The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL).
The version read is the Spanish translation by “EdoEPM” of “Soloist”.
Sakamoto's acclaimed work begins precisely when Sakamoto is completely in charge of it. At the beginning he is only the artist, it is after the departure of Yoshio Nobeta from the project that he is established as the scriptwriter, from that point the work abandons the few conventional quarrels it still had and embarks on a more personal narrative.
Which was ideal for the approach of the project, the biography is typically built with snippets of the person to build a coherent narrative
...
in something immensely complex as is the testimony of an existence, and the work is no exception to the rule, the difference is that its value is not built on a presentation of characters that we will see grow in parallel with the protagonist, we will only have him as a constant, him and his loneliness.
It is an ideal convergence of theme with context, Buntarou's loneliness exposed in mountaineering, a discipline that has two perspectives on it, on the one hand, the human being in absolute solitude in environments where he is not allowed to be, while given the extreme nature of the practice going in company is the norm, having each other's backs.
And it is along these lines that the story unfolds, in Mori's tug-of-war with his loneliness and the necessary and inevitable connection with others. City and mountain are presented in parallel as dangerous environments for those who are alone, the difference being the protagonist's preference for the latter because that is the only place where he finds himself.
Nor does it infer that the mountain is presented as a permissive environment to its visitors, again, the normal is the company because it is merciless and unpredictable. Death is a constant in the story, mountaineers are victims of the elements, accidents and unforeseen events, the protagonist himself, even with his great skill and cautious attitude, is exposed to this fortuitous blow of fate.
Neither is death in a positive light, in the mountain death is in solitude, the disappearance of a body or its disfigurement, there will be little or nothing left to see for those who were left behind waiting for its return. It is aligned with the main intention, to approach solitude in appreciation, especially in its contemplative moments, having its natural environments as a background, but not to exalt it.
The work is composed of different time jumps, several of the protagonist's accomplishments are not presented, it is only constituted of punctual moments around its main theme, represented either in the escalation that is the human connection especially in the most inhospitable environments, the difficulty of establishing empathy with a stranger, or overcoming the continuous betrayals. Towards its final stretch it has an expected development, given that stories about loneliness and connection ideally end at the same point, however, it has one quality that sets it apart from similar ones, and that is the application of its drawing.
What is immediately remarkable is Sakamoto's immense talent as a draftsman, in a story with an emphasis on natural landscapes, inhospitable in immense heights, almost becomes a requirement for a presentation at the height of the demand, more than reciprocated by the artist. Whether in a strictly naturalistic sense, with the presentation of vast landscapes with snowy peaks, huge stone walls, and the extension of a view immersed in the horizon, or in a poetic appreciation in which the impressive landscape is intermingled with the vision of the protagonist, with boreal clouds, and an almost religious concealment given the perfection of the environment.
But there is another genius of the author, and it is the application of visual metaphors, corresponding to the illustrated existence as a story because the difference with the novel is precisely to make an adaptation not only presentation, but representation. A few examples are Mori of monster reflecting his discomfort in open environments, ghosts that haunt him on the climb or the division of his body in two between those who crave solitude and those who want to return to the connection he has managed to establish.
And in the same sense, there are different narrative elements that converge in his narrative, achieving that a story of loneliness and sport allows readings and reflections of more than enough interest for those who want to extend in analysis about it, whether in characters or artistic decisions, represented in the importance of each element however small it may seem, the snow that does not let you see only what is immediately close to bring the reader closer to the experience that the protagonist goes through, or the perspective view of the mountain in which only a rope on the stone wall can be distinguished.
I also want to highlight the emphasis placed on the body because the naturalistic and detailed dedication of his landscapes is usually praised, but so should be his representation of the male body toned for the extreme conditions. Reminiscent of Greek statues and anatomical studies, the strength of the muscles, tension of the tendons, reflection of training and dedication are equally impressive, especially when used in these metaphorical panels for the explanation of different dilemmas and emotions.
Nor should we overlook his sense of positioning and construction of panels, applying almost all the existing techniques of the comic, be it contraposition or achievement, denoting the work in planning each chapter in itself and within the story. Again, to further punctuate the reflection on the immersed feeling of the moment.
And the careful detail around the climbing, there are numerous technical explanations about the methods and materials used professionally, also in the different ways of climbing in which each element at your disposal is used, and of personal note, the interest on the small amount of elements to carry in the climbs of high demand in order to lighten the weight. Altogether they achieve robustness on the credibility of the story.
Kokuo no Hito has deserved the recognition it has achieved, it is a representation in full form of the medium, because its quality does not reside only in the story, on the contrary, a known narrative is elevated by the skill of its writer and illustrator to explore it in an intimate way through visual symbols and impressive landscapes, making the reader even closer to the reflection because will not only have read it, has seen it due to the dedication of the illustrator, and if did his part, has also lived it.
Español
La aclamada obra de Sakamoto comienza precisamente cuando Sakamoto está completamente a cargo de la misma. En principio sólo es el dibujante, es tras la partida de Yoshio Nobeta del proyecto en que él es establecido como guionista, desde ese punto la obra abandona las pocas rencillas convencionales que todavía tenía y se embarca en una narrativa más personal.
Lo cuál le venía ideal al enfoque del proyecto, la biografía típicamente se construye con retazos de la persona para construir una narrativa coherente en algo inmensamente complejo como es el testimonio de una existencia, y la obra tampoco es una excepción de la norma, la diferencia es que su valor no se construye en una presentación de personajes que veremos crecer paralelamente junto al protagonista, únicamente le tendremos a él de constante, a él y su soledad.
Es una convergencia ideal de temática con contexto, la soledad de Buntarou expuesta en el montañismo, una disciplina que tiene dos perspectivas respecto a la misma, por un lado, al ser humano en absolutamente solitario en entornos donde no le está permitido estar, a la vez que dada la naturaleza extrema de la práctica ir en compañía es lo normativo, cuidarse la espalda unos a los otros.
Y en esa línea se expone la historia, en el tira y afloja de Mori con su soledad y la necesaria e inevitable conexión con los demás. Ciudad y montaña se presentan paralelamente de entornos peligrosos para quién esté solo, la diferencia es la preferencia del protagonista por el segundo porque únicamente ahí es cuando más se encuentra consigo mismo.
Tampoco infiere que la montaña sea presentada como un entorno permisivo a sus visitantes, nuevamente, lo normal es la compañía porque es despiadada e imprevisible. La muerte es una constante en la historia, alpinistas son víctimas ante los elementos, accidentes e imprevistos, el mismo protagonista aún con su sobrada habilidad y actitud precavida, está expuesto a ese golpe fortuito del destino.
Ni está en una luz positiva la muerte, en la montaña la muerte es en soledad, la desaparición de un cuerpo o su desfiguración, no quedará o queda poco de ver para quienes quedaron atrás esperando su regreso. Está alineada con la intención principal, abordar la soledad sea en apreciación, especialmente en sus momentos contemplativos teniendo de fondo a sus ambientes naturales, más tampoco enaltecerla.
La obra está compuesta de diferentes saltos temporales, varias de las hazañas del protagonista no son presentadas, únicamente se constituye de momentos puntuales alrededor de su temática principal, representada sea en la escalada que es la conexión humana especialmente en los entornos más inhóspitos, la dificultad de establecimiento de la empatía con un desconocido, o la superación de las continuas traiciones. Hacia su recta final tiene un desarrollo esperable, dado a que las historias sobre soledad y conexión idealmente terminan en el mismo punto, sin embargo, tiene una cualidad que le destaca sobre similares, y es la aplicación de su dibujo.
Lo inmediatamente notable es el inmenso talento de Sakamoto como dibujante, en una historia con énfasis en los paisajes naturales, inhóspitos en inmensas alturas, casi se convierte en requerimiento una presentación a la altura de la exigencia, correspondido sobradamente por el artista. Sea en un sentido estrictamente naturalista, con la presentación de amplios paisajes con picos nevados, enormes muros de piedra, y la extensión de una vista sumergida en el horizonte, o en una apreciación poética en que el impresionante paisaje se entremezcla con la visión del protagonista, con nubes boreales, y un encubrimiento casi religioso dada la perfección del entorno.
Más hay otra genialidad del autor, y es la aplicación de metáforas visuales, correspondiendo a la existencia ilustrada como historia porque la diferencia con la novela es precisamente hacer una adaptación no de únicamente presentación, sino representación. Unos pocos ejemplos son Mori de monstruo reflejando su incomodidad en entornos abiertos, fantasmas que le acosan en la escalada o la división de su cuerpo en dos entre quien ansía la soledad y el que quiere regresar a la conexión que ha conseguido establecer.
Y en el mismo sentido, hay diferentes elementos narrativos que convergen en su narrativa, consiguiendo que una historia de soledad y deporte permita lecturas y reflexiones de sobrado interés para quien quiera extenderse en análisis acerca de la misma, sea en personajes o decisiones artísticas, representado en la importancia de cada elemento por nimio que parezca, la nieve que no deja ver sino lo inmediatamente cercano para acercar al lector a la experiencia por la que pasa el protagonista, o la visión en perspectiva de la montaña en el que sólo se distingue una cuerda en el muro de piedra.
También quiero destacar el énfasis realizado hacia el cuerpo porque usualmente es alabada la dedicación naturalista y detallada de sus paisajes, más también debería serlo su representación del cuerpo masculino tonificado para las extremas condiciones. Recordando a estatuas griegas y estudios anatómicos, la fuerza de los músculos, tensión de los tendones, reflejo del entrenamiento y dedicación son igual de impresionantes, especialmente cuando son utilizados en esos paneles metafóricos para la explicación de diferentes dilemas y emociones.
