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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)

The version read is the Spanish translation by Deco Woo and Lyrica-chan of “Heart of Gold”

While quickly assumed, the viewer should think more about the interesting decision to set the story in New York. The author, Akimi Yoshida, did a great job in depicting the location, to the point that it doesn't even seem foreign or exotic to the reader, that's how natural the narrative feels. Beyond being part of a Japanese fascination with the United States characteristic of that time, well demonstrated in the cartoonist's interests, for example in her first ... work (California History), it would be a decision that would highlight the work in multiple streams.

It's not the space of this review to address what it meant for the definition and evolution of Shojo to Shonen or Boys Love, I just want to emphasize that part of that historical importance lies in the decision to place the story in the capital of the world because it allowed her to use elements that otherwise would not be there, the most important is the strong presence of gangs.

The gangs are the backbone of the narrative, each one is ethnic, marking a clear differentiation between them that give the guideline to establish relationships in declared conflict or tense peace, being an ideal scenario in which to address the main values of the work: Loyalty, duty or tolerance.

The “street” aspect of the city is built, which is only the basis of a broad framework with police, special forces, mafia or press, with diffuse relationships between them. New York is consolidated not only through the appearance of the tourist spots, but among the forces that seek to control the city in their own way, constituting that real, dangerous and invisible aspect for the ordinary citizen.

Corresponding to the darkness of this presentation, the different situations related are born in this moral corruption such as drug distribution, child trafficking, murder or blackmail. An atmosphere that to be explored in its different facets should have characters corresponding to what wants to be told, and indeed, Yoshida did a fantastic job defining the characters that rule or seek to control the city, they are not only despicable, they have complexity in that evil.

And in highlighting the conceptualization of the characters, the main duo, Ash and Eiji, can't be omitted. Ash's character building alone is admirable, there is a dichotomy between who he seems to be and who he is, which unfolds along the story. I could write multiple adjectives and admirations, however, I consider it more valuable if the reader discovers his multiple facets, as Eiji does.

Eiji at first seems to be the observation from the viewer, but like Ash, he also evolves, in a reverse sense it could be qualified to some extent. The chemistry between the two is the unconditional platonic complement to each other, a relationship in which weakness and strength coexist, resonating with the other themes of forgiveness, acceptance of the past and love.

If there is a lesson that perhaps encompasses the different reflections of its development it would be: The past does not define who you will be in the future, there is freedom in deciding what you want to be and how you want to act, to escape the cycle you are confined to you need courage to love and accept the love of others; a warm message in the midst of its dark presentation of corruption, power and subjugation.

Its main negative aspect is related to the pacing of the story and a narrative whose last quarter feels unnecessarily drawn out, with a repeated “X rescuing Y” dynamic, with Y now being captured to be rescued by X. It brings other consequences, especially in the appearance of new characters with no greater transcendence than being an obstacle, contributing little to the thematic idea compared to the others.

Likewise, its ambition works against it at certain points, with the mention of so many dynamics and conspiracy within a conspiracy, facts of importance at the beginning are barely mentioned towards the end, and others become a mere formality to get to another development or revelation.

It has a very recognizable drawing, and again, with importance at the time by the transition of a more dynamic and action-focused style than the usual similar works of other authors. While most of it's made up of panels positioned for action or conversations, there are the occasional exceptions solely dedicated to reflecting the character's emotion through their expression or positioning.

I must also highlight her character design, it reinforces that New York ethnic variety that has so much importance within the story. And clearly, Ash's physical characterization is vital to his conceptualization as a character, especially when contrasted with Eiji's common and integral appearance.

Banana Fish deserves its historical recognition, it is a solid story with an engaging setting and a multitude of secondary characters with unique motivations and personalities. Although it lasts longer than it should, redounding in the chain of events and learned reflections, once you reach the last panel you know you will remember such a unique story, the lesson that no one but yourself should dictate the future that awaits you will resonate with you.

Español

La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)

La versión leída es la traducción al español por Deco Woo y Lyrica-chan de “Heart of Gold”

Si bien es rápidamente asumido, el espectador debería pensar más acerca de la interesante decisión de ubicar la historia en New York. La autora, Akimi Yoshida, realizó un gran trabajo en la representación de la locación, al punto que ni siquiera al lector le parece extraño o exótico, así de natural se siente la narrativa. Más allá de ser parte de una fascinación Japonesa por Estados Unidos característico de  ese momento, bien se demuestra en los intereses de la dibujante, por ejemplo en su primer trabajo (California History), sería una decisión que destacaría a la obra en múltiples corrientes.

No es espacio de esta reseña abordar qué significó para la definición y evolución en el Shojo a Shonen o Boys Love, sólo quiero recalcar que parte de esa importancia histórica reside en esa decisión de situar la historia en la capital del mundo porque le permitió utilizar elementos que de otra forma no estarían, la más importante es la marcada presencia de bandas.

Las bandas constituyen la columna vertebral de la narrativa, cada una es étnica, marcando una clara diferenciación entre sí que dan la pauta para establecer relaciones en declarado conflicto o tensa paz, siendo un escenario ideal en que abordar los principales valores de la obra: Lealtad, deber o tolerancia.

Se construye el aspecto “callejero” de la ciudad que es sólo la base de un amplio entramado con policías, fuerzas especiales, mafia o prensa, con difusas relaciones entre los mismos. New York se consolida no sólo a través de la aparición de los puntos turísticos, sino entre las fuerzas que buscan controlar la ciudad a su manera, constituyendo ese aspecto real, peligroso e invisible para el ciudadano corriente.

Correspondiendo a la oscuridad de esa presentación, las diferentes situaciones relatadas se encuentran nacidas en esa corrupción moral como son la distribución de drogas, tráfico de menores, asesinatos o chantajes. Una atmósfera que para ser explorada en sus diferentes facetas debía contar con personajes correspondientes a lo que quiere ser contado, y efectivamente, Yoshida realizó un fantástico trabajo definiendo a los personajes que gobiernan o buscar controlar a la ciudad, no son sólo despreciables, tienen complejidad en esa maldad.

Y al destacar a la conceptualización de los personajes no puede omitirse al dúo principal, Ash y Eiji. Por sí sólo la construcción de Ash como personaje es admirable, hay una dicotomía entre quien parece ser y quien es, la cuál se desenvuelve conforme al desarrollo. Podría escribir múltiples adjetivos y admiraciones, sin embargo, considero que es más valioso si el lector descubre sus múltiples facetas, a la par que lo realiza Eiji.

Eiji en principio parece ser la observación desde el espectador, pero al igual que Ash, también evoluciona, en un sentido inverso podría calificarse hasta cierto punto. La química entre ambos es el complemento incondicional platónico hacia el otro, una relación en que conviven debilidad y fuerza, resonando con las otras temáticas como el perdón, aceptación del pasado y amor.

Si hay una lección que acaso englobe las diferentes reflexiones de su desarrollo sería: El pasado no define quién serás en el futuro, hay libertad en decidir qué quieres ser y cómo quieres actuar, para escapar del ciclo del que estás confinado necesitas valor para amar y aceptar el amor de otros; un cálido mensaje en medio de su oscura presentación de corrupción, poder y sometimiento.

Su principal aspecto negativo está relacionado con el ritmo de la historia y una narrativa cuyo último cuarto se siente innecesariamente extensa, con una repetida dinámica de “X rescatando Y”, quedando Y ahora capturado para ser rescatado por X. Acarrea otras consecuencias, sobre todo en la aparición de nuevos personajes sin mayor trascendencia que ser un obstáculo, poco aportando a la idea temática a comparación de los otros. 

Así mismo su ambición resulta en contra en según qué puntos, con la mención de tantas dinámicas y conspiración dentro de una conspiración, hechos de importancia al inicio apenas son mencionados hacia el final, y otros se convierten en mero trámite para llegar hacia otro desarrollo o revelación.

Tiene un dibujo muy reconocible, y nuevamente, con importancia en su momento por la transición de un estilo más dinámico y enfocado a la acción que el acostumbrado de obras similares de otras autoras. Si bien la mayoría está constituido por paneles posicionados para la acción o conversaciones, en ocasiones se presentan las excepciones únicamente dedicadas a reflejar la emoción del personaje por medio de su expresión o posicionamiento.

También he de destacar su diseño de personajes, refuerza esa variedad étnica neoyorquina que tiene tanta importancia dentro de la historia. Y claramente, la caracterización física de Ash es vital para su conceptualización como personaje, especialmente cuando es contrastada con el aspecto común e integral de Eiji.

Banana Fish merece su reconocimiento histórico, es una sólida historia de atractiva ambientación con una multitud de personajes secundarios con motivaciones y personalidades únicas. Pese a que dura más de lo que debería, redundando en la cadena de sucesos y aprendidas reflexiones, una vez alcanzas el último panel sabes que recordarás tan única historia, te resonará la lección sobre que nadie más que uno mismo debe dictar el futuro que le espera.

English

The following review is in Spanish and English(translated with the support of DeepL)
The read version is the Spanish translation by K.A Works

Unless you're a stranger to reading “explicit stories” Twin Milf is a classic you're sure to recognize either by mention from third parties, references or, of course, having read it. Published between 2012 to 2015, it's by author Youtoku Tatsunami, who is still active in his publishing circle with new stories focusing on the same fetishes. Anyway, this is considered his masterpiece, which even he acknowledges by still dedicating more arts to it or announcing reprints.

