fuerzas que buscan controlar la ciudad a su manera, constituyendo ese aspecto real, peligroso e invisible para el ciudadano corriente. Correspondiendo a la oscuridad de esa presentación, las diferentes situaciones relatadas se encuentran nacidas en esa corrupción moral como son la distribución de drogas, tráfico de menores, asesinatos o chantajes. Una atmósfera que para ser explorada en sus diferentes facetas debía contar con personajes correspondientes a lo que quiere ser contado, y efectivamente, Yoshida realizó un fantástico trabajo definiendo a los personajes que gobiernan o buscar controlar a la ciudad, no son sólo despreciables, tienen complejidad en esa maldad. Y al destacar a la conceptualización de los personajes no puede omitirse al dúo principal, Ash y Eiji. Por sí sólo la construcción de Ash como personaje es admirable, hay una dicotomía entre quien parece ser y quien es, la cuál se desenvuelve conforme al desarrollo. Podría escribir múltiples adjetivos y admiraciones, sin embargo, considero que es más valioso si el lector descubre sus múltiples facetas, a la par que lo realiza Eiji. Eiji en principio parece ser la observación desde el espectador, pero al igual que Ash, también evoluciona, en un sentido inverso podría calificarse hasta cierto punto. La química entre ambos es el complemento incondicional platónico hacia el otro, una relación en que conviven debilidad y fuerza, resonando con las otras temáticas como el perdón, aceptación del pasado y amor. Si hay una lección que acaso englobe las diferentes reflexiones de su desarrollo sería: El pasado no define quién serás en el futuro, hay libertad en decidir qué quieres ser y cómo quieres actuar, para escapar del ciclo del que estás confinado necesitas valor para amar y aceptar el amor de otros; un cálido mensaje en medio de su oscura presentación de corrupción, poder y sometimiento. Su principal aspecto negativo está relacionado con el ritmo de la historia y una narrativa cuyo último cuarto se siente innecesariamente extensa, con una repetida dinámica de “X rescatando Y”, quedando Y ahora capturado para ser rescatado por X. Acarrea otras consecuencias, sobre todo en la aparición de nuevos personajes sin mayor trascendencia que ser un obstáculo, poco aportando a la idea temática a comparación de los otros. Así mismo su ambición resulta en contra en según qué puntos, con la mención de tantas dinámicas y conspiración dentro de una conspiración, hechos de importancia al inicio apenas son mencionados hacia el final, y otros se convierten en mero trámite para llegar hacia otro desarrollo o revelación. Tiene un dibujo muy reconocible, y nuevamente, con importancia en su momento por la transición de un estilo más dinámico y enfocado a la acción que el acostumbrado de obras similares de otras autoras. Si bien la mayoría está constituido por paneles posicionados para la acción o conversaciones, en ocasiones se presentan las excepciones únicamente dedicadas a reflejar la emoción del personaje por medio de su expresión o posicionamiento. También he de destacar su diseño de personajes, refuerza esa variedad étnica neoyorquina que tiene tanta importancia dentro de la historia. Y claramente, la caracterización física de Ash es vital para su conceptualización como personaje, especialmente cuando es contrastada con el aspecto común e integral de Eiji. Banana Fish merece su reconocimiento histórico, es una sólida historia de atractiva ambientación con una multitud de personajes secundarios con motivaciones y personalidades únicas. Pese a que dura más de lo que debería, redundando en la cadena de sucesos y aprendidas reflexiones, una vez alcanzas el último panel sabes que recordarás tan única historia, te resonará la lección sobre que nadie más que uno mismo debe dictar el futuro que le espera.