Tampoco se debe dejar pasar su sentido del posicionamiento y construcción de paneles, aplicando casi todas las técnicas existentes del cómic sea contraposición o consecución, denota el trabajo en planificar cada capítulo en sí mismo y dentro la historia. Nuevamente, para puntualizar todavía más la reflexión sobre el sentimiento inmiscuido del momento.
Y el cuidado detalle alrededor de la escalada, hay numerosas explicaciones técnicas acerca de los métodos y materiales usados profesionalmente, también en las diferentes formas de escalar en que se aprovecha cada elemento a su disposición, y de acotación personal, el interés que me genero sobre la poca cantidad de elementos a llevar en las subidas de alta exigencia con tal de aligerar el peso. En conjunto consiguen robustez sobre la credibilidad del relato.
Kokuo no Hito tiene merecido el reconocimiento que ha conseguido, es una representación en plena forma del medio, porque su cualidad no reside en únicamente la historia, al contrario, una narrativa conocida es elevada por la destreza de su escritor y dibujante al explorarla de forma íntima a través de símbolos visuales e impresionantes paisajes, volviendo todavía más cercano para el lector la reflexión porque no únicamente la habrá leído, la ha visto debido a la dedicación del dibujante, y si puso de su parte, también la ha vivido.
Apr 11, 2025
Kokou no Hito
(Manga)
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The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL).
The version read is the Spanish translation by “EdoEPM” of “Soloist”. Sakamoto's acclaimed work begins precisely when Sakamoto is completely in charge of it. At the beginning he is only the artist, it is after the departure of Yoshio Nobeta from the project that he is established as the scriptwriter, from that point the work abandons the few conventional quarrels it still had and embarks on a more personal narrative. Which was ideal for the approach of the project, the biography is typically built with snippets of the person to build a coherent narrative ...
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Apr 4, 2025
Fire Punch
(Manga)
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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by "Norma Editorial" Fujimoto's first serialization was in Shonen Jump+, and while he had some popularity at the time, which influenced his next work to make the jump to the main magazine, most of his readers and fans have discovered it in hindsight, that is, curiosity having read Tatsuki's most famous work and wondering about the predecessor. That was my case too, so in a way I was “prepared”, which in itself causes me some “pity”, I missed the bewilderment his fans ... must have had at the time. And I'm not referring to violence or the like, but to the narrative itself. Whether with this work or Chainsaw Man, as you read on, you understand that you are unable to know where the story is going. The known rules about the construction of a story are broken, and broken with rage, the character that seemed important dies in the next chapter, the arc that was going to one direction goes to a completely different one, the lesson learned is immediately questioned; in a simile with respect to the protagonist you are only left to continue to know what the next chapter has in store. I did not insinuate improvisation, or that Tatsuki intends to shock by merely doing it, as you read you understand that the author's intention has always been clear and consistent since his first chapters, to live for the sake of doing it, for those we knew, know and will know. Fujimoto uses different symbols and themes to spice up this path, in his world made up of lies, we come across existential, transhuman and even religious symbols, ultimately used to give more impact and some other reading to the events, but they are not addressed nor are they equally important compared to his humanist core. This is how the narrative approach is understood, it is not interested in making us participants of the world or explaining each of its mechanisms or dynamics, we will only be witnesses of Agni's journey, his crusade to understand the world in which he exists. Linked to the convergence of pain, the hope of tomorrow and the understanding of the incomprehensible, are the films presented through a secondary character, a marked cinematic presence that we would see again in some of his next works. In Fire Punch, film, i.e. cinema, is used as a way to give meaning to seemingly inconsistent events by assigning them a narrative structure with defined characters. Whether in its literal or metaphorical analysis, the function of cinema is a way to understand our human condition, a narrative play to “meta” with its own narrative condition. Which provides the basis for several comic moments that alleviate the constant pain and suffering, it is at this point that many qualify the work as “Edgy” and I understand that reasoning, but knowing the pretension of the work to teach about the value of life and the value of living it, I understand that it must go to the extreme of the imaginable to convey hopelessness. And furthermore, I believe that someone who would only dedicate himself to “shock for the sake of shock” would be incapable of constructing several of the scenes of the secondary characters in which their most personal dilemmas are explored, such as identity, where their fears and aspirations are revealed without pretense or pretensions, they are only sincere verbal expressions. In this work Fujimoto's lack of understanding about what is acceptable or not in a heroic story is evident; incest, cannibalism, revenge, connection, hope, courage, interconnected by the same medium, rage, a rage in force since the first tragedy, a rage that consumes until the end, which is faced and seems to overcome to return with more strength and anger, which coexists along with its humanist message, and hence becomes the fit of its elements. His ending is the most questionable thing, to what extent it is accepted by the reader is very dependent on the position of the reader in relation to what he expected by his narrative, and in my case, it has seemed to me precisely the unexpectedly predictable. I value more the exhibition of the pure Fujimoto instead of something more distilled, because it is still present the author's seal of identity that has taught us from the first chapters, so it is not out of tune with itself. His drawing is the improvement of the style present in the One Shots immediately prior to the serialization. Recognizable facial expressions ideal to represent the wide repertoire of emotions of the different characters in their various moments, in the packaging and sense of rhythm of the action-focused is variant, has spectacularity in the destruction and violence, while it can become coarse at certain times. More considering the scope of the work, and all the different moments in it, highlights its presentation for each particular, whether in the most personal moments in which isolates the character to let him be, while in the battles varies the angle depending on which best represents the impact and the brute force of the movement. Fujimoto's first work I still consider the most genuine in terms of his own feelings, while in others there is a reflection about relationships, his work and the process of creation, in Fire Punch it is about himself without having to respond to a pressure or fanatical expectation, although he surely had to respond to the magazine, he had the advantage of a place of publication with more freedom to present that anger in the way he wanted. A perfectly imperfect work, it still is. Español La primera serialización de Fujimoto fue en la Shonen Jump+, y si bien en su día tuvo cierta popularidad, que influyó a que su próxima obra diera el salto a la revista principal, la mayoría de sus lectores y fanáticos lo ha descubierto en la retrospectiva, es decir, la curiosidad al haber leído la obra más famosa de Tatsuki y preguntarse acerca del predecesor. También fue mi caso, así que en cierto modo “estaba preparado”, lo que en sí mismo me causa cierta “lástima”, me perdí el desconcierto que debieron tener sus seguidores en ese momento. Y no me refiero a la violencia ni similares, sino a la narrativa en sí misma. Sea con esta obra o con Chainsaw Man, conforme vas leyendo entiendes que eres incapaz de saber hacia dónde se dirige la historia. Las sabidas normas acerca de la construcción de un relato son rotas, y rotas con rabia, el personaje que parecía importante muere en el siguiente capítulo, el arco que iba a un dirección se dirige a otra completamente diferente, la lección aprendida es inmediatamente cuestionada; en un símil con respecto al protagonista sólo te queda continuar para saber qué depara el siguiente capítulo. No insinuó improvisación, o que pretenda impactar por meramente hacerlo, conforme lees comprendes que la intención del autor siempre ha sido clara y consistente desde su primeros capítulos, vivir por el bien de hacerlo, por quienes conocíamos, conocemos y conoceremos. Fujimoto utiliza diferentes símbolos y temáticas para aderezar este camino, en su mundo conformado de mentiras, nos topamos con símbolos existenciales, transhumanos y hasta religiosos, en últimas utilizados para darle más impacto y alguna que otra lectura a los sucesos, pero no son abordados ni son igual de importantes a comparación de su núcleo humanista. Así se comprende al enfoque narrativo, no está interesado en hacernos partícipes del mundo ni explicarnos cada uno de sus mecanismos ni dinámicas, sólo seremos testigos de la travesía de Agni, su cruzada por comprender el mundo en el que existe. Ligado a la convergencia del dolor, la esperanza del mañana y entendimiento de lo inentendible, se encuentran las películas presentadas a través de un personaje secundario, una marcada presencia cinematográfica que volveríamos a ver en algunas de sus próximas obras. En Fire Punch, la película, es decir, el cine, es utilizado como una forma de dar significado a los sucesos aparentemente inconsistentes a través de asignarle una estructura narrativa con personajes definidos. Sea en su análisis literal o metafórico, la función del cine es una vía para comprender nuestra condición humana, un juego narrativo hasta “meta” con su propia condición de narración. Lo cuál brinda la base para varios momentos cómicos que alivian en algo a la constante de dolor y sufrimiento, es en este punto que varios califican la obra de “Edgy” y comprendo ese razonamiento, más sabiendo la pretensión de la obra en aleccionar acerca del valor de la vida y el valor de vivirla, entiendo que debe llegarse al extremo de lo imaginable para transmitir la desesperanza. Y además, considero que alguien que únicamente se dedicará a “impactar por impactar”, sería incapaz de construir varias de las escenas de los secundarios en que se exploran sus dilemas más personales, como la identidad, donde sus temores y aspiraciones se desvelan sin aleccionamiento ni pretensiones, sólo son expresiones verbales sinceras. En esta obra queda patente el desentendimiento de Fujimoto acerca de lo que es aceptable o no en una historia heroica; conviven en sus páginas incesto, canibalismo, venganza, conexión, esperanza, valor, interconectados por el mismo medio, la rabia, una rabia vigente desde la primera tragedia, una rabia que consume hasta el final, que se enfrenta y parece superarse para volver con más fuerza e ira, que convive a la par de su mensaje humanista, y de ahí se convierta en el encaje de sus elementos. Su final es lo más cuestionable, hasta qué punto sea aceptado por el lector es muy dependiente de la posición del mismo en relación a lo que esperaba por su narrativa, y en mi caso, me ha parecido precisamente lo inesperadamente previsible. Valoro más la exhibición del puro Fujimoto en vez de algo más destilado, porque sigue presente el sello de identidad de autor que nos ha aleccionado desde los primeros capítulos, por lo tanto tampoco está fuera de tono respecto a sí mismo. Su dibujo es el perfeccionamiento del estilo presente en los One Shots inmediatamente previos a la serialización. Reconocibles expresiones faciales ideales para representar el amplio repertorio de emociones de los diferentes personajes en sus varios momentos, en el enmaquetado y sentido del ritmo del enfocado a la acción es variante, tiene espectacularidad en la destrucción y violencia, a la vez que puede hacerse tosco en según qué momentos. Más considerando el alcance de la obra, y todos los diferentes momentos en ella, destaca su presentación para cada particular, sea en los instantes más personales en los que aísla al personaje para dejarle ser, mientras que en las batallas varía de ángulo según el que represente mejor el impacto y la fuerza bruta del movimiento. El primer trabajo de Fujimoto lo sigo considerando el más genuino en cuánto a sus propios sentimientos, si bien en otros hay una reflexión acerca de las relaciones, de su trabajo y del proceso de creación, en Fire Punch es acerca de él mismo sin aún tener que corresponder a una presión ni expectativa fanática, sí bien seguramente debía responder a la revista, tenía la ventaja de un lugar de publicación con más libertad para presentar esa rabia de la forma en que quería. Un trabajo perfectamente imperfecto, todavía lo sigue siendo.