If you don't know it, the title is ... quite explicit in its subject matter. The protagonist is “Shinji Kanou”, a young man who will establish a relationship with some “Milf” twins (just in case, referring to women who could be the protagonist's mother and are very pretty). There is no more dramatic charge than a couple of points resolved in the first few episodes, and we can consider it solely devoted to “action”, in fact, it doesn't feel like a particularly romantic work either, although feelings of jealousy are present in a couple of episodes.

Maybe it was because of the time and the standard has changed since then, the length of the chapters has an average of 14 to 16 pages, which allows a faster pace, divided between the normal scenes in which a progression of events is established, nothing exceptional, it's merely effective for the intentions of the narrative, and the sexual moments who occupy most of the panels.

And precisely given the smaller number of pages, in the last compendium we will have 16 chapters in a little more than 350 pages that's surprisingly varied in the approach of their situations, varying between threesome, couple and fetishes intrinsic to the moment such as exhibitionism, cosplay or roleplay. A reading that even with its ample number of pages, doesn't tire, on the contrary, maintains interest for the next one.

Of course, the credit goes to Youtuko's talent for the dedication in his Milf fetish; it's evident with a little reading but stressing the obvious, both are very beautiful with dream bodies for those who have that taste. His experience has allowed him to capture every moment with dedication, where no matter how convulsive the action, he doesn't lose the thread of what happened, exhibiting in all its glory the “great” characteristics of both protagonists in the panel.

I didn't give it a perfect score only because I don't think it transcends beyond “itself”, not because I can accuse it of any shortcomings. If from the premise and with some panels it has your interest, it's unlikely to be disappointing, especially for how massive it is, not only in its protagonists, but in it's length, variety and dedication. I have no doubt that as the years go by, its status and recognition will continue.

Español

A menos que seas ajeno a la lectura de “historias explícitas”, Twin Milf es un clásico que seguro reconocerás sea por su mención desde terceros, referencias o, claro, haberlo leído. Publicado entre 2012 a 2015, es del autor Youtoku Tatsunami, quien todavía sigue activo en su círculo de publicación con nuevas historias centradas en los mismos fetiches. De todas formas, está es considerada su obra maestra, que incluso él reconoce al todavía dedicarle más artes o anunciar reediciones.

Si no lo conoces, el título es bastante explícito en su temática. El protagonista es “Shinji Kanou”, un joven quien establecerá una relación con unas gemelas “Milf” (por si acaso, referido a mujeres que podrían ser la madre del protagonista y son muy guapas). No hay mayor carga dramática que un par de puntos resueltos en los primeros episodios, y podemos considerarlo únicamente dedicado a la “acción”, de hecho, tampoco se siente como una obra especialmente romántica aunque sentimientos de celos están presentes en un par de episodios.

Puede que fuera por la época y el estándar ha cambiado desde entonces, la duración de los capítulos tiene un promedio de 14 a 16 páginas, lo que permite un ritmo más acelerado, dividido entre las escenas normales en las que se establece una progresión de los sucesos, nada excepcional, es meramente efectivo para las intenciones de la narración, y los momentos sexuales quienes ocupan la mayoría de los paneles.

Y precisamente dado el menor número de las páginas, en el último compendio tendremos 16 capítulos en un poco más de 350 páginas que es sorprendemente variado en el planteamiento de sus situaciones, variando entre trío, pareja y los fetiches intrínsecos al momento como sean exhibicionismo, cosplay o roleplay. Una lectura que aún con su amplio número de páginas, no cansa, por el contrario, mantiene interés por el próximo.

Por supuesto, el crédito es del talento de Youtuko por la dedicación en su fetiche Milf; es evidente con leer un poco pero recalcando lo obvio, ambas son muy guapas con cuerpos de ensueño para quienes tengan ese gusto. Su experiencia le ha permitido plasmar cada momento con dedicación, donde sin importar lo convulso de la acción, no pierde el hilo de lo sucedido, exhibe en toda su gloria las “grandes” características de ambas protagonistas en el panel.

No le asignó una nota perfecta únicamente porque no creo que trascienda más allá de “sí mismo”, más no porque pueda acusarle de algún defecto. Si desde la premisa y con algunos paneles tiene tu interés, es improbable que te resulte decepcionante, especialmente por lo masivo que es, no únicamente en sus protagonistas, sino en su duración, variedad y dedicación. No dudo que en el pasar de los años, su estatus y reconocimiento seguirá vigente.

The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)

The version read is the Spanish translation by Otak

Ichitaka Seto has an irremediable flaw as a character for the context that him is presented , his absolute lack of evolution. It's common that in the romantic harem the protagonist begins with few redeemable characteristics beyond kindness or attention, flashes of genius, and in his case he also has that, the difference is that in his extensive path to the end, he continues with only the same qualities.

Again and again he faces dilemmas, quite similar to each other, in which he makes mistakes, ... we believe he learns so that again he makes the same mistake in the next problem. The apparent outline of an evolution is summarized in only one moment on which the work depended to continue to exist. And it's a pity because if there is anything of interest at the narrative level is how empathetic it can be in certain scenes for its target audience.

Because Seto doesn't exhume that confidence or security as other protagonists of the genre, he has doubts about his desires, how they will affect other people and in what way he wants to assume them, which are expressed in a transparent and effective way in the internal monologue and visually captured by Masakazu, either through different resources such as the collage of memories or enclosing him in the panel, that's when Ichitaka is the best version of himself. But this approach is not extended through changes in his attitudes, it only derives in promises waiting to be broken.

He also has another marked lack, not having any other dimension that is not involved with his relationships, that is, he lacks hobbies, interests or dreams, the latter is referenced in the narrative from a certain point so it may be an intentional omission, however, the absence of the other two is just a huge counter to get interest or empathy for him. A hollow protagonist who only exists for his relationship and even then doesn't manage to get along.

Another reason for this emptiness is the secondary characters and how they have been treated, because unlike the main character, they have more personality that is expressed in their interests and the relationships between them. Even with little time in the narrative, several of them can be demarcated a certain evolution, however, since the plot is so engrossed in romantic drama, most of their interactions with Ichitaka will be advice or observation, with the exception of his best friend Teratani and the main female cast.

For as mentioned, it's a romantic comedy harem although characterizing it as a “harem” is a bit of an exaggeration, instead it could be considered a romantic triangle repeated different times during the course of the narrative. A narrative approach that, by giving the story space, should allow it to develop properly, were it not that the characterization of the female characters is beneath Teratani himself.

Katsura uses the characters at his convenience, not as if they were, well, characters. Introducing and omitting to add interest to the main story without consideration for the beings he has created, and again, it's a pity because contrary to Seto, they do have some characteristics beyond their affective dimension such as artistic interests and future perspectives, which are skirted, not deepened, not given more attention than for the purposes of misunderstanding or gag. And the one who gets the worst of it is the main heroine, Iori.

Iori is two different characters between before and after the main event of the story, and even accepting her sudden personality change on the grounds of the importance of that event, we have an ending that contradicts her efforts and attitudes up to that point, only to be pandering to the Seto who has never dedicated himself to changing or understanding others. His act of heroism remains the same as at the beginning, an unintentional mirror reflecting how little the events have mattered.

I liked Katsura's drawing, in fact my interest in the work came from its covers in which I was attracted to see a style closer to realism, something that's not frequent. And that talent has carried over to his pages because even if there is poor content, the presentation enhances it in several ways. He has a great sense of character positioning with respect to the environment that he usually details with dedication, a good rhythm in the way events are presented and a character design that even if it is not exceptional, it is nice to see them “grounded in reality” to a certain extent.

If there is a factor of evident contrast is the fanservice approach because I can only admire and like Katsura's talent as a drawer but not his ability as a writer, the work abuses the “perverted imagination” during panels and panels, to the point that it ends up tiring for being a cheap resource to use, and when it's not used, it uses the most unlikely and absurd situations in search of entertaining the reader in something, notable in its increase as the series progresses, demonstrating the need to retain something to its audience.

Therefore I can only keep his pencil talent, implying that it would have been of greater enjoyment and value to me to see a collection of his illustrations rather than read his story. He may have specific qualities at particular times, but the inanity of the rest has prevented me from remembering him well or recommending him for genuine or historical interest.

Español

Ichitaka Seto tiene un irremediable error como personaje para el contexto que le es presentado, su absoluta carencia de evolución. Es costumbre que en el harem romántico el protagonista empiece con pocas características redimibles más allá de amabilidad o atención, destellos de genialidad, y en su caso también cuenta con ello, la diferencia es que en su extenso camino al final, sigue sólo con las mismas cualidades.

Una y otra vez se enfrenta a dilemas, bastante similares entre sí, en los que se equivoca, creemos que aprende para que nuevamente se equivoque en lo mismo en el próximo problema. El aparente trazado de una evolución se resume en únicamente un momento del cuál dependía la obra para seguir existiendo. Y es una lástima porque si hay algo de interés a nivel narrativo es lo empático que puede resultar en ciertas escenas para su público objetivo.