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Sep 27, 2024 Recommended
English
The following review is in Spanish and English(translated with the support of DeepL) The read version is the Spanish translation by K.A Works Unless you're a stranger to reading “explicit stories” Twin Milf is a classic you're sure to recognize either by mention from third parties, references or, of course, having read it. Published between 2012 to 2015, it's by author Youtoku Tatsunami, who is still active in his publishing circle with new stories focusing on the same fetishes. Anyway, this is considered his masterpiece, which even he acknowledges by still dedicating more arts to it or announcing reprints. If you don't know it, the title is ... quite explicit in its subject matter. The protagonist is “Shinji Kanou”, a young man who will establish a relationship with some “Milf” twins (just in case, referring to women who could be the protagonist's mother and are very pretty). There is no more dramatic charge than a couple of points resolved in the first few episodes, and we can consider it solely devoted to “action”, in fact, it doesn't feel like a particularly romantic work either, although feelings of jealousy are present in a couple of episodes. Maybe it was because of the time and the standard has changed since then, the length of the chapters has an average of 14 to 16 pages, which allows a faster pace, divided between the normal scenes in which a progression of events is established, nothing exceptional, it's merely effective for the intentions of the narrative, and the sexual moments who occupy most of the panels. And precisely given the smaller number of pages, in the last compendium we will have 16 chapters in a little more than 350 pages that's surprisingly varied in the approach of their situations, varying between threesome, couple and fetishes intrinsic to the moment such as exhibitionism, cosplay or roleplay. A reading that even with its ample number of pages, doesn't tire, on the contrary, maintains interest for the next one. Of course, the credit goes to Youtuko's talent for the dedication in his Milf fetish; it's evident with a little reading but stressing the obvious, both are very beautiful with dream bodies for those who have that taste. His experience has allowed him to capture every moment with dedication, where no matter how convulsive the action, he doesn't lose the thread of what happened, exhibiting in all its glory the “great” characteristics of both protagonists in the panel. I didn't give it a perfect score only because I don't think it transcends beyond “itself”, not because I can accuse it of any shortcomings. If from the premise and with some panels it has your interest, it's unlikely to be disappointing, especially for how massive it is, not only in its protagonists, but in it's length, variety and dedication. I have no doubt that as the years go by, its status and recognition will continue. Español A menos que seas ajeno a la lectura de “historias explícitas”, Twin Milf es un clásico que seguro reconocerás sea por su mención desde terceros, referencias o, claro, haberlo leído. Publicado entre 2012 a 2015, es del autor Youtoku Tatsunami, quien todavía sigue activo en su círculo de publicación con nuevas historias centradas en los mismos fetiches. De todas formas, está es considerada su obra maestra, que incluso él reconoce al todavía dedicarle más artes o anunciar reediciones. Si no lo conoces, el título es bastante explícito en su temática. El protagonista es “Shinji Kanou”, un joven quien establecerá una relación con unas gemelas “Milf” (por si acaso, referido a mujeres que podrían ser la madre del protagonista y son muy guapas). No hay mayor carga dramática que un par de puntos resueltos en los primeros episodios, y podemos considerarlo únicamente dedicado a la “acción”, de hecho, tampoco se siente como una obra especialmente romántica aunque sentimientos de celos están presentes en un par de episodios. Puede que fuera por la época y el estándar ha cambiado desde entonces, la duración de los capítulos tiene un promedio de 14 a 16 páginas, lo que permite un ritmo más acelerado, dividido entre las escenas normales en las que se establece una progresión de los sucesos, nada excepcional, es meramente efectivo para las intenciones de la narración, y los momentos sexuales quienes ocupan la mayoría de los paneles. Y precisamente dado el menor número de las páginas, en el último compendio tendremos 16 capítulos en un poco más de 350 páginas que es sorprendemente variado en el planteamiento de sus situaciones, variando entre trío, pareja y los fetiches intrínsecos al momento como sean exhibicionismo, cosplay o roleplay. Una lectura que aún con su amplio número de páginas, no cansa, por el contrario, mantiene interés por el próximo. Por supuesto, el crédito es del talento de Youtuko por la dedicación en su fetiche Milf; es evidente con leer un poco pero recalcando lo obvio, ambas son muy guapas con cuerpos de ensueño para quienes tengan ese gusto. Su experiencia le ha permitido plasmar cada momento con dedicación, donde sin importar lo convulso de la acción, no pierde el hilo de lo sucedido, exhibe en toda su gloria las “grandes” características de ambas protagonistas en el panel. No le asignó una nota perfecta únicamente porque no creo que trascienda más allá de “sí mismo”, más no porque pueda acusarle de algún defecto. Si desde la premisa y con algunos paneles tiene tu interés, es improbable que te resulte decepcionante, especialmente por lo masivo que es, no únicamente en sus protagonistas, sino en su duración, variedad y dedicación. No dudo que en el pasar de los años, su estatus y reconocimiento seguirá vigente.
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