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Mar 28, 2025
Ozanari-kun
(Manga)
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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the English translation by “Bakemono-Recchan” and edited by “M3OW”. While Asano was embarking on his most popular work, from time to time he published chapters of other series with varied themes, in the case of the particular one it can be considered as his most experimental work up to that moment either in the form, presentation or the structure of its narrative; First of all we come across a “gag manga”, few panels that revolve around a joke, usually presented in 4koma, however, in the case of Ozanari-kun it ... usually occupies between 2 to 4 pages with a couple of exceptions. Apart from their length, in fact, what is immediately remarkable is their color presentation. Greens, yellows, purples or blues, uncommon tones are used in each chapter, I consider that associating them individually with some emotion is a bit of an “overthought” exercise, but they do not seem to be directed at random, they are selected in a harmonious way as far as possible from the bizarre, punctuating the general atmosphere of the scene whether a ridiculous or sensitive event takes place. With a couple of chapters we will get used to it and appreciate it. Next is his character design, close to his cartoon drawings that we have noticed in some moments in other works. Geometric figures with the necessary details to be expressive through exaggeration, or to reflect different personality traits just by implementing a couple of changes in accessories or costumes. And of course, they fit perfectly in their color presentation, each one corresponding to the other, without knowing which came first. Topped off in the intermingling of different styles, photo clippings accompany the landscape from time to time, a more plastic, close and miscellaneous touch, again ratifying being an “experimental” work. Trying out different techniques and ideas through the freedom allowed by the narrative, which begins only as a joke and changes little by little as Asano shows more of himself. In principle they are exaggerated archetypes conducive to exaggerated exchanges for surreal, absurd or very Japanese humor, the manzai with the roles of Boke and Tsukomii, each hyper-focused on his specific role. Here it connects or not with the joke, although you can appreciate how intricate some of them are, but for the most part they require general knowledge of Japanese to grasp all their implications (special thanks to the translation I read, which made from time to time detailed explanations of the different references). But as I mentioned, from a certain point one of Asano's recurring themes enters the coalition, settling a bit into the narrative: Music, specifically Rock. The genre of youth, serving as a comparison between the clinging youth and the nostalgic adult. Linking back to the lessons of previous works with a less serious approach, though just as sincere and even better achieved (than some) by that lack of restraint. Music being motivation to live our existence, even if it is far from our reverie, because it allows for a certain moment to escape from it and belong for a few moments to something vaguely descriptive as “bigger”. It is those final chapters where I recognized the Asano I know, his experimentation and variety lead to the same vitalistic lesson that each work contains behind its cynical presentation, but at least this time the darkness was accompanied by that varied palette of colors. Anyway, my impression drags a bit because that first part, even appreciating the layers of reference, is still not my mood and it inevitably upsets my consideration, no matter how objective the opinion may be, inevitably I am still me. As I would also have preferred that exploration of music and art as a motivation for vitality to be addressed a little more, taking advantage of the few barriers of the work. An interesting work by Asano through elements that he had not used so far, seasoned with the themes that he likes so much, having another novelty in itself, linking a nostalgic adult world but willing to keep trying against the young man who is preparing for that inevitable future, both sharing the same feeling in a similar memory, the hope that a song produced in them. Español A la par que Asano estaba embarcado en su obra más popular, de tanto en tanto publicaba capítulos de otras series con variadas temáticas, en el caso de la particular se le puede considerar como su trabajo más experimental hasta ese momento sea en la forma, presentación o la estructura de su narrativa; Ante todo nos topamos con un “gag manga”, pocos paneles que giran alrededor de una broma, usualmente presentados en 4koma, sin embargo, en el caso de Ozanari-kun suele ocupar entre 2 a 4 páginas con un par de excepciones. Aparte de su duración, de hecho, lo inmediatamente notable es su presentación a color. Verdes, amarillos, morados o azules, tonos poco comúnes son utilizados en cada capítulo, considero que asociarlos individualmente con alguna emoción es un ejercicio un poco “sobrepensado”, más tampoco parecen dirigidos al azar, son seleccionados de una forma armoniosa en lo que cabe de lo estrambotico, puntualizando la atmósfera general de la escena sea si sucede un hecho rídiculo o sensible. Con un par de capítulos nos habremos acostumbrado y lo apreciamos. Lo siguiente es su diseño de personajes, cercano a sus dibujos cartoon que hemos notado en algunos instantes en otras obras. De figuras geométricas con los detalles necesarios para poder ser expresivos mediante la exageración, o reflejar diferentes rasgos de personalidad con sólo implementar un par de cambios al mismo sea en accesorios o vestuario. Y por supuesto, encajan perfectamente en su presentación a color, cada cual corresponde al otro, sin saber qué fue primero. Rematado en la entremezcla de diferentes estilos, recortes de fotografías acompañan de vez en cuando al paisaje, un toque más plástico, cercano y misceláneo, volviendo a ratificar el ser una obra “experimental”. Probar diferentes técnicas e ideas por medio de la libertad que le permitía la narrativa, la cuál comienza únicamente de broma y cambia de a poco mientras Asano muestra más de sí mismo. En principio son arquetipos exagerados que propician intercambios exagerados para un humor surrealista, absurdo o muy japonés, el manzai con los roles de Boke y Tsukomii, cada uno hiperconcentrado en su específico papel. Aquí se conecta o no con la broma, aunque puede apreciarse lo intrincado que son algunas, más en su mayoría requieren de conocimiento general de japonés para captar todas sus implicaciones (agradecimiento especial al grupo de traducción que leí, los cuáles realizaron de vez en cuando explicaciones detalladas de las diferentes referencias). Más como he mencionado, desde cierto punto una de las temáticas recurrentes de Asano entra a coalición, asentado un poco a la narrativa: La música, específicamente Rock. El género de la juventud, sirviendo como una comparación entre el joven aferrado y el adulto nostálgico. Enlazando hacia las lecciones de obras previas con un enfoque menos serio, aunque igual de sincero e incluso mejor logrado (que algunas) por esa falta de restricciones. La música siendo motivación para vivir nuestra existencia, aún si está lejos de nuestras ensoñaciones, porque permite durante cierto momento escapar de la misma y pertenecer por unos instantes a algo vagamente descriptivo como “más grande”. Son esos capítulos finales donde reconocí al Asano que conozco, su experimentación y variedad conllevo hacia la misma lección vitalista que encierra cada obra detrás de su presentación cínica, eso sí, al menos está vez la oscuridad venía acompañado de esa variada paleta de colores. De todas maneras, mi impresión se arrastra un poco porque esa primera parte aún apreciando las capas de referencia, sigue no siendo mi humor e inevitablemente trastoca mi consideración, sin importar que tan objetivo pueda llevar la opinión, inevitablemente yo sigo siendo yo. Como también hubiese preferido que esa exploración de la música y el arte como motivación de vitalidad se abordará un poco más, aprovechando las pocas barreras de la obra. Un interesante trabajo de Asano a través de elementos que no había utilizado hasta el momento, aderezado de las temáticas que tanto le gustan, habiendo otra novedad en sí misma, vincular a un mundo adulto nostálgico aunque dispuesto a seguir intentado contra el joven que se prepara a ese inevitable futuro, ambos compartiendo el mismo sentimiento en un similar recuerdo, la esperanza que les produjo una canción.