Porque Seto no exhuma esa confianza o seguridad como otros protagonistas del género, tiene dudas acerca de sus deseos, cómo afectarán a las otras personas y de qué manera quiere asumirlos, los cuáles son expresados de forma transparente y efectiva en el monólogo interno y plasmados visualmente por Masakazu, sea por medio de diferentes recursos como el collage de recuerdos o encerrarlo en el panel, es ahí cuándo Ichitaka es la mejor versión de sí mismo. Pero ese abordaje no es extendido a través de cambios en sus actitudes, sólo deriva en promesas esperando a ser rotas.

También tiene otra marcada carencia, no tener cualquier otra dimensión que no se involucre con sus relaciones, es decir, carece de pasatiempos, intereses o sueños, este último se referencia en la narrativa desde cierto punto así que puede tratarse de una omisión intencional, sin embargo, la ausencia de los otros dos es sólo una enorme contra para conseguir interés o empatía por él. Un protagonista hueco que sólo existe para su relación y ni aún así consigue llevarla bien.

Otra razón para ese vacío en el que habita son los personajes secundarios y cómo han sido tratados, porque al contrario de su protagonista, tienen más personalidad que es expresada en intereses y las relaciones entre ellos. Aún con poco tiempo en la narrativa, a varios se les puede demarcar una cierta evolución, sin embargo, dado que la trama está tan enfrascada en el drama romántico, la mayoría de sus interacciones con Ichitaka será el consejo u observación, con excepción de su mejor amigo Teratani y el elenco femenino principal.

Porque como se ha mencionado, es un harem de comedia romántica aunque caracterizarlo de “harem” es algo exagerado, en vez podría considerarse como un triángulo romántico repetido diferentes veces durante el transcurso de la narrativa. Un planteamiento narrativo que, al darle espacio a la historia, debería permitir que se desarrollará apropiadamente, sino fuera que la caracterización de los personajes femeninos está por debajo del mismo Teratani.

Katsura utiliza los personajes a su conveniencia, no como si fuera pues, personajes. Introducir y omitir para agregarle interés a la historia principal sin tener consideración por los seres que ha creado, y nuevamente, es una lástima porque contrario a Seto, si tienen algunas características más allá de su dimensión afectiva como los intereses artístico y perspectivas futuro, los cuáles son bordeados, no profundizados, no se les brinda mayor atención que para los propósitos del malentendido o el gag. Y quien se lleva la peor parte es la heroína principal, Iori.

Iori es dos personajes diferentes entre antes y después del hecho principal de la historia, y aun aceptando su repentino cambio de personalidad aduciendo a la importancia de ese suceso, tenemos un final que contradice sus esfuerzos y actitudes hasta ese momento, sólo para ser complacientes con el Seto que nunca se ha dedicado a cambiar ni comprender a los demás. Su acto de heroísmo sigue siendo el mismo del comienzo, un inintencional espejo que refleja lo poco que ha importado los ocurridos sucesos.

Me ha gustado el dibujo de Katsura, de hecho mi interés por la obra llegó a partir de sus portadas en la que me atrajo ver un estilo más cercano a lo realista, algo que no es frecuente. Y ese talento se ha trasladado a sus páginas porque aún si hay un pobre contenido, la presentación lo mejora en varias maneras. Tiene un gran sentido del posicionamiento del personaje respecto al entorno que suele detallar con dedicación, un buen ritmo en el cómo se presentan los sucesos y un diseño de personajes que aún si no es excepcional si resulta agradable verlos “aterrizados a la realidad” hasta cierto punto.

Si hay un factor de evidente contraste es el abordaje de su fanservice porque por si sólo puedo admirar y gustar del talento de Katsura como dibujante más no su habilidad de escritor, la obra abusa de la “imaginación pervertida” durante paneles y paneles, al punto de que termina cansando por ser un recurso barato de utilizar, y cuando no lo usa se vale de las situaciones más inverosímiles y absurdas en búsqueda de entretener en algo al lector, notable en su aumento conforme la serie avanzaba, demostrando la necesidad en retener en algo a su público.

Por lo tanto sólo puedo quedarme con su talento al lápiz, implicando que me hubiera sido de mayor disfrute y valor ver alguna colección de ilustraciones en vez de leer su historia. Podrá tener cualidades específicas en momentos particulares, más el despropósito del resto ha evitado que le tenga buen recuerdo o lo recomiende por interés genuino o histórico.

The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the English translation

Given his unique blood condition, Masato has been assigned a job that fulfills his life's wish, to be useful to someone, and that job is to be the power source for a pair of succubus sisters. The context of the manga is simple and effective, succubi and incubi are intermingled with humanity, each species having awareness and interaction with the other. This coexistence has led to a growing number of “hybrid” humans, who lack the characteristics that fully satisfy the succubi, and at that point Masato's ... existence becomes valued and coveted.

Of course, it’s just an excuse to place the protagonist in a story with multiple girls, the remarkable thing is that this simple decision consolidates an excellent reason because being of a “different” species and having a nature in itself associated with lust and perversion, it can afford the inclusion of harem without being forced. Similar to what one character mentions during the play “if humans don't care, why should we?”.

However, this work does not stand out precisely for its harem or context, it’s for the convergence of both in a regular fetish, oral sex. Fue is the best artist (that I have read at least) in that field, his other works are also remarkable in that context, such as the well-known Fella Hame Lips, but what he has achieved in this series is at another level in quantity and quality.

Again, the context is a sufficient and effective justification given that succubi have a preference to consume directly from the source, hence there are chapters completely dedicated to that dynamic, and Fue does it perfectly. The character design is undoubtedly attractive and varied, having high, low and proportionate on the top and bottom, but it’s the mouth with the tongue where he performs greater detail, having page after page dedicated to that unique sucking sequence, in which if you dedicate attention to reading overwhelms your senses just like the protagonist.

Of course, in the rest of the act there is also full dedication of the draftsman, being varied and intense, still clean in the action because it is always understandable what happens and in what way, remarkable even more to have not only two people, highlighting the final chapter and the “national succubus” encounter. Personally my favorite chapter is that of the president given her character design and personality change.

Overall it's a very solid work, and if its main intent is in your range of interest, there's no way you won't like it, maybe at memory I can mention other authors also outstanding but I haven't read any who have devoted so much dedication in a single story to this fetish. It fully deserves its status as a classic.

Español

Dada su única condición sanguínea, a Masato le han asignado un trabajo que cumple el deseo de su vida, ser útil para alguien, y esa labor consiste en ser la fuente de alimentación de un par de hermanas súcubos. El contexto de la obra es sencillo y efectivo, súcubos e íncubos están mezclados con la humanidad, teniendo cada especie conciencia e interacción con el otro. Esa convivencia ha provocado un creciente número de seres humanos “híbridos”, los cuáles carecen de características que satisfacen a plenitud a las súcubos y en ese punto la existencia de Masato se vuelve valorada y codiciada.

Por supuesto, es sólo una excusa para ubicar al protagonista en una historia con múltiples chicas, lo destacable es que esa sencilla decisión consolida una excelente razón porque siendo de una especie “diferente” y teniendo una naturaleza en sí misma asociada a la lujuria y perversión, puede permitirse la inclusión de harem sin que resulte forzado. Parecido a lo que menciona un personaje durante la obra “si a los humanos no les importa ¿Por qué a nosotras?”.

Sin embargo, está obra no destaca precisamente por su harem o contexto, es por la convergencia de ambos en un fetiche regular, el sexo oral. Fue es el mejor dibujante (que he leído por los menos) en ese ámbito, sus otras obras también son destacables en ese contexto, como el muy conocido Fella Hame Lips, pero lo conseguido en esta serie está a otro nivel en cantidad y calidad.

Nuevamente el contexto es una justificación suficiente y efectiva dado a que las súcubos tienen preferencia a consumir directamente desde la fuente, de ahí que hay capítulos completamente dedicados a esa dinámica, y bien que Fue lo realiza perfectamente. El diseño de personajes es sin duda atractivo y variado, habiendo altas, bajas y proporcionadas en lo superior e inferior, pero es la boca con la lengua donde realiza mayor detalle, habiendo página tras página dedicado a esa única secuencia de succión, en la que si dedicas atención a la lectura te abruma los sentidos tal como al protagonista.

Por supuesto, en el resto del acto también hay plena dedicación del dibujante, siendo variado e intenso, aún así limpio en la acción porque siempre es entendible qué sucede y de qué manera, notable todavía más de haber no sólo dos personas, destacando el capítulo final y el encuentro “nacional súcubo”. Personalmente mi capítulo preferido es el de la presidenta dado a su diseño de personaje y el cambio de personalidad.

En conjunto es una obra muy sólida, y si su principal intención está en tu rango de interés, no hay forma que no te guste, puede que al recuerdo pueda mencionar otros autores también destacables pero no he leído ninguno que haya dedicado tanta dedicación en una sola historia a este fetiche. Es plenamente merecido su estatus como un clásico.

The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Kurochi! belonging to "MangaWorks Fansub".

Mob is the most powerful character of the work, it’s something established from the first chapters, during the development of the story different and diverse characters will appear to prove how true it’s. Therefore, it could be foreseen, that its thematic ideas are related to power and strength, and yes, they are, but in the center is not the consecration through the exhibition, on the contrary, it’s the decrease to turn it into a characteristic. You aren’t special because of ... your powers, that only constitutes a part of who you are.

However, Mob has an essential defect, or more specifically, a lack of little control of his emotions, he doesn’t understand them and doesn’t know how to express himself. This is the main difference between him and others, not because he is an esper (an individual who has paranormal abilities) but because he feels unable to connect with others. The story begins with his desire to change and at first, as is usual for most boys, it will be for a girl.

As he begins to work towards his goal of getting better he will meet different people in various social groups, an ensemble that makes for a charming cast. Each has a certain degree of participation in the story even as it grows in unexpected complexity and breadth, as well as being recognizable by personality and design. Although some of them only have the function of acting as a support in Mob's story, they perfectly fulfill that duty at the moment they should have relevance to themselves and to the narrative.

ONE uses several characters to be direct participants in some arcs, while others will have more of an appearance in the fun Omakes. Whatever the case, there is a constant reference to the world that benefits the thematic intentions. And among them there is a character deserving of his own mention because he qualifies as the other protagonist of the story, Reigen Arataka.

An ordinary person whose supernatural characteristic is his common sense, time and again he represents the moral bubble in a situation where it seems that there is no logic, because he lands the extraordinary events that are happening. At that point his ordinary attitude passes as heroic or intimidating, a situation that ONE reinforces through comical coincidences, but even beyond that appeal, the factor that makes him unique lies in the dichotomy of his figure.

Because Reigen is neither a hero nor an untainted figure of reason, from the first chapters he is characterized as a swindler, not unscrupulous, but still a swindler at the end of the day. He is someone who knows perfectly well what his mistakes are but doesn’t work to improve. If Mob is alone by incapacity, Reigen falls into loneliness by the choice of indifference.

That duo come together and unexpectedly complement each other, a relationship of student and teacher, where sometimes the student becomes the teacher. Mob will learn human logic from Reigen about the value of self and friendship, while Reigen will understand that if Mob is able to try hard there is no reason why he can't try either. It's not a perfect relationship because neither is, there will be fights and misunderstandings, but their respect for each other will be what drives their progress.

And even when the focus of the story is set in coherence and sobriety, in the line of ONE's style we find strong characters, no, absurdly strong. Again and again will appear someone more powerful than the previous one, he has an ability never seen before, his enormous power is only a percentage of his total strength, he has never been defeated, among others. Provided ideal scenarios to be an exhibition of power, and the manga corresponds, more than enough.

The characteristic drawing of ONE is the one that is often described as the main flaw of the story, there aren’t few who only recommend watching its animated adaptation (it must be said, it’s perfect), but beyond the aesthetic question of connecting or not, already intrinsically dependent on each person, there is the doubt of his ability as a mangaka, and there is no way to disqualify his talent.

Manga is drawing but not only drawing because that would be illustration, instead it must take into consideration the presentation of its story through the panels and their distribution, which constitute the elements to build a visual narrative. The author's drawing and style are adapted to the thematic intention to reach a certain level of consistency in their detail. The various assistants deserve credit for specifics, but in the overall perspective of pacing and presentation it is to ONE's credit.

His battles are an exhibition of emotion and spectacle because he knows where to place the elements that constitute it to achieve it, he doesn't lose the rhythm of the battle even if there are different jumps between viewpoints or a monologue from any character. He manages to keep the sense of urgency and freneticism and increase, he elaborates the strokes for the inclusion of destruction, blow, force, which underline the absurd level of power of his characters. Especially in the battles of pure power, those where the intelligent use of skills has priority counts with elements of strategy and improvisation, keeping another kind of attention in the reader.

And yet, the best demonstration of his skill is in the rest of the moments, in the dramatic aspect and small advances of the characters, they are panels that don’t stand out for the detail of their backgrounds or the facial expressions of the characters, on the contrary, he embraces simplicity to communicate the maximum in the minimum of elements.

Just like drawing, comedy is a matter of connection solely based on personal tastes, to connect or not, and in the case of ONE I have had fun with its different occurrences. There are several chapters dedicated to being solely a joke, and even one of the final situations is quite absurd, and they still don't seem detrimental to the pace or intent, it's another tone that still fits with the teachings. It's not a matter of taking its presentation seriously or not, it's a matter of enjoying it as it happens.

Because if you dedicate that moment you will find the reader with a multitude of teachings that arise from its characters and narrative, having value instead of saying for the sake of saying, they are also fully explicit so it is worth reading them for yourself to know what it's all about. Enter that world of Espers and unimaginable powers to understand that true value lies in wanting to keep getting better.

Mob Psycho 100 deserves nothing less than 100.

Español

Mob es el personaje más poderoso de la obra, es algo establecido desde los primeros capítulos, durante el desarrollo de la historia aparecerán diferentes y diversos personajes para probar que tan cierto es. Por ende, podría preverse, que sus ideas temáticas están relacionadas acerca del poder y la fuerza, y si, lo están, pero en el centro no se encuentra la consagración a través de la exhibición, al contrario, es la disminución para convertirla en característica. No eres especial por tus poderes, eso sólo constituye una parte de quien eres.

Sin embargo Mob tiene un esencial defecto, o más específicamente, una carencia, poco control de sus emociones, no las entiende ni sabe expresarse. He ahí el principal factor de diferencia entre él y otros, no es por ser un esper (individuo que tiene capacidades paranormales) sino porque se siente incapaz de conectar con los demás. La historia comienza por su deseo de cambiar y en principio, como suele ser usual en casi todo chico, será por una chica.

Conforme empieza a trabajar en su meta de mejorar conocerá a diferentes personas en diversos grupos sociales, un conjunto que constituye un elenco encantador. Cada quién cuenta con cierto grado de participación en la historia aún si la misma crece en inesperada complejidad y amplitud, además de ser reconocibles dada su personalidad y diseño. Si bien algunos sólo tienen la función de actuar como un apoyo en la historia de Mob, cumplen a la perfección ese deber en el instante que debían tener relevancia para sí mismos y con la narrativa.

ONE utiliza a varios personajes para que sean partícipes directos en algunos arcos, mientras que otros tendrán más aparición en los divertidos Omakes. Cual sea el caso, hay una constante referencia al mundo que resulta en beneficio para las intenciones temáticas. Y entre ellos hay un personaje merecedor de mención propia porque es calificable como el otro protagonista de la historia, Reigen Arataka.

Una persona ordinaria cuya característica sobrenatural es su sentido común, una y otra vez representa la burbuja moral en una situación donde parece que no existe la lógica, porque aterriza los sucesos extraordinarios que estén sucediendo. En ese punto su actitud ordinaria pasa como heroica o intimidante, situación que ONE refuerza por medio de cómicas coincidencias, pero todavía más allá de ese atractivo, el factor que le vuelve único radica en la dicotomía de su figura.

Porque Reigen no es un héroe ni una impoluta figura de la razón, desde los primeros capítulos se le caracteriza como un estafador, no inescrupuloso, más sigue siendo estafador al fin y al cabo. Es alguien que sabe perfectamente cuáles son sus errores pero no trabaja en mejorar. Si Mob se encuentra solo por incapacidad, Reigen cayó en la soledad por la elección de la indiferencia.

Ese dúo se junta e inesperadamente se complementa, una relación de estudiante y maestro, donde a veces el estudiante se vuelve el maestro. Mob aprenderá la lógica humana de Reigen sobre el valor de sí mismo y la amistad, mientras que Reigen entenderá que si Mob es capaz de esforzarse no hay razón por la que él tampoco pueda intentarlo. No es una relación perfecta porque ninguna lo es, habrá peleas y malentendidos, pero el respeto de uno por el otro será lo que impulse su avance.

Y aún cuando el enfoque de la historia se establece en la coherencia y sobriedad, en la línea del estilo de ONE encontramos personajes fuertes, no, absurdamente fuertes. Una y otra vez aparecerá alguien más poderoso que el anterior, tiene una habilidad nunca antes vista, su enorme poder es sólo porcentaje de su fuerza total, jamás ha sido derrotado, entre otros. Brindado escenarios ideales para ser una exhibición de poder, y el manga corresponde, sobradamente.

El característico dibujo de ONE es al que se le suele calificar como el principal defecto de la historia, no son pocos quienes sólo recomiendan ver su adaptación animada (cabe decirlo, es perfecta), pero más allá de la cuestión estética de conectar o no, ya intrínsecamente dependiente de cada persona, está la duda de su habilidad como mangaka, y ahí no hay forma de descalificar su talento.

Manga es dibujo más no únicamente dibujo porque eso sería ilustración, en cambio se debe tener en consideración la presentación de su historia a través de los paneles y su distribución, que constituyen los elementos para construir una narración visual. El dibujo y estilo del autor se adaptan a la intención temática para alcanzar cierto nivel de consistencia en su detalle. Los diferentes asistentes merecen el reconocimiento por los específicos, pero en la perspectiva general de ritmo y presentación es crédito de ONE.