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Mar 21, 2025 Recommended
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the English translation by “Mujin Comics”. Masato Ashiomi is an author that I hold in special regard for his effort in constructing narratives, which while not necessarily focused on his story alone, are complex enough to provide an interesting background to the main and universal motif of hentai. In fact, I don't consider this review his most complex or interesting work either, Crime Girls and Loveless Labyrinth are more intricate by comparison, however, I've chosen D-Medal because it was the first work I read by the author and it ... left enough of an impression on me to read his other works. And there's a lesson in it! There is a moral to the story through the development of the protagonist, and it is fidelity. Yes, ironic and unexpected knowing that we are facing a “harem” context, except that it is not... fully. Explaining a bit, given the events of the plot, even if the protagonist is with different girls it is explicit that none of them develop feelings for him, it is only a passing amusement allowed by the creators of the story that build the basis of the second part. Focusing on this first section, there is a variety of situations and girls presented, using all the school archetypes available, including classmates and teachers, a robust set that includes cheerleaders, threesomes, nurse, foreign teacher, idol, sportswoman, among others. Each one with a characteristic design and according to that model, Masato has a preference for curvy designs, big breasts and prominent hips, and it shows at all times in his choice of how to design each girl, but there is an interesting exception and it is in the heroine, with a more “realistic” body. The variety of situations and designs consolidate his first segment. At each chapter we have the sexual encounter of the day, with Masato's admirable ability to position where best exhibits the qualities, the panels are very dynamic in their size and organization, allowing each page to prominently display the most attractive of the moment. Even when there is more than one couple, it doesn't lose that sense of where each should go. Together with the expressions detailed enough to fit the scene, it is a complete joy. And then comes his twist, of which I don't want to go into depth to urge its reading, but I can affirm that his excellent drawing characteristics continue, whether in design, positioning or detail, including my favorite sexual sequence and panel of the whole work, he even has a moment of beautiful genuineness related to his main lesson of fidelity. For that cheesy, heartfelt dialogue alone, my overall appreciation for it is ratified. Maybe even having that variety that stood out in the first chapters, I would have liked still a little more, of course, in the same way it should have corresponded with a longer duration of its second part. Anyway the existing is ideal for that lesson to which it is heading, again, unexpected to see fidelity exhibited in a harem context, and as an extra point, it can be found almost uncensored, for even greater enjoyment. Español Masato Ashiomi es un autor que tengo en especial consideración por su esfuerzo en construir narrativas, que si bien no son necesariamente volcadas a únicamente su historia, son lo suficientemente complejas para brindar un trasfondo interesante al motivo principal y universal del hentai. De hecho, la presente reseña tampoco la considero su obra más compleja o interesante, a comparación Crime Girls y Loveless Labyrinth son más intrincadas, sin embargo, me he decantado por D-Medal porque fue la primera obra que leí del autor y me dejó la suficiente impresión como para leer sus otras obras. ¡Y es que tiene una lección! Hay una moraleja en la historia a través del desarrollo del protagonista, y es la fidelidad. Si, irónico e inesperado sabiendo que estamos ante un contexto “harem”, excepto que no lo es… plenamente. Explicando un poco, dados los sucesos de la trama, aún si el protagonista está con diferentes chicas es explícito que ninguna desarrolla sentimientos por él, únicamente es una diversión pasajera permitida por los artífices de la historia que construyen la base de la segunda parte. Centrándonos en esa primera sección, hay variedad de situaciones y chicas presentadas, utilizando todos los arquetipos escolares al alcance pasando por compañeras y maestras, un conjunto robusto que incluye animadoras, tríos, enfermera, maestra extranjera, idol, deportista, entre otras. Cada una con un diseño característico y acorde a ese modelo, Masato tiene preferencia por los diseños acurvados, de grandes pechos y prominentes caderas, y se nota a todo momento en su elección de como diseñar a cada chica, pero hay una interesante excepción y es en la heroína, con un cuerpo más “realista”. La variedad de situaciones y diseños consolidan su primer segmento. A cada capítulo tenemos el encuentro sexual de turno, con la admirable habilidad de Masato para posicionar donde mejor exhibe las cualidades, los paneles son muy dinámicos en su tamaño y organización, permite que en cada página se exhiba a prominencia lo más atractivo del instante. Ni siquiera habiendo más de una pareja pierde ese sentido de la disposición en donde debería ir cada cuál. Junto a las expresiones suficientemente detalladas para encajar en la escena, es un completo disfrute. Y entonces llega su giro, del cuál no quiero profundizar para instar su lectura, eso sí, puedo afirmar que continúan sus excelentes características de dibujante, sea en diseño, posicionamiento o detalle, incluyendo mi secuencia y panel favoritos sexuales de toda la obra, hasta tiene un momento de bonita genuidad relacionado a su lección principal de fidelidad. Sólo por ese diálogo cursi y sincero, se ratifica mi apreciación general por la misma. Puede que aún habiendo esa variedad que destacó en los primeros capítulos, me hubiese gustado todavía un poco más, por supuesto, de igual manera debía corresponder con una mayor duración de su segunda parte. De todas maneras lo existente es ideal para esa lección a la que se encamina, nuevamente, inesperado ver a la fidelidad exhibida en un contexto de harem, y como punto extra, puede encontrarse sin casi censura, para todavía mayor disfrute.
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Mar 14, 2025 Recommended
The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL)
The version read is the one licensed in Spanish by “Norma Editorial”. The context and my approach on how to approach the review I have explained at the beginning of the review of the first part, you are invited to read it. I just want to mention the particularity that the last story of this anthology was published while Fujimoto was in the final stretch of his first serialized work, Fire Punch. Ningyo Rhapsody Published at the end of 2014, it shares the same year as the last work of the previous anthology, Shikaku. And ... it also has similar narrative characteristics, a romance with fantastic elements typical of its context with an extra layer of interest consisting of innocence due to the young age of its protagonist, what we would call a teenage first love, and a “forbidden” one, due to the difference in species between the two. His subject matter consists of beauty guided by universal appreciation, in this case musical, and being a bridge to make a connection between those who seem unrelated. Tatsuki uses the fantastic context for a well-known universal message, without pretensions of being innovative, it is in the way he achieved it that highlights his creativity to establish a credible world even in its strangeness, and gave him the ground to realize detailed panels; not only those double page, also in several of the “common ones” he conveys beauty, memory and even terror corresponding to the action. Me wo Sametara Onnanoko ni Natteita Yamai Another story with a romantic factor, however this is not the core but the unexpected change of the protagonist and how it affects his personal relationships. At the level of presentation and drawing is more austere compared to previous works, and it is understandable, reading it you can notice its approach grounded in simplicity, where the interest lies in the message that Fujimoto wants to convey “no matter what you become, the important thing is who you want to be”. From a perspective position, it is also the first work with the presence of some “trans” theme, which we will see again in some of his future works. Yogen no Nayuta My favorite work before his first serialization. His artistic style is consolidated by the consistent presence of the elements that characterize him as a an artist: the eyes, the marked expressions in the foreground, especially if they are in sequence, tracing all the moments the character is going through, the shading, a “dynamic” grid layout and the placement of his panels that occupy half and full page. At the same time it is a narrative completely “his own”. The fantastic and bloody elements are just as present as the moments of recollection and connection, it is a story of brotherhood (another of his recurring themes) intermingled with the difficulty of the circumstances that were imposed on him, which in themselves are also of interest because of that “normality in the face of the extraordinary”. Of course, I also owe part of my appreciation, inevitably, to the fact that the character design of “Nayuta” will surely be familiar to you if you have been reading his work. Imouto no Ane This one is about sisterhood, and has another pair of interesting themes that would characterize his other two One Shot of great fame years later, artistic inspiration and talent. Neither is a novel reflection, and the means to achieve it is ultimately simple, the factor to highlight is the characterization of both protagonists in brevity, highlighting the simplicity of relatives interspersed with disappointment, pride and a humorous touch. His approach is very varied, he uses the whole page in different ways, it is not only the punctual actions that stand out, but also the feelings of the protagonist such as discomfort and remoteness, including the use of perspective in some panels, and they are also reinforced by the vividness of the expressions of his characters. His best drawn work up to that moment (only referred to the One Shots). The panels dedicated to this representation that talent is nurtured by effort, I feel that they are a reflection of Fujimoto regarding his trajectory, it is enough to observe his early works to know that he was no genius of illustration, his arrival at this point is due to the same path that has had its protagonist. The continuous practice. Español El contexto y mi aproximación acerca de cómo abordar la reseña los he explicado al comienzo de la reseña de la primera parte, estás invitado a leerla. Únicamente quiero mencionar la particularidad de que la última historia de esta antología fue publicada mientras Fujimoto estaba en el tramo final de su primera obra serializada, Fire Punch. Ningyo Rhapsody Publicada a finales de 2014, comparte el mismo año que la última obra de la anterior antología, Shikaku. Y también cuenta con similares características narrativas, un romance con elementos fantásticos propios de su contexto con una capa extra de interés que consiste en la inocencia debido a la corta edad de su protagonista, lo que llamaríamos un primer amor adolescente, y uno “prohibido”, por la diferencia de especie entre ambos. Su temática consiste en la belleza guiada hacia la apreciación universal, en este caso musical, y siendo un puente para entablar una conexión entre quienes parecen no tener relación. Tatsuki utiliza el contexto fantástico para un conocido mensaje universal, sin pretensiones de ser innovador, es en el cómo lo consiguió que destaca su creatividad para establecer un mundo creíble aún en su extrañeza, y le dió terreno para realizar detallados paneles; no únicamente aquellos doble página, también en varios de “los comunes” transmite belleza, recuerdo y hasta terror correspondiente a la acción. Me wo Sametara Onnanoko ni Natteita Yamai Otra historia con un factor romántico, sin embargo este no es el núcleo sino que es el inesperado cambio del protagonista y cómo afecta a sus relaciones personales. A nivel de presentación y dibujo es más austero a comparación de los trabajos previos, y es entendible, leyéndolo se nota su enfoque aterrizado a la simpleza, en donde el interés radica en el mensaje que quiere transmitir Fujimoto “sin importar en que llegas a ser lo importante es aquel en quién quieres ser”. Desde una posición de perspectiva también es el primer trabajo con presencia de alguna temática “trans”, la cuál volveremos a ver en algunas de sus futuras obras. Yogen no Nayuta Mi trabajo favorito antes de su primera serialización. Se consolida su estilo artístico entendiéndolo de presencia consistente de los elementos que le caracterizan como dibujante: Los ojos, las marcadas expresiones en primer plano, especialmente si están en secuencia, trazando todos los momentos por los que está pasando el personaje, el sombreado, un esquema cuadriculado “dinámico” y la ubicación de sus paneles que ocupan media y página completa. A su vez es una narrativa completamente “suya”. Los elementos fantásticos y sangrientos están igual de presentes que los instantes de recogimiento y conexión, es una historia de hermandad (otra de sus temáticas recurrentes) entremezclada con la dificultad de las circunstancia que le fueron impuestas, las cuáles en sí mismas también resultan de interés por esa “normalidad ante lo extraordinario”. Por supuesto, también debo parte de mi apreciación, de forma inevitable, a que el diseño de personaje de “Nayuta” seguramente te será conocido si seguiste leyendo su obra. Imouto no Ane Otra historia de hermandad, está vez femenina, y tiene otra par de interesantes temáticas porque caracterizarían sus otros dos One Shot de sobrada fama años después, la inspiración artística y el talento. Tampoco es una reflexión novedosa, y el medio para conseguirlo en últimas es sencillo, el factor a destacar es la caracterización de ambas protagonistas en la brevedad, se resalta la simplicidad de parientes entremezclados con la decepción, orgullo y un toque humorístico. Su planteamiento es muy variado, utiliza la página completa de diferentes maneras, ya no es únicamente las acciones puntuales a destacar también son los sentimientos de la protagonista como incomodidad y lejanía, incluyendo utilizar la perspectiva en según qué paneles, y además son reforzados por la viveza de las expresiones de sus personajes. Su trabajo mejor dibujado hasta ese momento (únicamente referido a los One Shots). Los paneles dedicados a esa representación de que el talento se nutre es del esfuerzo, siento que son una reflexión de Fujimoto respecto a su trayectoria, basta con observar sus primeros trabajos para saber que no era ningún genio de la ilustración, su llegada a este punto es debido al mismo camino que ha tenido su protagonista. La práctica continua.