Sus batallas son una exhibición de emoción y espectáculo porque sabe donde ubicar los elementos que la constituyen para conseguirlo, no pierde el ritmo de la batalla aún si hay diferentes saltos entre puntos de vistas o un monólogo de cualquier personaje. Consigue que la sensación de apremio y frenetismo se mantenga y aumente, elabora los trazos para la inclusión de destrucción, golpe, fuerza, que subrayan el absurdo nivel de poder de sus personajes. Especialmente en las batallas de puro poder, aquellas donde el uso inteligente de habilidades tenga prioridad cuenta con elementos de estrategia e improvisación, manteniendo otro tipo de atención en el lector.

Y aún así, la mejor demostración de su habilidad está en el resto de momentos, en el aspecto dramático y de pequeños avances de los personajes, son paneles que no destacan por el detallado de sus fondos o las expresiones faciales de los personajes, al contrario, abraza la simpleza para comunicar lo máximo en el mínimo de elementos.

Tal como el dibujo, la comedia es una cuestión de conexión únicamente basada en gustos personales, de conectar o no, y para el caso de ONE me he divertido con sus diferentes ocurrencias. Hay varios capítulos dedicados a ser únicamente una broma, e incluso una de las situaciones finales es bastante absurda, y siguen sin parecer detrimentos del ritmo o intención, es otro tono que todavía encaja con las enseñanzas. No es cuestión de tomarse o no en serio su presentación, es de disfrutarla correspondiendo al momento que esté sucediendo.

Porque si se dedica ese momento se encontrará el lector con una multitud de enseñanzas que surgen de sus personajes y narrativa, teniendo valor en vez de decir por decirse, también son plenamente explícitas así que vale la pena leerlas por sí mismo para saber de qué se trata. Entrar en ese mundo de Espers y poderes inimaginables para comprender que el verdadero valor se encuentra en querer seguir mejorando.

Mob Psycho 100 no merece nada menor a 100.

The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Reboot belonging to "IndieScans".

Framed in a context and thematic already explored by Asano, deepening as he hadn’t done, about teenagers having to be adults without knowing how. More than a choral narration, the protagonist is "The Band", hence a couple of chapters may be narrated by the "secondary" characters, maintaining the purpose of writing about the experiences of those who make up The Band, but the rest and most of the episodes are by the protagonist couple.

From this pair come the main reflections about ... dreams, duty, expectation and reality, having as a touch the genuineness in how these topics are expressed. From the events there are monologues and dialogues between the characters, feeling authentic because they are reflected from who is living it instead of a superior or objective entity, there is no intention in that they are sermons or doctrines, it’s the internalization of the situation by the main affected and how it will guide him towards the future.

Being guided by his characters, none of them is special and at the same time none of them is empty. In his characteristic realism, Asano builds a friendship between different personalities formed from living together, each one has their vices, defects, qualities and expectations, facing their reality as they can, getting panels where they are having fun just like any group of friends and others where phrases born from emotion invite a momentary internalization.

And special mention to the protagonist couple, without abusing dramatic conversations or exaggerated outbursts, it’s denoted that even having time together, they still have doubts and fears born of love for each other, of the young relationship and the expectation of the future. The dichotomy typical of couples, even more so in young couples, of needing each other, while fearing that they might not be preventing themselves or the other from advancing in their dreams, is evident.

Music as the center fits with Asano's thematic world, to which he is no stranger either, in several short stories of his previous anthologies it’s also the main dynamic, and it’s predictable, it’s a dream that requires great commitment and luck, being the vast majority that falls by the wayside; but at the same time it’s a goal close to noble, especially in Solanin, where they only want to change the world as abstract and impossible as it may be, and although they do not reach everyone, their song will resonate in the lives of their protagonists.

For this work the facial emotion in the foreground is already a characteristic of Asano, and here he reaffirms it together with his sense of rhythm, it occurs in a few moments which gives the primordial emotion of importance and remembrance. Of course, the other elements receive no less treatment either, his backgrounds appeal to the everyday, as a visual storyteller he achieves the insistence of elements in the shot that form a homely atmosphere and others with which a connection develops.

The drawings in the corner at the end of the chapter (I don't know if they have a specific name) are moments of the characters that exhibit in their singularity the personality traced for each one. They also stand out in the different moments where they all share together, in their little reactions while they are drinking, hanging out or rehearsing a song. It is not only the subject matter that will be familiar, but also the atmosphere.

Expectations and reality is the constant chapter by chapter, the intermingling of dreams with the need to move forward for the sake of doing so, and even with moments for the harshest realism, the message will be familiar to you if you have read the author, life goes on with its ups and downs, we will always have the memory to strive and hope that tomorrow will be a little better.

Spanish

Enmarcado en un contexto y temática ya explorada por Asano, profundizando como no lo había hecho, sobre adolescentes debiendo ser adultos sin saber cómo. Más que una narración coral, el protagonista es “La Banda”, de ahí que cierto par de capítulos puedan ser narrados por los personajes “secundarios”, manteniendo el propósito de escribir acerca de las vivencias de quienes conforman La Banda, pero el resto y mayoría de episodios son por la pareja protagónica.

De ese par provienen las principales reflexiones acerca de los sueños, deber, expectativa y realidad, teniendo como toque la genuidad en cómo son expresadas esos tópicos. A partir de los sucesos hay monólogos y diálogos entre los personajes, sintiéndose auténticos porque son reflejados desde quién lo está viviendo en vez de un ente superior u objetivo, no hay intención en que sean sermones o doctrinas, es la interiorización de la situación por el principal afectado y cómo lo guiará hacia el futuro.

Estando guiado por sus personajes, ninguno es especial y a la vez ninguno está vacío. En su característico realismo, Asano construye una amistad entre diferentes personalidades formada a partir de la convivencia, cada quien tiene sus vicios, defectos, cualidades y expectativas, afrontando a su realidad como pueden, consiguiendo paneles sea donde se están divirtiendo igual que cualquier grupo de amigos y otros donde frases nacidas desde la emoción invitan a una momentánea interiorización.

Y especial mención a la pareja protagónica, sin abusar de dramáticas conversaciones ni exagerados arrebatos, es denotado que aún teniendo tiempo juntos, siguen teniendo dudas y temores nacidos del amor el uno por el otro, de la relación joven y la expectativa del devenir. Se evidencia esa dicotomía típica de las parejas, todavía más en las jóvenes, de necesitar el uno al otro, a la par que temen sobre si no les estará impidiendo así mismo o al otro, avanzar en sus sueños.

La música como centro encaja con el mundo temático de Asano, a la que tampoco es ajeno, en varias historias cortas de sus antologías previas también es la dinámica principal, y es previsible, es un sueño que requiere de gran compromiso y suerte, siendo la gran mayoría la que se queda en el camino; pero a su vez es una meta cercana a noble, especialmente en Solanin, donde sólo se quiere cambiar al mundo por abstracto e imposible que sea, y si bien no llegan a cada quien, su canción si resonará en la vida de sus protagonistas.

Para esta obra la emoción facial en primer plano ya es una característica de Asano, y aquí lo reafirma junto a su sentido del ritmo, ocurre en contados momentos lo que dota a la emoción primordial de importancia y recuerdo. Por supuesto, los demás elementos tampoco reciben menos trato, sus fondos apelan a la cotidianidad, como narrador visual consigue la insistencia de elementos en el plano que forma un ambiente hogareño y otros con los que se desarrolla una conexión.

Los dibujos en la esquina al final del capítulo (desconozco si tienen nombre específico) son instantes de los personajes que exhiben en su singularidad la personalidad trazada para cada uno. También destacan en los diferentes momentos donde todos comparten juntos, en sus pequeñas reacciones mientras están tomando, saliendo o ensayando alguna canción. Siendo no sólo la temática quien resultará familiar, también el ambiente.

Las expectativas y realidad es la constante capítulo a capítulo, la entremezcla de sueños con la necesidad de avanzar por el bien de hacerlo, y aún teniendo momentos para el realismo más duro, el mensaje te será conocido si has leído al autor, la vida continúa con sus altos y bajos, siempre nos quedará el recuerdo para esforzarnos y esperar que el mañana sea un poco mejor.

The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Gilbert, Lacie, Lotty & Oz from "Pandora Hearts (Latino)"

English

The basis of the universe in which the story unfolds is a Victorian setting with classic fairy tales, having numerous characters that we recognize from European children's stories known worldwide, be it Alice, Humpty Dumpty or March Hare, building a fairy tale atmosphere. And it is extended through the particular symbolism of the work, chains, invocations and a tragedy prolonged through time, acquiring its own marked personality.

Of course, to express it, it also needs equally consistent ... characters. The Manga has a large cast, each with their own motivations, plans and emotions, at the beginning the goals and ideas for a narrative are presented in a natural way, and towards the end, as the many twists and secrets are revealed, it grows in complexity without seeming imposed or unexpected.

This is also favored by the wide variety of characters represented in the different archetypes used, i.e., there are those who are simple to understand and comprehend because they have been presented as such, others have several layers of remarkable intentions from the first time and a handful are different from what they seem to be. Nor does it imply a heavy or dense narrative, although there were segments where "I had to keep up with the pace", the rest is entertaining to read because of the chemistry they have with each other, strengthened by the archetypes mentioned.

When the harshness of the situation demands it, the mangaka Jun Mochizuki demonstrates her skill as a writer and illustrator to combine it in striking panels, where the beauty or pain of the action is elevated with a few accompanying words. And that talent is captured throughout the work, which can go from comedy to drama without seeming dissonant with her intentions, again, because of the correct arrangement of the characters.