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Mar 7, 2025 Recommended
English
The following review is in Spanish and English (translated with the support of DeepL) The version read is the one licensed in Spanish by “Norma Editorial”. Currently Tatsuki Fujimoto is one of the most recognized “new authors” nationally and internationally, due to his successful works that you will surely recognize if you follow the medium. A little more than a decade ago, prior to his first serialized work, he published different One Shot, some for contests and others for Jump Square, these were compiled in two volumes, the present one being the first one. I will not make a particular qualification by story, the note of the ... volume attached to the review you can consider it as an “average” that I give to each particular, if it is not that note it is close to be superior or inferior. Niwa ni Wa Niwa Niwatori There is a marked irony in its approach, it presents a catastrophic situation with a certain comic touch, in that contrast we have its characters necessarily complex (considering their limited presence) to interest us in the story. Its main impact is in the punch line, effective for the moment and encompassing a theme of “communication” and “understanding”. It is a first-time work in every aspect, so first and foremost I consider it not to be contradictory or wasteful of the elements presented, and it fulfills both conditions, maintaining coherence in a simple story in the world presented. The final twist is far from original, but fulfills its purpose. The panels are a square outline, and his drawings, again, are remarkably first-timer, being the main panels where he devoted more effort to detail and impact, while in the rest, in simple movements, facial expressions and background management inconsistencies are noticeable. Sasaki-kun ga Juudan Tometa First of all, it is worth mentioning the marked evolution for his second work, compared to his first work, the drawing has improved in every aspect, be it the facial expressions, the representation of movement, the background detail in each panel, and the different visual flourishes typical of a comic book. While his outline is still quite “gridded,” he has some more dynamic concrete choices for particular moments. And it's a genuinely great story. Its realistic approach addresses an illogical action framed around a boy's feelings of love and sexual discovery, leading up to the lesson of the power of trust in the most unrealistic way feasible but still possible as long as the framework of opportunity exists. Even if it is somewhat “over the top” in its conclusion, in the context in which it is presented it fits perfectly because each element was used for its narrative purpose. Koi wa Moumoku It was published in the same year as the previous one, so the evolution in the artistic sense is not so explicitly remarkable, but I consider that in terms of the approach of its elements in terms of panel placement and rhythm guide, it is much more interesting even in its shorter duration. It is already noticeable that Fujimoto felt more comfortable with varying the ways of structuring the expression of his story, and it may also be the motivation in being structured around the same joke. It's a funny one-shot, it has a premise and commits to it to the most ridiculous extreme. Shikaku A story whose core is found in romance and the most extensive so far, although it has fewer narrative elements, in fact, it is quite direct in its approach, it presents those who will make up the duo, the dynamics between them and the problems that bring them together. The fantastic context and the characterization of this pair, is a demonstration of his narrative sensitivity because even with its bloody, exaggerated and strange moments, there are panels of sincere feelings, where he smiles as an accomplice. His way of structuring the action and the drawing also improved notably, it is more varied in the presentation, he perfected his approach to shading and perspective, achieving more than a couple of vignettes with great detail. Español Actualmente Tatsuki Fujimoto es uno de los “nuevos autores” más reconocidos a nivel nacional e internacional, debido a sus exitosas obras que seguramente reconocerás si sigues el medio. Hace poco más de una década, previamente a su primera obra serializada, publicó diferentes One Shot, algunos para concursos y otros para la Jump Square, estos se recopilaron en dos volúmenes, siendo el presente el primero. No realizaré una calificación particular por historia, la nota del volumen anexa a la reseña puedes considerarla como un “promedio” que le doy a cada particular, si no es esa nota es cercana sea superior o inferior. Niwa ni Wa Niwa Niwatori Hay una marcada ironía en su planteamiento, presenta una situación catastrófica abordada con cierto toque cómico, en ese contraste tenemos a sus personajes lo necesariamente complejos (considerando su limitada presencia) para interesarnos en la historia. Su principal impacto se encuentra en el remate, efectivo para el momento y que engloba una temática de “comunicación” y “entendimiento”. Es una obra primeriza en cada aspecto, así que ante todo considero que no sea contradictoria ni desperdicie los elementos presentados, y cumple ambas condiciones, mantiene la coherencia en una historia sencilla en el mundo presentado. El giro final está lejos de ser original, más si cumplidor en su propósito. Los paneles son un esquema cuadrado, y sus dibujos, nuevamente, son notablemente de primerizo, siendo los paneles principales donde dedicó mayor esfuerzo al detalle e impacto, mientras que en el resto, en movimientos sencillos, expresiones faciales y manejo de fondos son notables las inconsistencias. Sasaki-kun ga Juudan Tometa Ante todo destacar la marcada evolución para ser su segunda obra, comparado a su primer trabajo el dibujo ha mejorado en cada aspecto sean las expresiones faciales, la representación de movimiento, el detallado de fondo en cada panel, y las diferentes florituras visuales propias de una historieta. Si bien su esquema sigue siendo bastante “cuadriculado”, tiene algunas elecciones concretas más dinámicas para momentos particulares. Y es una historia genuinamente genial. Su planteamiento realista se dirige a una acción ilógica enmarcada en los sentimientos de un muchacho, de un amor y descubrimiento sexual, para desembocar en la lección del poder de la confianza de la manera más irreal factible pero aún así posible mientras exista el marco de la oportunidad. Aún si es algo “exagerada” en su conclusión, en el contexto en el que es presentado encaja perfectamente gracias a que cada elemento se utilizó para su propósito narrativo. Koi wa Moumoku Se publicó en el mismo año que la anterior, por lo tanto evolución en el sentido artístico no es tan explícitamente notable, eso sí, considero que en cuestión de planteamiento de sus elementos en cuánto a la ubicación de paneles y guía del ritmo, es mucho más interesante aún en su menor duración. Ya es notable que Fujimoto se sentía más cómodo con variar las formas de estructurar la expresión de su historia, y también puede que fuera la motivación en estar estructurada alrededor de la misma broma. Es un One Shot gracioso, tiene una premisa y se compromete a la misma hasta el extremo más ridículo. Shikaku Historia cuyo núcleo se encuentra en el romance y la más extensa hasta el momento aunque tiene menos elementos narrativos, de hecho, es bastante directa en su planteamiento, presenta a quienes conformarán el dúo, la dinámica entre ellos y la problemática que les junta. El contexto fantástico y la caracterización de ese par, es demostración de su sensibilidad narrativa porque aún con sus momentos sangrientos, exagerados y extraños, se encuentran paneles de sentimientos sinceros, donde se sonríe como cómplice. Su forma de estructurar la acción y el dibujo también mejoró notablemente, es más variado en la presentación, perfeccionó su enfoque respecto al sombreado y sobre la perspectiva, consiguiendo más de un par de viñetas con gran detalle.