By achieving a work with heart, it is easy to become attached to its characters or to resonate with the different thematic reflections among which are obsession, identity, friendship, love or destiny. Everyone with their own beliefs about it and willing to fight for them to prove their commitment. It is surprising the complexity achieved is in its narrative plane once past the opening presentation, with several narrative threads echoing each other, or in the thematic, with representations and symbolism to demonstrate ideas; although it was not a flawless way.

If I blame a main mistake is that it should have a longer duration either at the beginning or at the end. During the beginning, the universe presented is brimming with attractiveness, due to the presence of fairy tale characters or the Victorian setting, hence I would have liked to see more of the context, of the small places for mere moments that will have transcendence being any memories, because once the key points of the plot begin to happen it keeps constantly going from objective to objective.

In the end the narrative threads use each character, all have something of interest regarding the particular to underline their path, evolution and understanding, but given the amount is inevitable that not all have had the same definition, ending with that in a couple of chapters are presented the revelation and immediately the resolution, making it seem compressed and to lead immediately to the next big event.

Jun's great skill as a mangaka is constantly present in the character design, the presentation of his Victorian universe and the drawing for the action, several panels having remarkable strength in what is represented, while in others where an equally shocking revelation happens, it is enough with little to generate impression and memory.

Pandora Hearts is presented as a tale of dark secrets that ends in an epic and complex story for its many characters, each with their own perspectives. Where what seems to be fate is confronted and overcome because there are those who believe in love, friendship, in themselves and in others.

Español

La base del universo en el que se desarrolla la historia es un ambiente victoriano con cuentos clásicos, habiendo numerosos personajes que reconocemos de historias infantiles europeas conocidas mundialmente sean Alicia, Humpty Dumpty o March Hare, construyendo una atmósfera de cuento. Y es extendido a través del simbolismo particular de la obra, cadenas, invocaciones y una tragedia prolongada a través del tiempo, adquiriendo una propia y marcada personalidad.

Por supuesto, para expresarla también necesita personajes igual de consistentes. La obra cuenta con un amplio elenco, cada quién teniendo sus motivaciones, planes y emociones, consiguiendo que tanto al comienzo se presente de forma natural los objetivos e ideas para trazar una narrativa, como que hacia el final mientras se revelan los numerosos giros y secretos, crezca en complejidad sin parecer impuesta o inesperada.

Lo anterior también es favorecido de la amplia variedad de los personajes representado en los diferentes arquetipos utilizados, es decir, hay quienes son simples de entender y comprender porque así han sido presentados, otros resguardan varias capas de intenciones notables desde la primera vez y un puñado son diferente a lo que parecen ser. Tampoco quiere implicar una narrativa pesada o densa, si bien hubo segmentos donde “debía seguir con el ritmo”, el resto es entretenido de ser leído por la química que tienen unos con otros afianzado por los arquetipos mencionados.

Cuando la dureza de la situación lo exige, la mangaka Jun Mochizuki demuestra su habilidad como escritora y dibujante para compaginarlo en impactantes paneles, donde lo bello o doloroso de la acción queda elevado con unas pocas palabras acompañantes. Y ese talento se plasma en toda la obra, que puede ir de comedia a drama sin parecer disonante con sus intenciones, nuevamente, por la correcta disposición de los personajes.

Consiguiendo una obra con corazón, es fácil encariñarse con sus personajes o resonar con las diferentes reflexiones temáticas entre las que se encuentra la obsesión, identidad, amistad, amor o destino. Cada quien con sus creencias acerca de la misma y dispuesta a luchar por las mismas para demostrar su compromiso. Sorprende que una vez pasada la presentación del comienzo, la complejidad conseguida sea en su plano narrativo, de varios hilos narrativos haciendo eco unos con otros, o en el temático, con representaciones y simbologías para demostración de ideas; aunque tampoco fue un camino impoluto.

Si le achaco un principal error es que debería tener una mayor duración sea al comienzo o en el final. Durante el inicio, el universo presentado rebosa de atractivo, por la presencia de personajes de cuentos o la ambientación victoriana, de ahí que me hubiera gustado ver más del contexto, de los pequeños lugares para meros momentos que tendrán trascendencia siendo recuerdos cualquiera, porque una vez que comienzan a suceder los puntos clave de la trama se mantiene constantemente de objetivo en objetivo.

En el final los hilos narrativos utilizan a cada personaje, todos tienen algo de interés respecto al particular para subrayar su camino, evolución y entendimiento, pero dada la cantidad es inevitable que no todos hayan tenido la misma definición, terminando con que en un par de capítulos sean presentada la revelación e inmediatamente la resolución, haciéndolo parecer comprimido y para guiar inmediatamente al siguiente gran suceso.

La gran habilidad de Jun como mangaka está constantemente presente sea en el diseño de personajes, la presentación de su universo victoriano y el dibujo para la acción, varios paneles teniendo remarcable fuerza en lo representado, a la vez que en otros donde suceda una revelación igual de impactante, le baste con poco para generar impresión y recuerdo.

Pandora Hearts se presenta como un cuento de oscuros secretos que termina en un relato épico y complejo por sus numerosos personajes, cada cuál con sus propias perspectivas. Donde lo que parece ser el destino es enfrentado y superado porque hay quienes creen en el amor, la amistad, en sí mismos y en los otros.

La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al español por KOT7K perteneciente a "GoFansub"

Cuarta antología de Inio Asano, el título traducido es “El fin del mundo y Antes del amanecer”, son 11 capítulos en el que cada uno es una historia diferente, 4 relatos están directamente interconectados y en otros hay inferida una conexión aunque está más disposición de que lo considere así el lector. Las temáticas son varias, entre ellas tenemos la nostalgia, cotidianidad o amistad, sin embargo, hay una constante, sean los personajes adolescentes, jóvenes o adultos, y es sobre crecer.

Un ... adolescente a las puertas de la adultez mediante el contacto con el sexo opuesto, jóvenes aspirando a un sueño o dandose cuenta de que sin proponerselo están consiguiendo una vida común y corriente, o el adulto quien ya habiendo conseguido lo que “esperaba” de él, esposa, casa e hijos, se encuentra a sí mismo en un nuevo inicio. Diferentes personas con diversas edades y personalidades, se enfrentan a la encrucijada de qué hacemos con nuestro presente para corresponder al futuro.

Es inevitable que de evaluarlas individualmente consideremos una historia por encima del resto, sin embargo, contrario a cualquiera de sus anteriores antologías, no considero que ninguna sea “menor” a las otras. Es decir, a nivel semántico, hay una “mejor” pero no “peor”, no hay relato que entorpezca la consistencia, cada cual tiene una reflexión interesante por sí misma y que realiza eco sobre otras historias, y por eso, le considero la mejor antología de Asano hasta ese punto de su carrera.

No sólo hay una refinación en la narrativa individual para conseguir la general, está la forma en cómo sucede cada cual, las reflexiones provienen desde el personaje y sus vivencias en el momento, dándole el toque de naturalidad en vez de sermón o pretensión desde el autor. Como también la definición de cada personaje, hay una escala de grises en que al observar a fondo a una “mala persona” se develan sus problemas y conflictos, no justificación o redención, sólo consideración en que cada quien tiene una vida.

La mencionada historia interconectada es donde Ino mejor demuestra su aprendizaje, cada punto de vista aporta desde la consideración de su personaje para demostrar que aún un suceso cualquiera se construye desde la vivencia de diferentes personas, con sus conflictos y expectativas, aportando entre sí con el mero contacto.

También es generalizado el optimismo de Asano en cada capítulo, sin importar la situación en la que se encuentre, la esperanza de un futuro algo mejor es lo que siempre persiste. Porque aún en el fin del mundo, también es interesante la persistencia de un apocalipsis en sus trabajos, deberíamos esperar a que el próximo día sea mejor que el actual.

Si hay un elemento aparentemente disonante es el curioso primer capítulo, cada par de viñetas compone una minihistoria de todas las índoles imaginables, en el profundo de la noche la vida continúa para quienes estén despiertos. Es una excelente introducción a la composición que pese a deshacerse de los elementos sobrenaturales, explora su atmósfera de cotidianidad y convivencia.

La constante mejora en el dibujo de Asano está en el sentido del encuadre en los momentos determinantes de la narrativa, de amplios escenarios que amplifican las vivencias de los personajes, como también en las situaciones más cotidianas experimentando con ángulos y planos que no había utilizado, o delimitando el ritmo de diferentes maneras. En especial, me gusta cuando se entremezcla cotidianidad y sobrenatural en la misma viñeta, ya presente en sus anteriores trabajos, más por la esencia sobria de está antología destacan todavía más, la combinación de lo común con lo representativo.

Considero está antología su primer gran trabajo, todos los puntos que estuvo desarrollando hasta entonces llegaron al estado que aspiraba sea en narrativa, consistencia o dibujo. Es calificable, para cualquiera, que cada trabajo es sólo un paso hasta el próximo, y que seguramente los consecutivos puedan regresar a ideas y formas aquí presentadas, más eso ni disminuye el valor de su antología, al contrario, se volverá más notable por sí misma y para referencia de lo venidero

English

Fourth anthology by Inio Asano, the translated title is "The end of the world and Before dawn", there are 11 chapters in which each one is a different story, 4 stories are directly interconnected and in others there is an inferred connection although it is more up to the reader to consider it that way. The themes are varied, among them we have nostalgia, everyday life or friendship, however, there is a constant, whether the characters are teenagers, young people or adults, and it is about growing up.

A teenager at the gates of adulthood through contact with the opposite sex, young people aspiring to a dream or realizing that without intending it they are getting an ordinary life, or the adult who has already achieved what society "expected" of him, wife, house and children, finds himself in a new beginning. Different people with different ages and personalities, face the crossroads of what we do with our present to correspond to the future.

It is inevitable that if we evaluate them individually we will consider one story above the rest, however, contrary to any of his previous anthologies, I do not consider any of them to be "lesser" than the others. That is, on a semantic level, there is a "better" but not a "worse" one, there is no story that hinders consistency, each one has an interesting reflection on its own and echoes other stories, and for that reason, I consider it Asano's best anthology to that point in his career.

Not only is there a refinement in the individual narrative to achieve the general one, there is the way in which each one happens, the reflections come from the character and his experiences in the moment, giving it the touch of naturalness instead of sermon or pretension from the author. As well as the definition of each character, there is a scale of grayscale in which to observe in depth a "bad person" reveals their problems and conflicts, no justification or redemption, only consideration that everyone has a life.

The aforementioned interconnected story is where Ino best demonstrates her learning, each point of view contributes from the consideration of her character to show that even a random event is built from the experience of different people, with their conflicts and expectations, contributing to each other with the mere contact.

Asano's optimism is also generalized in each chapter, regardless of the situation in which he finds himself, the hope for a better future is what always persists. Because even at the end of the world, it is also interesting the persistence of an apocalypse in his works, we should hope that the next day will be better than the current one.

If there is an apparently dissonant element it is the curious first chapter, each pair of vignettes composes a mini-story of every imaginable nature, in the depths of the night life goes on for those who are awake. It is an excellent introduction to the composition that despite getting rid of the supernatural elements, explores its atmosphere of everyday life and coexistence.

The constant improvement in Asano's drawing is in the sense of framing in the decisive moments of the narrative, of wide scenarios that amplify the experiences of the characters, as well as in the most everyday situations, experimenting with angles and shots that he had not used before, or delimiting the rhythm in different ways. I especially like when he mixes the everyday and the supernatural in the same vignette, already present in his previous works, but for the normal essence of this anthology, the combination of the common with the representative stands out even more.

I consider this anthology his first great work, all the points he was developing until then reached the state he aspired to be in narrative, consistency or drawing. It's qualifiable, for anyone, that each work is only a step until the next, and that surely the consecutive ones may return to ideas and forms presented here, but that does not diminish the value of his anthology, on the contrary, it will become more remarkable by itself and for reference of what is to come.

La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al español por Kay perteneciente a "Clockwise Fansub"

“La Ciudad de la Luz” es el título y a la vez el nombre del entorno donde se desarrolla los sucesos de está corta antología, sobre una urbanización encima de una colina, con altos edificios de apartamentos y algunas casas en los alrededores; diferentes personajes tendrán sus historias y unas cuántas se interconectan. Un compendio más cercano a su primera antología, utilizando algunas lecciones del segundo.

Notable en la presentación de personajes más moralmente grises sin ser caricaturescos, quien fuera ... villano en un momento, capítulos después es profundizado, y no es por algún intento de redención o justificación sino porque es demostración de una idea inherente en la obra, cada quien es producto del ambiente donde se desarrolla, y es que, el escenario es un personaje en sí mismo.

La urbanización encierra constantemente a los personajes durante los diferentes capítulos, difiere del “entorno conocido”, es más acertado decir que corresponde a una “atmósfera reconocible”. Sea cual sea la historia, los personajes están rodeados de altas edificaciones que deberían aguardar a cientos de personas, sin embargo, las calles se sienten vacías, la palpable soledad de concreto en la ausencia de una comunidad, y por el contrario, donde ocurren los momentos de mayor humanidad es en las casas del alrededor, con espacios más abiertos para un sol que puede cubrir el escenario sin que algo se interponga.

La caracterización de cada escenario y el contraste entre ambos es motivación para un par de las narraciones, en otras es reflejo para las introspecciones sobre la aparente “vida” de los personajes. En cuánto a las diferentes historias, si bien cada cuál tiene su punto de interés, tal como dije en la reseña de su primer trabajo, aún carece de consistencia, notable en que conforme se alarga un suceso más inconexo es.

A lo largo de cada narrativa es constante el característico pesimismo de Asano, sin embargo, tiene significado porque está vez no deja aparte ni para último momento a la “luz en la oscuridad”, es decir, corresponder a cómo aún en situaciones tan inescapables y desafortunadas, puede iluminar la esperanza de un cambio. En este punto de la revisión de su obra y sabiendo lo próximo, calificar de característico su pesimismo debería estar a la par de su optimismo.

Lo que siempre mejora trabajo tras trabajo es su habilidad de dibujante. En el compendio está subrayada la idea de luces y sombras, el dibujo corresponde al planteamiento temático, un marcado juego de iluminación notable en las diferencias entre el opresivo entorno citadino a comparación de los suburbios o cuándo el cielo está despejado en medio de los edificios, la habilidad de Asano en crear impactantes paneles con la acción de alguien para que parezcan tener significado en ese momento para los personajes, o por supuesto, el detalle en presentación y alcance de la ciudad.

En general, la antología es un paso adelante en su visión de autor, una historia algo interconectada en la que ningún personaje se siente gratuito en un escenario que tiene significado por sí mismo, pero varios de los sucesos y su intencionalidad siguen sin consolidarse, dando una obra que aún está a camino de conseguir la consistencia que ha buscado durante ese último par de años.

English

"The City of Light" is the title and at the same time the name of the setting where the events of this short anthology take place, about a housing development on top of a hill, with tall apartment buildings and some houses in the surroundings; different characters will have their stories and a few of them are interconnected. A compendium closer to his first anthology, using some lessons from the second.

Remarkable in the presentation of characters more morally gray without being caricatures, who was a villain at one point, chapters later is deepened, and it is not for some attempt at redemption or justification but because it is a demonstration of an inherent idea in the work, everyone is a product of the environment where it develops, and is that, the scenario is a character in itself.

The urbanization constantly encloses the characters during the different chapters, it differs from the "known environment", it is more accurate to say that it corresponds to a "recognizable atmosphere". Whatever the story, the characters are surrounded by tall buildings that should await hundreds of people, however, the streets feel empty, the palpable loneliness of concrete in the absence of a community, and on the contrary, where the moments of greater humanity occur is in the surrounding houses, with more open spaces for a sun that can cover the stage without something getting in the way.

The characterization of each setting and the contrast between the two is motivation for a couple of the narratives, in others it is reflection for the introspections on the apparent "life" of the characters. As for the different stories, while each one has its point of interest, as I said in the review of his first work, it still lacks consistency, noticeable in that the longer an event drags on, the more disjointed it becomes.

Throughout each narrative Asano's characteristic pessimism is constant, however, it has meaning because this time he does not leave aside even for the last moment the "light in the darkness", that is, corresponding to how even in such inescapable and unfortunate situations, he can illuminate the hope of a change. At this point in the review of his work and knowing what is forthcoming, qualifying his pessimism as characteristic should be on a par with his optimism.

What always improves work after work is his skill as a draftsman. In the compendium the idea of lights and shadows is underlined, the drawing corresponds to the thematic approach, a marked game of lighting notable in the differences between the oppressive city environment compared to the suburbs or when the sky is clear in the middle of the buildings, Asano's ability to create striking panels with someone's action so that they seem to have meaning at that moment for the characters, or of course, the detail in presentation and scope of the city.

Overall, the anthology is a step forward in his authorial vision, a somewhat interconnected story in which no character feels gratuitous in a scenario that has meaning on its own, but several of the events and their intentionality remain unconsolidated, yielding a work that is still on its way to achieving the consistency he has sought over those last couple of years.

La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al inglés por RallyT perteneciente a "CiRE’s Mangas"

Esta es mi primera reseña de un manga hentai, tengo planificado escribirlas de forma esporádica cada par de meses. Y por ser la inicial, quiero dictaminar cuál es mi enfoque respecto a las mismas, porque contrario al manga tradicional donde no me limito a género ni temas, la mayoría del hentai tiene de principal objetivo el disfrute del espectador por medio del dibujo y narrativa del artista de una forma más íntima, sea porque comparten interés por la situación ... o en los fetiches específicos que tiene con su público; aceptando a la ficción por ficción y que en la lectura nos trasladamos al terreno de la fantasía, donde no correspondemos a una estructura social ni ideología, únicamente a los deseos pertenecientes a la imaginación.

Lo anterior es meramente una justificación para “me gusta lo que me gusta y leo de lo que me gusta”, soy un hombre heteresexual, lo que dictamina los mangas en mi interés de lectura y a los que realizaré reseña. Aunque subrayando, no serán frecuentes las “reseñas hentai” y por el momento, son de mangas que he leído hace bastante y considero merecen una reseña.