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Feb 21, 2025
Utsuro no Hako to Zero no Maria
(Manga)
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Mixed Feelings
he following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by Esteban of “Twin dragons subs” First a clarification due to the type of work: I am not someone with experience in Light Novels, in fact, the present one is the only one I have finished because although I have read volumes of other series, they are franchises that I am still reading. My equivalent in terms of reading experience is Western literature, so due to lacking a specific critical framework for this type of novel, the values evaluated will be the same as those of ... a “any book”. If there is one thing I particularly regret, it is the inevitable “transformation of intent” due to being a double translation, from Japanese to English, and from English to Spanish, an observation not intended to disparage the work of either translator. It is part of the reader's acceptance that the translation has the highest fidelity to the source, however, I won't refer to specific terms at the prose level. Utsuro no Hako to Zero no Maria is a light novel by author Eiji Mikage with drawing by Tetsuo. It is particularly famous despite not having any anime, manga or even Live Action adaptation. The first thing to note is the structure and presentation of the writing, the story has 7 volumes that are divided into 5 parts, in each part there is a “box” and according to its “nature”, the writing is adapted as an expression in itself of the intention of that stage. The narrative basis are the “boxes”, a device/concept capable of granting wishes, or more specifically, a way to get them, for example, if the wish was to have meat, the box would give you a cow and a knife. Ultimately it depends on the vocation and dedication of the person who used it, to get his wish. It is an obvious theme, about desires and the price willing to pay to get it. Throughout the course of the play, the halo of mystery about the origin or explanation behind the boxes or the nature of the antagonist is maintained, avoiding concise explanations in favor of defining and interacting with the characters, embracing how they relate to each other and their thinking, to understand the way they see and interact with the world. Each main character goes through an arc of overcoming or acceptance encompassed in the overall theme of desires. An observation that includes those who appear in more than one volume or those who only belong to the development of one part. Of course, those who have a longer time of appearance have more interesting arcs, even so, several of the secondary characters will have an effect on future parts, alleviating how anecdotal they may have been. By character and narrative arc we have a similar scheme, the box being the means for the character to not only take on the stubbornness to get his desire, but also must be used against the goals of the other characters. It is perfected each time it is used, achieving a story narratively consistent, coherent and with interesting symbolic elements for those who venture to give it meaning. It brokes in the individual analysis of each arc, or rather, the reader's predisposition of acceptance towards it, the so-called “suspension of disbelief”. Each character begins with tropes familiar to anyone who knows the medium, be it the earnest student, the playful childhood friend or the exotic transferee; and they evolve as you visualize through their facade, a depth usually accompanied by “dark” attributes, to represent that this character “was not what he or she appeared to be”. In other words, depending on your tastes, it could qualify as “edgy” and develop a certain bias against the narrative depending on your position on the subject. As the dimensionality of some characters is revealed, it will be within the reader's tolerance to remain immersed in the story, or to laugh if they already find the actions or thoughts ridiculous. It may seem contradictory, I have referred to consistency and coherence, while talking about a narrative thread that more than once lost me. And it is because there is a justified logic to its actions, however bizarre they may seem to me, the play does not “jump the shark”, on the contrary, the cracking of its stereotypes is controlled from volume to volume. Perhaps its biggest drawback is precisely that it takes itself quite seriously, with monologues and speeches along the lines of traumas and conspiracies. At the writing level, Eiji's main merit is the sense of rhythm, if you accept the proposal, you are at the mercy of a constant interest in knowing what will happen next, you could finish the volume in one sitting just for not giving in to not knowing what will happen. He also properly defines each character in how they interact, express themselves and think. Tetsuo's art is great for the covers of the volumes or prequel to the chapters, a very accurate visual representation of the problems and consequences of the boxes. The character designs on the other hand are pretty average in a bad way, none of them stick in the memory. Being another reason why only his writing is what brings him his fame. Utsuro no Hako to Zero no Maria is an addictive novel, with a defined theme and explored through its characters, it is in the way that according to the sensibilities of its reader can accept it to a certain extent, so I understand the discrepancy around its fame, between those who have it among their favorites and those who think the complete opposite. Español Primero una aclaración debido al tipo de obra: No soy alguien con experiencia en Novelas Ligeras, de hecho, la presente es la única que he finalizado porque si bien he leído tomos de otras series, son franquicias que todavía estoy leyendo. Mi equivalente en cuánto a experiencia de lectura es la literatura occidental, así que debido a carecer de un marco crítico específico para este tipo de novelas, los valores evaluados serán los mismos de un “libro cualquiera”. Si hay algo que particularmente lamente, es la inevitable “transformación de intención” debido a ser una doble traducción, de Japonés a Inglés, y de Inglés a Español, una observación sin la intención de desmeritar el trabajo de ninguno de los traductores. Es parte del lector hacer una aceptación de que la traducción tiene la mayor fidelidad a la fuente, de todas maneras, no me referiré a términos específicos a nivel de prosa. Utsuro no Hako to Zero no Maria es una novela ligera del autor Eiji Mikage con el dibujo de Tetsuo. Es particularmente famosa pese a no tener ninguna adaptación en anime, manga o siquiera Live Action. Lo primero a destacar es la estructura y presentación del escrito, la historia tiene 7 volúmenes que se dividen entre 5 partes, en cada parte hay una “caja” y conforme a su “naturaleza”, la escritura se adapta como expresión en sí misma de la intención de esa etapa. La base narrativa son las “cajas”, un dispositivo/concepto capaz de conceder deseos, o más específicamente, una forma de conseguirlos, por ejemplo, si el deseo fuera tener carne, la caja te daría una vaca y un cuchillo. En últimas depende de la vocación y dedicación de quién la utilizó, el conseguir su deseo. Es una temática evidente, sobre los deseos y el precio dispuesto a pagar por conseguirlo. Durante el transcurso de la obra se mantiene el halo de misterio sobre el origen o explicación detrás de las cajas o la naturaleza del antagonista, evitando explicaciones concisas a favor de la definición e interacción de los personajes, abarcando cómo se relacionan entre sí y su pensamiento, para entender la forma en que ven e interactúan con el mundo. Cada personaje principal atraviesa un arco de superación o aceptación englobado en la temática global de los deseos. Una observación que incluye a quienes aparecen en más de un volumen o quienes sólo pertenecen al desarrollo de una parte. Por supuesto, los que disponen con un mayor tiempo de aparición cuentan con arcos más interesantes, aún así, varios de los secundarios tendrán un efecto sobre futuras partes, aliviando lo anecdóticos que hayan podido llegar a ser. Por arco de personaje y narrativo tenemos un esquema similar, la caja siendo el medio para que el personaje no sólo asume la obstinación para conseguir su deseo, también debe valerse contra las metas de los demás personajes. Es perfeccionado cada vez que es utilizado, consiguiendo una historia narrativamente consistente, coherente y con interesantes elementos simbólicos para quien se aventure a darle significado. Resquebraja es el análisis individual de cada arco, o más bien, la predisposición de aceptación del lector hacia el mismo, la llamada “suspensión de incredulidad”. Cada personaje empieza con tropos conocidos para quien haya conozca el medio sean el estudiante serio, la amiga juguetona de la infancia o la exótica transferida; y evolucionan conforme se visualiza a través de su fachada, una profundidad usualmente acompañada de atributos “oscuros”, para representar que ese personaje “no era lo que aparentaba”. Dicho en otras palabras, dependiendo de tus gustos, podría calificarse de “edgy” y desarrollar cierto prejuicio contra la narrativa dependiendo de tu posición respecto al tema. Conforme se revela la dimensionalidad de algunos personajes, estará en tolerancia del lector seguir inmerso en la historia, o reírse por si ya le parece ridículas las acciones o pensamientos. Puede parecer contradictorio, me he referido a consistencia y coherencia, a la vez que hablo de un hilo narrativo que más de una vez me perdió. Y se debe a que existe una lógica justificada de sus acciones por estrambóticas que me parecieran, la obra no da un “salto de tiburón”, por el contrario, el resquebrajamiento de sus estereotipos está controlado de volumen a volumen. Puede que su mayor contra sea precisamente haberse tomado bastante en serio, habiendo monólogos y discursos en línea de traumas y conspiraciones. A nivel de escritura, el principal mérito de Eiji es el sentido del ritmo, si aceptas la propuesta, estás a merced de un constante interés por saber lo próximo a suceder, podrías terminar el volumen de una sola vez sólo por no ceder ante no saber qué pasará. También define apropiadamente a cada personaje en cómo interactúa, se expresa y piensa. El arte de Tetsuo es genial para las portadas de los volúmenes o previo a los capítulos, una representación visual muy acertada de los problemas y consecuencias a causa de las cajas. En cambio los diseños de personaje son bastante comunes en el mal sentido, ninguno se queda en la memoria. Siendo otra razón para que únicamente su escritura sea lo que le brinda su fama. Utsuro no Hako to Zero no Maria es una adictiva novela, con una temática definida y explorada por medio de sus personajes, es en la forma en que según las sensibilidades de su lector podrá aceptarlo hasta cierto punto, así que entiendo la discrepancia alrededor de su fama, entre quienes la tienen entre sus preferidas y los que opinan totalmente lo contrario.