Aclaración: Debido a las Guidelines de Anilist no incluiré imágenes explícitas para justificar los apuntes específicos que realice en la sección de dibujo, aliento a que leas por tu cuenta para reconocer si es válida o no mi observación.

Precisamente, he decidido comenzar por una de las obras más reconocidas de Yamatogawa, uno de los primeros artistas en tener traducciones licenciadas al inglés y español en varios de sus trabajos. Y no sorprende, su trabajo es factiblemente comercializable al gran público, siendo en su mayoría antologías de parejas colegiales quienes están viviendo su primer amor o que están en la “primavera de la juventud”, aunque hay un par de “trabajos narrativos” más guiados hacia fetiches específicos (aún al alcance del gran público).

Tayu Tayu es un caso particular, puede considerarse un término medio entre ambos enfoques. La historia es sobre Reiji quien regresa durante las vacaciones de verano a su pueblo natal después de ocho años, donde se reencontrará con las hermanas Shiho y Midori, sus amigas de la infancia. En principio, da la apariencia de ser un planteamiento de triángulo amoroso y así corresponde durante los primeros capítulos, sin embargo, termina siendo un harem al ser agregadas todas las otras chicas de la escuela (lo cuál serían otras 3, la crisis del colegio rural japonés).

En principio, la historia de triángulo romántico funciona muy bien dada la efectiva caracterización de Shiho y Midori, debido a que el autor las diferencia al asignarles arquetipos completamente diferentes, Shiho es silenciosa y dominante mientras que Midori es expresiva y atrevida. Reiji como protagonista no es tan palurdo a comparación de similares, lo que no quita que sea plenamente débil ante la mínima tentación. La receta perfecta para malentendidos entre las partes, aunque teniendo una línea definida, el mutuo interés de Midori y Reiji, con una Shiho que no tiene escrúpulos en inmiscuirse.

La obra tiene un sentido del humor común en los trabajos de Yamatogawa, lo cuál aligera la severidad de la situación, además de que la cercana relación entre las hermanas daba para que la situación quedase tal como estaba con la complicidad de todos los involucrados. Y entonces las otras chicas entran al ruedo.

El mayor detrimento es la construcción del triángulo amoroso y de ahí la narrativa que tuviese hasta el momento la historia, no desaparece completamente, de hecho sigue presente en la figura de Midori como una enamorada lastimada y apartada, resuelto por el humor mencionado y que Reiji pueda ser directo y galán cuando se lo proponga. Pero queda la impresión sobre cómo podría haber sido otro trabajo más consistente de haber tenido menos elementos, en especial porque ninguna de las otras chicas la considero igual de memorable en su caracterización como las hermanas.

Eso sí, toda la situación encaja en la atmósfera nostálgica de la obra, recuerdos de un verano distante, además reforzado por diferentes apuntes durante la historia. Pero el principal contribuyente es el gran dibujo, teniendo en varios paneles dedicación a mostrar el pueblo y su característica soledad rural.

Por supuesto, la especialización del dibujo va hacia el sexo, primero debo destacar su composición porque aún cuándo hay bastantes personas, se posicionan los elementos para entender que está sucediendo a la par de centrarse en la acción más importante del momento, y de estar ocurriendo más de un encuentro a la vez, lo distribuye limpiante en la hoja para que el lector lo disfrute a plenitud.

También hay un buen diseño de personajes, empezando por las hermanas donde hace juego con sus personalidades, Midori parecida a una sociable gal y Shiho a una silenciosa belleza. El autor tiene preferencia por los pechos grandes, que destacan sea en una escena cualquiera donde se siente el “peso” en el dibujo o en los paneles dedicados a enaltecer la “acción”, en los que utiliza otros ángulos y acapara todo el panel, especial mención a su gran trabajo en la expresión facial de las chicas.

La dedicación a cada escena es otra genialidad, no va directamente a la penetración, existe el juego previo y la construcción de expectativas lo que la vuelve más vinculante y placentera, potenciado cuándo son más de dos personas en el encuentro porque sabe dividir la presentación entre lo realizan los demás y lo que sucede en la pareja principal, todo en una cuantiosa (y agradecible) cantidad de paneles.

Y es que aún fuera de las escenas sexuales, Yamatogawa tiene notable habilidad para el posicionamiento de los personajes en un diálogo natural, de construir una historia, especialmente notable en los primeros capítulos o hacia el final en el festival del pueblo. Podría saltar al “terreno mainstream” sin esfuerzo alguno (el divertido capítulo extra de la profesora lo reafirma).

Podría haber sido mejor en su enfoque nostálgico de haberse dedicado sólo al triángulo amoroso donde llegará a la misma conclusión acerca de confrontar sentimientos y expectativas, pero tampoco es bajo ningún término un desperdicio o pérdida. El dibujo de Yamatogawa es una genialidad y su sentido de la composición aseguran el pleno disfrute, y la historia es cumplidora para dejarte llevar en lo necesario.

English

This is my first review of a hentai manga, I plan to write them sporadically every couple of months. And for being the first, I want to dictate what is my approach to them, because contrary to traditional manga where I do not limit myself to genre or themes, most hentai has as main objective the enjoyment of the viewer through the drawing and narrative of the artist in a more intimate way, either because they share interest in the situation or in the specific fetishes they have with their audience; accepting fiction for fiction and that in reading we move to the realm of fantasy, where we do not correspond to a social structure or ideology, only to the desires belonging to the imagination.

The above is merely a justification for "I like what I like and I read what I like", I am a heteresexual man, which dictates the manga in my reading interest and which I will review. Although underlining, "hentai reviews" will not be frequent and for the moment, they are of manga that I have read quite a while ago and I consider deserve a review.

Clarification: Due to Anilist's Guidelines I will not include explicit images to justify the specific notes I made in the drawing section, I encourage you to read on your own to recognize if my observation is valid or not.

Precisely, I have decided to start with one of Yamatogawa's most recognized works, one of the first artists to have licensed translations into English and Spanish in several of his works. And not surprisingly, his work is feasibly marketable to the general public, being mostly anthologies of teenagers couples who are living their first love or who are in the "spring of youth", although there are a couple of "narrative works" more oriented towards specific fetishes (still within the reach of the general public).

Tayu Tayu is a particular case, it can be considered a middle ground between both approaches. The story is about Reiji who returns during the summer vacations to his hometown after eight years, where he will be reunited with the sisters Shiho and Midori, his childhood friends. At first, it gives the appearance of being a love triangle approach and so it corresponds during the first chapters, however, it ends up being a harem when all the other girls of the school are added (which would be another 3, the crisis of the Japanese rural school).

In principle, the romantic triangle story works very well given the effective characterization of Shiho and Midori, because the author differentiates them by assigning them completely different archetypes, Shiho is silent and dominant while Midori is expressive and daring. Reiji as a protagonist is not so redneck compared to similar ones, which does not detract from the fact that he is fully weak at the slightest temptation. The perfect recipe for misunderstandings between the parties, though having a definite line, the mutual interest of Midori and Reiji, with a Shiho who has no scruples about meddling.

The manga has a sense of humor common in Yamatogawa's works, which lightens the severity of the situation, plus the close relationship between the sisters allowed the situation to remain as it was with the complicity of all involved. And then the other girls enter to the plot.

The biggest detriment is the construction of the love triangle and hence the narrative that had so far the story, does not disappear completely, in fact it is still present in the figure of Midori as a hurt and estranged lover, resolved by the humor mentioned and that Reiji can be direct and gallant when he proposes. But the impression remains of how it could have been another more consistent work had it had fewer elements, especially since none of the other girls I consider equally memorable in their characterization as the sisters.

Of course, the whole situation fits in the nostalgic atmosphere of the work, memories of a distant summer, further reinforced by different notes during the story. But the main contributor is the great drawing, having in several panels dedication to show the village and its characteristic rural solitude.

Of course, the specialization of the drawing goes towards sex, first I must highlight its composition because even when there are many people, the elements are positioned to understand what is happening while focusing on the most important action of the moment, and if more than one encounter is happening at a time, it distributes it cleanly on the page for the reader to enjoy it to the fullest.

There is also good character design, starting with the sisters where it matches their personalities, Midori resembling a sociable gal and Shiho a silent beauty. The author has a preference for large breasts, which stand out either in any scene where you feel the "weight" in the drawing or in the panels dedicated to exalt the "action", where he uses other angles and monopolizes the entire panel, special mention to his great work in the facial expression of the girls.

The dedication to each scene is another genius, it does not go directly to the penetration, there is the foreplay and the building of expectations which makes it more binding and enjoyable, enhanced when there are more than two people in the encounter because it knows how to divide the presentation between what the others do and what happens in the main couple, all in a large (and grateful) number of panels.

And even outside of the sexual scenes, Yamatogawa has a remarkable ability to position the characters in a natural dialogue, to build a story, especially noticeable in the first chapters or towards the end at the village festival. It could jump into "mainstream territory" effortlessly (the amusing extra chapter of the teacher reaffirms this).

It could have been better in its nostalgic approach had it been devoted only to the love triangle where it will come to the same conclusion about confronting feelings and expectations, but neither is it under any terms a waste or loss. Yamatogawa's drawing is genius and his sense of composition ensures full enjoyment, and the story is accomplished enough to let you get carried away as needed.