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Jan 31, 2025
Oyasumi Punpun
(Manga)
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Mixed Feelings
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish licence by "Norma Editorial" Punpun was published over 6 years, 2007 - 2013, becoming the most ambitious work that Asano had proposed until then, with the same thematic lines for which he is recognized. Its difference lay in the approach through the growth that only allows the hundred chapters instead of twenty, because its length allows not only to devote himself to the main points, but he can meddle in different tangents as he sees fit. Because in itself, Oyasumi can be considered “Asano on a grand scale”. ... It has the recognizable elements of the author being the continuous presence of symbols, “fantastic realism”, monologues, cynicism and hope. Of the most recognizable and associated with the work is precisely its protagonist, Onodera Punpun, who has two main details, his representation and lack of speech. In the first, Asano abstracts Punpun by representing him as a bird during most of his development, in the rest his representation is influenced by the events that are happening, being an interesting expression in itself of the state he is in. And his lack of speech is reinforcement of the manga's intent, an introspection into Punpun's life, from his childhood to his early youth. Even if we read what he says as thought clouds, for most of the time we will be reading his different thoughts, observations and reflections. It should be clarified that he is not the only protagonist, in the course of the narration the narrator character varies, they can be members of his family, friends or others who belong to a completely different narrative thread, but none will be given such a detailed introspection compared to Punpun, anyway, during that moment when they come to the foreground, space is dedicated to them about what they think, expect and act. In whatever narrative thread it is, Asano raises different symbols that he will use throughout the story and in different ways, my favorite is “Space” for the different connotations in which it is used, it is a concept of something real but in itself is abstract by the impossibility of touching it, and causes the memory of a childhood night where he saw a wide starry sky. We have other elements with their own interpretation based on how transcendental they are for the plot, be it imaginary friends, God, music or small rites, and several of them originate from that first phase of the story, childhood. It is my favorite section of the manga, maybe because of the presence of innocence and naivety, which gives way to the gradual discovery of the world, or because its tangent event that marks the end of the stage was especially painful to me for the sincerity that is presented (without delving deeper, it is the one that has to do with his mother). And it is explained because in my reading of Asano and my reflection about Punpun, I understand that when I most value and connect with his work is in the honesty, understood as a narrative devoid of artifice and complexities, not because I despise the effort in metaphors and visions, on the contrary, I like them, especially if they come from something I can connect and understand. Hence, once childhood was over, my appreciation for the work was diluted. I understand Asano's approach, it is a Coming of Age constituted by the difficulty of growing up and achieving without knowing how to do it, friendships are fragmenting, failures pile up, the future is threatening in its emptiness and only self-contempt grows when recalling childhood with its dreams and hopes. It is a theme that he had explored in his previous works, in ups and downs depending on each one, more familiar to him. In Punpun he extends this development but with two main aspects that I find incomprehensible, the final section of Punpun and its main narrative subthread. Let's start with the latter given its presence. The cult constitutes those chapters to which I refer in the negative sense with my note about sincerity, they are full of complex monologues and incomprehensible actions, which can be explained or understood through a dedicated reflection, is this exercise worthwhile? Because it still seems that they do not demonstrate or imply anything that has not been raised in, nor do I even have to refer to previous ones, the same work in a more concrete, coherent and interesting way. A secondary character is involved in this narrative thread and constitutes its best aspect, if it had been dedicated only to this one, I would understand such aspect and its role within the whole work, but it is not so, it is only one aspect of an excessively tangled compendium. And regarding the monologues, I understand when they happen in Punpun, that is, we all have our own extensive thoughts about the state of things, but not when they are presented as a dialogue. Especially when Asano at other times encapsulates feelings and complexity with one-liners in a perfectly pitched vignette, there is no need for the lengthy declamation. I appreciate Punpun's journey in almost its entirety, the tug of war between moving forward and giving up in a convulsive and impressionable stage, with its own reflections represented in the characters' actions such as allowing themselves to love again, the difficulty of making connections and the understanding of interests. Even if the situation could be excessively cynical at times, I understood it as that approach to depression and deprivation, and at the same time it advanced the value of moving on. The last stage is where it dives excessively into cynicism and madness, excusing the protagonist's mental state or depression is a reader's choice, but I found it counterproductive to the development up to that point, tarnishing the effort of the other parallel narrative thread about the contrast in how we perceive ourselves and how others perceive us. The drawing aspect is Asano's talent at its most “Asano” mode up to that point. It's comical how different Punpun's appearance is from the rest, but it doesn't clash, it's quickly assimilated and accustomed to. Apart from his double or full pages of only one panel where he usually shows off his imagination by representing with abstractions the complexity of feelings, there is also his more general approach, in dialogues where every detail of the character reflects part of that feeling inscribed in his sentences. Or of course, those where he doesn't even use conversation, only the actions of his characters, looks and absences. It is a manga full of genius in that style, even those moments that I deny the nonsense of their conversations, have a touch of creativity and liveliness of the author. Several by themselves and based solely on the detail and composition, deserve to be among the best panels of the work. As is his miscellaneous presentation of different styles represented in Punpun himself, or in other characters or objects with some more cartoonish touches, some being more realistic amidst his own “touch”. In this sense, Asano embraces manga in a way he had never done before, understanding the possibilities of the medium, and using it. A conflicted feeling leaves me with Punpun although not for what could be expected, I appreciate several elements that conform it and concrete sections of the story, but I confess that given its renowned fame I did expect something “more”. Instead, its last chapters tasted less and less to me, and although I was delighted to see again that symbol I mentioned as my favorite, I was not going to undo or compensate my own feelings about it. Español Punpun se publicó a lo largo de 6 años, 2007 - 2013, convirtiéndose en la obra más ambiciosa que había planteado Asano hasta ese entonces, eso sí, con las mismas líneas temáticas por las que se le reconoce. Su diferencia yacía en el abordaje a través del crecimiento que sólo permite la centena de capítulos en vez de una veintena, porque su duración da para no sólo dedicarse a los puntos principales, sino que puede inmiscuirse en diferentes tangentes según le parezca. Porque en sí, Oyasumi puede considerarse como “Asano en gran escala”. Tiene los elementos reconocibles del autor sean la continua presencia de símbolos, “realismo fantástico”, monólogos, cinismo y esperanza. De los más reconocibles y asociados a la obra es precisamente su protagonista, Onodera Punpun, quien tiene dos principales detalles, su representación y falta de habla. En el primero, Asano abstrae a Punpun al representarlo como un ave durante la mayoría de su desarrollo, en el resto su representación se ve influenciada por los sucesos que están aconteciendo, siendo una interesante expresión en sí misma del estado en que se encuentra. Y su falta de habla es refuerzo de la intención del manga, una introspección en la vida de Punpun, desde su infancia hasta sus primeros años de juventud. Aún si leemos lo que dice a modo de nubes de pensamiento, durante la mayoría del tiempo estaremos leyendo sus diferentes pensamientos, observaciones y reflexiones. Cabe aclarar que no es el único protagonista, en el transcurso de la narración varía el personaje narrador, pueden ser miembros de su familia, amigos u otros que pertenecen a un hilo narrativo completamente diferente, más a ninguno se le brindará una introspección tan detallada a comparación de Punpun, de todas maneras, durante ese momento en que pasen a primer plano, se les dedica el espacio acerca de lo que opinan, esperan y actúan. Sea en el hilo narrativo que sea, Asano plantea diferentes símbolos que va a utilizar a lo largo de la historia y de diferentes maneras, mi preferido es “El Espacio” por las diferentes connotaciones en que es utilizado, es un concepto de algo real pero en sí es abstracto por la imposibilidad de tocarlo, y provoca el rememorar una noche de la infancia donde vió un amplio cielo estrellado. Contamos con otros elementos con su propia interpretación a partir de lo trascendentales que sean para la trama sea amigos imaginarios, Dios, música o los pequeños ritos, y varios se originan de esa primera fase de la historia, la infancia. Es mi sección preferida del manga, puede que por la presencia de inocencia e ingenuidad, que da paso al descubrimiento gradual del mundo, o porque su suceso tangente que marca el final de la etapa me fue especialmente doloroso por la sinceridad que es presentado (sin profundizar, es el que tiene que ver con su madre). Y se explica porque en mi lectura de Asano y mi reflexión acerca de Punpun, entiendo que cuándo más valoro y conectó con su obra es en la honestidad, entendiéndose como una narración desprovista de artificios y complejidades, no porque desprecie el esfuerzo en metáforas y visiones, al contrario, me gustan, especialmente si provienen de algo en que pueda conectar y entender. De ahí que una vez terminada la infancia se diluía mi apreciación hacia la obra. Comprendo el enfoque de Asano, es un Coming of Age constituido por la dificultad de crecer y conseguir sin saber cómo hacerlo, las amistades se van fragmentando, se apilan los fracasos, el futuro es amenazador en su vacuo y sólo crece el auto desprecio al rememorar la infancia con sus sueños y esperanzas. Es una temática que había explorado en sus obras previas, en resultados altibajos dependiendo de cada cuál, más conocida por él. En Punpun se extiende ese desarrollo pero con dos aspectos principales que me resultan incomprensibles, el tramo final de Punpun y su principal subhilo narrativo. Empecemos por este último dada su presencia. El culto constituye esos capítulos a los que me refiero en el sentido negativo con mi apunte acerca de la sinceridad, están repletos de monólogos complejos y acciones incomprensibles, que sí bien pueden explicarse o entenderse a través de una dedicada reflexión ¿Acaso vale la pena ese ejercicio? Porque igual parece que no demuestran ni implican nada que no haya sido planteado en, ni siquiera tengo que referirme a previas, la misma obra en una forma más concreta, coherente e interesante. Un personaje secundario está inmiscuido en esté hilo narrativo y constituye su mejor aspecto, de haber sido dedicado únicamente hacia este, comprendería tal aspecto y su rol dentro de toda la obra, más no es así, sólo es un aspecto de un compendio excesivamente enmarañado. Y referido a los monólogos, comprendo cuando suceden en Punpun, es decir, todos tenemos nuestros propios pensamientos extensos acerca del estado de las cosas, más no cuando se presentan a modo de diálogo. Sobre todo cuando Asano en otros momentos encapsula sentimientos y complejidad con frases puntuales en una viñeta perfectamente planteada, no hay necesidad del largo declamar. El camino de Punpun lo valoro en casi su totalidad, el tira y afloja entre avanzar y rendirse en una etapa convulsa e influenciable, cuenta con sus propias reflexiones representados en el actuar de los personajes como permitirse amar otra vez, la dificultad de hacer conexiones y el entendimiento de intereses. Aún si la situación podía ser excesivamente cínica a momentos, lo comprendía por ser ese abordaje acerca de la depresión y privación, además de que en forma paralela se avanzaba acerca del valor de continuar. La última etapa es donde se sumerge excesivamente en el cinismo y locura, excusarse en el estado mental del protagonista o la depresión es una decisión del lector, más me ha resultado contraproducente con el desarrollo hasta ese momento, empañando el esfuerzo del otro hilo narrativo en paralelo acerca del contraste en cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo nos percibe el resto. El aspecto del dibujo es el talento de Asano en su modo más “Asano” hasta entonces. Resulta cómica la diferencia entre el aspecto de Punpun con el resto, pero no desentona, es rápidamente asimilado y acostumbrado. Aparte de sus páginas dobles o completas de únicamente un panel donde usualmente hace alarde de su imaginación por medio de representar con abstracciones la complejidad de los sentimientos, también está su planteamiento más general, en diálogos donde cada detalle del personaje refleja parte de ese sentimiento inscrito en sus frases. O por supuesto, aquellos donde ni siquiera utiliza conversación, únicamente las acciones de sus personajes, miradas y ausencias. Es un manga repleto de genialidad en ese estilo, incluso esos momentos que reniego por el despropósito de su conversaciones, tienen un toque de creatividad y viveza del autor. Varios por sí sólos y basados únicamente en el detalle y composición, merecen estar entre los mejores paneles de la obra Como también es su presentación miscelánea de diferentes estilos representado en el mismo Punpun, o en otros personajes u objetos con algunos toques más cartoon, unos siendo más realistas en medio de su propio “toque”. En ese sentido Asano abraza como no lo había hecho ser un manga, entendiendo las posibilidades del medio, y utilizándolo. Una sensación conflictuada me deja Punpun aunque no por lo que podía esperarse, aprecio varios elementos que le conforman y secciones concretas de la historia, más confieso que dada su renombrada fama si esperaba algo “más”. En cambio, sus últimos capítulos cada vez me sabían a menos, y aunque me encantó volver a ver ese símbolo que mencioné como mi favorito, no iba a deshacer ni compensar mis propios sentimientos al respecto.
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Jan 24, 2025
Sanpakugan-chan wa Tsutaetai.
(Manga)
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English
The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL) The version read is the Spanish translation by Oppenheimer. The series is originally uploaded on the artist's Twitter until it receives a serialization, hence it is quite short in length in general and in the same chapter, on average each one doesn't exceed 10 pages. Its core remained constant throughout its story, cute reactions from its leading couple to inspire tenderness in the reader. When reading the first chapters you know what you are getting into, it is an idealization sustained in tender expressions, in the course of the episodes there will be no ... deepening or complexity beyond a few obstacles in the establishment of their relationship, which are resolved almost immediately, in line precisely to get to the “important”, continue to enjoy their funny reactions. It should be noted that it is not only the girl who has these reactions, the boy is not exactly a perfect guy, on numerous occasions he will also have some monologues to highlight his doubts as well as being just as expressive. Even when the couple has numerous advances in the course of the story, each of these new steps is still accompanied by those marked blushes. The drawing is simple in approach and detail, there are no particularly outstanding panels for positioning alone, the main thing is the reactions, which even being the same in terms of intention do vary in expression, relieving a little wear and tear. It should be noted that several chapters are in color in pastel tones, achieving a nice finish, in line with the intention of the work. Yet there is a difference between a series seen on twitter occasionally, or in a magazine on a weekly basis, than in a continuous reading. Its main feature is readily assumed and its more feasible to end up exhausted of the same idea presented in the same way, even if it has some variations in its presentation and context. I especially consider it a pity that it had not been reused, from time to time, its idea present in the title, the “Sanpaku” eyes. They constitute a certain Asian myth that for the purposes of the narrative is simplified as “scary”, and it's so during the first episodes, but in the course the idea is completely left behind, wasting what would have been a welcome comic relief for one or another episode. Its lessons get down to shoujo platitudes, about loving while thinking about the present rather than dwelling on what may be in the future, reflections you're used to if you frequent the genre, but this time accompanied by some especially amusing and heartwarming reactions. Spanish La serie originalmente es subida en el Twitter del dibujante hasta que recibe una serialización, de ahí que sea bastante corta de duración en general y en el mismo capítulo, en promedio cada cuál no supera las 10 páginas. Su núcleo se mantuvo constante a lo largo de su historia, reacciones lindas por parte de su pareja protagónica para inspirar ternura en el lector. Al leer los primeros capítulo sabes a lo que estás entrando, es una idealización sostenida en tiernas expresiones, en el transcurso de los episodios no habrá profundización ni complejidad más allá de algunos cuántos obstáculos en el establecimiento de su relación, los cuáles son resueltos casi de inmediato, en línea de precisamente llegar a lo “importante”, seguir disfrutando de sus divertidas reacciones. A destacar que no es únicamente la chica quien tiene esas reacciones, el chico no es exactamente un galán perfecto, en numerosas ocasiones también tendrá algunos monólogos para resaltar sus dudas además de ser igual de expresivo. Aún cuando la pareja tiene numerosos avances en el transcurso de la historia, cada uno de esos nuevos pasos sigue acompañado de esos marcados sonrojos. El dibujo es sencillo en planteamiento y detalle, no hay paneles especialmente destacables por sólo posicionamiento, lo central son las reacciones, que aún siendo la misma en cuánto a intención sí varían en expresión, aliviando un poco el desgaste. A destacar que varios capítulos están a color en tonos pasteles, consiguiendo un bonito acabado, en línea con la intención de la obra. Aún así hay una diferencia entre una serie vista en twitter de forma ocasional, o en una revista de manera semanal, que en una lectura continua. Su principal característica es prontamente asumida y es más factible terminar agotado de la misma idea presentada de la misma forma, aún si tiene algunas variaciones en su presentación y contexto. Especialmente considero una lástima que no hubiese sido reutilizado, de vez en cuándo, su idea presente en el título, los ojos “Sanpaku”. Constituyen cierto mito asiático que a efectos de la narrativa es simplificado como “aterradores”, y es así durante los primeros episodios, más en el transcurso la idea es completamente dejada atrás, desperdiciando lo que hubiese sido un agradecible alivio cómico para uno que otro episodio. Sus lecciones llegan a los lugares comunes del Shoujo, sobre amar pensando en el presente en vez de atormentarse en lo que tal vez será un futuro, reflexiones que estás acostumbrado si frecuentas el género, pero está vez acompañadas unas, especialmente, divertidas y enternecedoras reacciones.
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Dec 6, 2024
Take On Me
(Manga)
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The following review it's in Spanish and English (translated with the support of DeepL).
The version read is the English Translation by “Mangaerotica” The most recognized work of Sesshuu Takemura, and one of the most recognized in English for having been promptly translated during the 2000s. It may not seem particularly “outstanding” now in drawing or theme compared to similar works, however, at the time of its translation it did stand out from other contemporary works in both fields, which is why it was given this special recognition. Starting from its theme, there is an interesting dynamic, the protagonist couple is a tall athletic girl and a short ... studious boy, their only common characteristic is their perversion, which will lead them to a relationship of exploration of fetishes and interests. The approach is effective and developed enough, both reaffirming their feelings, and being open towards what they want to experience, and since it's a hentai manga, it has that freedom to explicitly present what would be impossible in a traditional way. Nor is it a treatise on sexuality or similar, it simply has a theme that encompasses all its characters, that “perverted sexual” interest as an opportunity to present different fetishes and situations. Constituting another plus point, given the subject matter, there is effort by Sesshu in the variety of approach, and then translating it to the drawing. Thanks to its little more than two decades of publication, you can easily find it uncensored, which favors the drawing (and enjoyment). Apart from the sexual scenes, there are other different situations presented, where Takemura shows his skill and potential that he would have had in a “traditional” manga, including a few panels in the best Spokon style and others reminiscent of a romantic comedy. But where his dedication stands out the most is in the sequences dedicated to sex, in the design of his female characters, the illustrations are great, the act of the moment with its different expressions, and even when he includes more characters, the sense of what is happening isn't lost. There is no major shortcoming except for having dedicated a little more narrative to the main couple in terms of trust and exploration of their interests, instead, during the second part more characters are introduced with no greater value than to present new fetishes and other possibilities. Although it in turn aligns with the main intention of the manga, I still find it a pity that it would not have taken advantage of the story's foundations to have enriched its thematic ideas. Anyway if devotes a great sequence to gather all those points mentioned in a nice declaration of love that, again, wouldn't have that same impact in a traditional manga due to having to limit itself. In the freedom that allows it to be pornographic, it reminds us that attraction to another in a couple also has a sexual component of exploration, understanding and enjoyment. Español La obra más reconocida de Sesshuu Takemura, y de las que fue de las más reconocidas en inglés por haber sido prontamente traducida durante los 2000s. Puede que ahora no parezca especialmente “destacable” en dibujo o temática comparando contra similares, sin embargo, en el momento de su traducción si se distanciaba de otras contemporáneas en ambos campos, de ahí que se le brindará ese especial reconocimiento. Partiendo de su temática, hay una interesante dinámica, la pareja protagónica es una chica alta atlética y un chico bajo estudioso, su única característica en común es su perversión, lo que les llevará a una relación de exploración de fetiches e intereses. El planteamiento es efectivo y se desarrolla lo suficiente, ambos reafirmando sus sentimientos, y siendo abiertos hacia aquello que quieren experimentar, y dado que es un manga hentai, tiene esa libertad de presentar explícitamente lo que sería imposible de forma tradicional. Tampoco es un tratado sobre la sexualidad o similares, sencillamente tiene una temática que engloba a todos sus personajes, ese interés “pervertido sexual” como una oportunidad para presentar diferentes fetiches y situaciones. Constituyendo otro punto a favor, dada la temática, hay esfuerzo de Sesshu en la variedad de planteamiento, y luego trasladarlo al dibujo. Gracias a su poco más de dos décadas de publicación, lo puedes encontrar fácilmente sin censura, lo que le favorece al dibujo (y al disfrute). Aparte de las escenas sexuales, hay otras diferentes situaciones presentadas, donde Takemura demuestra su habilidad y potencial de que hubiera tenido en una manga “tradicional”, incluyendo unos cuántos paneles al mejor estilo de un Spokon y otros que recuerdan a una comedia romántica. De todas maneras, en donde mejor resalta su dedicación no podía ser otro que en las secuencias dedicadas al sexo, sea en el diseño de sus personajes femeninos, son geniales las ilustraciones, el acto del momento con sus diferentes expresiones, y aún cuando incluye a más personajes no se pierde el sentido en lo que está sucediendo. No hay mayor carencia a excepción de haber dedicado un poco más de narrativa a la pareja principal en los términos de confianza y exploración de sus intereses, en vez de eso, durante la segunda parte se presentan más personajes sin mayor valor que presentar nuevos fetiches y otras posibilidades. Aunque a su vez se alinea con la intención principal del manga, aún así me parece una lástima que no hubiese aprovechado las bases de la historia para haber enriquecido sus ideas temáticas. De todas formas si dedica una gran secuencia a reunir todos esos puntos mencionados en una bonita declaración de amor que, nuevamente, no tendría ese mismo impacto en un manga tradicional debido a tener que limitarse. En la libertad que le permite ser pornografica, recuerda que la atracción a un otro en una pareja también hay un componente sexual de exploración, entendimiento y disfrute.
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